Cine Mundial

Russell Crowe, un actor multifacético

2009-06-13T11:19:00.000-07:00

+ Saltó a la fama con "Gladiador", con la que ganó el Oscar como mejor actor
+ Se dio a conocer en "Rápida y mortal"; su primer éxito "L.A. Confidential"
+ Convertido en el actor favorito de Ridley Scott, cobra salario de 20 MDD

por Héctor ESPINOSA FLORES

Russell Crowe es un actor que a pesar de su relativamente corta carrera en el cine -con apenas 38 intervenciones en cine y teleseries desde 1972 a 2009-, sobre todo en el de Hollywood, se ha convertido en un actor reconocido ampliamente en todo el mundo gracias a su exitoso papel en "Gladiador" que le mereció ganar el Oscar como mejor actor, pero además fue nomiando por "El informante" y "Una mente maravillosa".

Russell Ira Crowe, su verdadero nombre, nació en Wellington, Nueva Zelanda, el 7 de abril de 1964. Es de origen autraliano neozelandés, pero tiene también ascendencia galesa, noruega y maorí. Se casó en 2003 con Danielle Spencer y sigue siendo su esposa.

Cuando Russell apenas tenía cuatro años de edad, su familia se mudó a Australia, porque sus padres pretendían establecer un negocio de venta de catering para rodajes. Russell fue a la Sidney Boys High School, pero no terminó la escuela porque a los 14 años de edad, su familia regresó a Nueva Zelanda, donde no completó su educación secundaria, porque se puso a trabajar para ayudar en los gastos de la familia.

Después de participar en el cine y la televisión de su país, luego en los años 90 comenzó a trabajar en el cine de Hollywood, pero fue hasta 1995 cuando se dio a conocer un poco más con el western "Rápida y mortal" al lado de Sharon Stone, Gene Hackman y Leonardo DiCaprio, aunque la cinta no resultara de buena calidad. Pero logró un gran éxito al trabajar en "L.A. Confidential" sobre actos de corrupción de sus compañeros policías y que lo ponen a investigarlos y descubrirlos. La cinta le mereció que ganara el Oscar como mejor actriz de reparto Kim Basinger, así como por el mejor guión adaptado, pero además recibió 9 nominaciones más. Pero además fue una cinta taquillera, logrando más de 64 millones de dólares en su corrida de estreno en los Estados Unidos.

Pero dos años después, en 1999 le llegaría otra buena oportunidad colocarse como un buen actor de caracter, con la cinta "El Informante" (The insider), basada en hechos reales, en la que un famoso conductor de un programa de televisión -que interpreta Al Pacino- da a conocer que la empresa Brown & Williamson, le aplicaba sustancias a los cigarros para crear adicción de fumadores, y esa denuncia se logra gracias a que el informante -interpretado por Russell Crowe- es un antiguo bioquímico de dicha tabacalera, que consideró que ese hecho tenía que ser denunciado. Y esa se convirtió en ese tiempo en la mayor multa que se haya aplicado a una empresa tabacalera. Por su papel en esa cinta recibió la nominación al Oscar.

Pero luego en el año 2000 trabajó en "Gladiador" dirigida por Ridley Scott (Alien, Blade Runner, G.I. Jane, Hannibal) y al lado de grandes estrellas como Joaquin Phoenix, Connie Nielse, Richard Harris, y esto le representó a Russell subir hasta lo más alto de la fama, porque ganó por fin el Oscar como mejor actor, pero además la película ganó 4 Oscar más, incluyendo como mejor película, además de recibir 7 nominaciones más. Pero lo sorprendente de todo esto es que cuando preparaban la cinta muchos vaticinaron un rotundo fracaso, porque se creía que ya estaba dicho y visto todo respecto a aventuras épicas de gladiadores romanos. Sin embargo, lo mejor de la cinta fue la carga emocional que provocó con las intensas batallas y los personajes principales de los guerreros. Incluso, esta película logró revivir para beneficio también de otros productores el género, como "Troya", "Alejandro Magno", "300", "El reino de los cielos" que también dirigió el mismo Scott, entre muchas otras que han sido películas que sí están dejando ganancias.

Pero además "Gladiador" fue nominado en 38 certámenes distintos, con un total de 119 nominaciones de las cuales ganó 28 premios.

Y el éxito seguiría a su lado, porque un año después trabajó en "Una mente brillante" dirigida por Ron Howard utilizando una historia verídica sobre un genio de las matemáticas que sufre de esquizofrenia, que logra superar gracias al tratamiento médico al que se somete con el apoyo de su esposa (Jennifer Connelly) pero también por su fuerza de voluntad, y termina recibiendo el Premio Nobel en 1994. En la cinta destacan las actuaciones tanto de Russell Crowe como de Jennifer Connelly que hasta entonces sólo era un rostro muy hermoso pero ahora demostró que también tiene grandes cualidades para papeles difíciles, pero también vale la pena la interpretación de Ed Harris y Paul Bettany.

La película ganó 4 Oscar, entre ellos el de mejor actriz de reparto para Connelly, así como por su guión, como mejor película, mejor director, además de otras cuatro nominaciones entre ellas para Rusell Crowe, además para montaje, música y maquillaje.

Otro de sus éxitos recientes es "3.10 a Yuma" que es un remake de una cinta con el mismo nombre que se filmó en 1957. Esta nueva versión fue estrenada en el 2007 y participan estelarmente Christian Bale (Batman) y Russell Crowe, resultando un buen western que recibió dos nominaciones al Oscar.

Pero también en el 2007 se estrenó "Gangster Americano" dirigida por Ridley Scott en la que Denzell Washington interpretea a un importante traficante de heroína durante la guerra de Vietnam y Russell Crowe interpreta a un detectiva que trata de derribar el imperio de dicho traficante.

Russell Crowe tuvo un romance con la actriz Meg Ryan cuando se conocieron en el rodaje de "Prueba de Vida", pero ahí quedó todo, aunque esto provocó que ella se tuviera que divorciar de Dennis Quaid. El 7 de abril de 2003, en el mero día de su cumpleaños 39, se casó con la actriz y cantante Danielle Spencer y en diciembre de 2003 nació su promogénito Charles, y el 7 de julio de 2006 nació su segundo hijo, Tennyson Spencer.

Entre sus conquistas femeninas se cuentan las actrices Peta Wilson (famosa por la serie Nikita) y Meg Ryan, con la que coincidió en "Prueba de vida". Este sonado romance provocaría el divorcio de la actriz con Dennis Quaid.

Pero Russell Crowe también es cantante y compositor. Fue vocalista y guitarrista de una banda de rock australiana ya separada, "30 Odd Foot O Grunts" que se formó en 1992. El grupo no tuvo éxito, pero editaron tres discos. No obstante, Russell continúa su carrera musical, colaborando con Alan Doyle en la banda canadiense Great Big Sea, desde principios de 2005, publicando en abril de 2005 el single "Raewyn". También publicó un álbum en iTunes, titulado "My Hand, My Heart" en la que incluye una canción tributo al desaparecido actor Richard Harris con quien se hizo íntimo amigo durante el rodaje de Gladiador.

Ahora Russell Crowe esta trabajando en una nueva versión de Robin Wood y por la que estará cobrando un salario de 20 millones de dólares y la dirección estará a cargo de Ridley Scott. Está previsto que esta cinta se estrene hasta el 2010.

Y parece que el actor se está convirtiendo en el preferido de Ridley Scott, porque en 2008 filmó en Marruecos "Body of lies" con Leonardo DiCaprio y Russell Crowe, dirigidos por Ridley, pero también lo quiere a Russell para una cinta sobre la historia de los miembros de la dinastía Gucci, la famosa firma italiana dedicada al diseño y fabricación de artículos de moda.

Por otro lado, el actor es famoso por su mal caracter con los reporteros, pero también en general tiene mal caracter porque en una ocasión le lanzó un teléfono a un conserje de hotel, sólo porque no pudo comunicarse a donde quería. Aceptó su culpabilidad y le dieron una pena reducida. También ocurrió lo mismo cuando agredió a un fotógrafo.

Los próximos proyectos que tiene para este 2009 y los dos siguientes años son "The long shore", "Bra boys", "Dirt music" y "Dolce's inferno".

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@.msn.com

(14-jun-09)

Clint Eastwood un gran director de cine

2009-05-30T17:03:00.000-07:00

+ Con "Gran Torino" su más reciente trabajo, deja un gran legado de buen cine
+ Director, actor, productor, músico de calidad durante los últimos 49 años
+ Clint ha ganado 4 Oscares, pero sus películas han logrado más de una docena

por Héctor ESPINOSA FLORES

Si como se rumora, "Gran Torino" y "El factor humano" -que aún no se estrena- serán sus últimos trabajos como director, entonces desde ahora deberíamos de agradecerle en vida, a Clint Eastwood la grandeza de sus trabajos como director, actor, productor y autor del soundtrack de varias de sus películas, porque sus más de 54 años de carrera artística representa una herencia digna de imitarse para los nuevos cineastas y actores, pero también para los cinéfilos representarán grandes clásicos del cine de diversos géneros que podrán seguir viéndose con agrado, décadas después.

Su nombre real es Clint Eastwood Jr., y nació en San Francisco, California un 31 de mayo de 1930, por lo que hoy cumple 79 años de edad. Ha trabajado como actor en 64 películas y están por salir las 2 más nuevas. Ha dirigido 33 y producido 30, así como también ha sido el autor del soudtrack de 21 películas y compositor de 5 temas. Desde 1955 a la fecha ha ganado 4 Oscares, pero también ha ganado otros 101 premios internacionales y ha recibido nominaciones 64 nominaciones.

Aunque nació en San Francisco, California y se crió en Oakland, en realidad vivieron en varias ciudades porque junto con sus padres Clinton Eastwood Sr. y Margaret Ruth Runner andaban de ciudad en ciudad en busca de trabajo durante la Gran Depresión, por lo que Clint fue leñador, albañil, pianista, bombero forestal, limpia piscinas, obrero del metal y otro muchos oficios.

Su servicio militar lo cumplió como instructor de natación en Fort Ord y con los ahorros que hizo, pudo pagarse unas clases de arte dramático en Los Angeles College, porque fue fuertemente influenciado por sus amigos del campamento militar David Janssen -que luego se haría famoso como actor de la serie El Fugitivo- y Martin Milner -famoso después por la serie La vida de Ritley- y gracias a los dos logró su primer contrato en la Universal que le pagaban 76 dólares semanales pero con trabajo seguro 40 semanas.

A los 23 años de edad, en 1953, se casó con Maggie Johnson -que sería la madre de sus hijos Kyle y Alison- y un año después debutó en su primer película "Revenge of the creature" y al mismo tiempo que llegaban otras actuaciones en cine, también logró trabajo en la televisión en la serie "Rawhide" favorecido por su porte y su bien parecido físico que destacaban todos los medios informativos.

Y el éxito le llegó pronto, porque luego de su sexta película, trabajó en 1960 en "Por un puñado de dólares" un "espaghetti western" dirigido por el italiano Sergio Leone, quien a pesar de las críticas, la cinta fue taquillera en diversos continentes. Y la cinta fue filmada en tiempo récord porque no había dinero para nada y dicen que Clint debió comprar su propio vestuario, incluyendo el poncho mexicano que se ponía sobre el hombro y con el que salió en las demás cintas en las que trabajó también para Leone -además de la barba y el puro inseparable-, y que serían "Por unos dólares más", "El bueno, el malo y el feo" -quizá la más famosa de la trilogía en el continente americano- que se convirtieron en una trilogía que dejó muchisimo dinero, ya que tan sólo para Clint fueron más de 270 mil dólares, algo poco común en esa época.

Pero también, esa trilogía marcó el cine de vaqueros, así como también desde esa fecha se hizo famosa esa "cara de palo" de Clint como parte de su dureza y escasa piedad, lo cual sigue siendo imitado en la actualidad no solamente en el cine de vaqueros, sino también de otros géneros.

Ya con la fama de la trilogía y la tonadita de la canción de "El bueno, el malo y el feo", Clint estuvo en México filmando en 1970 en Durango el western "Dos mulas para la hermana Sara" dirigido por Don Siegel con Shirley McLaine y muchos mexicanos como Armando Silvestre, Manuel Fábregas, Pancho Córdova, Ada Carrasco, Enrique Lucero, pero la cinta nu tuvo mucho éxito.

Pero al año siguiente le surgiría otro éxito a Clint Eastwood con el thriller "Play Misty for me" con la que debutó como director de cine. Y como era su debut como director, esperaban poco de él, pero sorprendió, porque resultó una intriga interesante gracias también a la interpretación de Jessica Walter destacando e inquietando por sus amenazas y provocaciones. La cinta fue filmada en la ciudad de Carmel, su ciudad natal y de la que sería alcalde a mediados de los ochentas. Pero la historia del locutor amenazado por una radioescucha, también cuenta con una buena selección de temas musicales que aparecen de fondo.

Y por si fuera poco, su siguiente película fue también un éxito, y nacería otro mito del cine de Clint Eastwood. El tercero, porque primero destacó en el western como pistolero sin piedad en la trilogía de Sergio Leone, luego en el thriller como locutor, y ahora como "Harry el sucio", era un clásico macho, un pistolero precisamente sucio en la cinta titulada con ese nombre y dirigida por Don Siegel, personaje que fue de varias películas de género policiaco.

Y apenas 7 años después de su debut, que algunos predijeron sería un fracaso para quien se creía "muy carita" pero nada tenía de actor, pero ya para entonces estaba demostrando que era buen actor, pero mucho mejor director incluso de diversos géneros.

Pero también bajo la dirección de Don Siegel no solamente lo llevó a la fama como el detective Harry Callahan y en algunos western, porque también fue un gran éxito de taquilla "Escape de Alcatraz" en 1979.

Luego a Clint no le fue muy bien con sus direcciones en "Bronco Billy" y "Firefox" pero en 1992 maravilló a medio mundo al convertir en un gran éxito de taquilla "Unforgiven" (Los imperdonables) pero cuando la estaba filmando tenía a la crítica de todo el mundo en su contra porque consideraban que a la gente ya no le interesaba el tema de los western porque igual como los temas bélicos, ya estaba todo dicho y mostrado en la pantalla grande, pero fue todo lo contrario.

La cinta ganó 4 Oscares y 5 nominaciones más al Oscar, pero fue aclamada, premiada y nominada en más de una docena de los festivales de cine más reconocidos en el mundo. En la cinta, por cierto, lleva el papel femenil estelar Frances Fisher que ya para entonces era pareja de Clint Eastwood y tuvieron la hija Francesca Fisher-Eastwood.

Clint Eastwood tuvo como esposa de 1953 a 1978 a Maggie Johnson pero después de 35 años de matrimonio truenan cuando Clint conoce a Sondra Locke durante el rodaje de "Ruta suicida". Casi al mismo tiempo entra a la política como alcalde del partido republicano, en la ciudad de Carmel, pero un año después abandona el cargo porque quiere filmar más y funda su productores Malpaso Protuctions. En 1989 rompe con Sondra luego de conocer a Frances Fisher (Sin Perdón, Titanic) con la que tienen una hija y siete años después, en 1996 se casa con la periodista latina Dina Ruiz, con la que sigue unido. Clint ha tenido 7 hijos: Kimber que nació en junio de 1964 y es hijo de Roxanne Tunnis, Kyle que nació en 1968 y Alison que nació en 1972 y son de Maggie Johnson, asdemás Kathryn Eastwood que nació en 1988 y es de Jacelyn Reeves, además Heather Eastwood que nació en 1988, también Francesca Fisher-Eastwood que nació en 1993 y es de Frances Fisher y Morgan que nació en 1996 y es de Diana Ruiz.

Dicen que los años noventas fue su mejor época de director con "Bird", "Cazados blanco, corazón negro", "Un mundo perfecto", "Los puentes de Madison", "Medianoche en el jardín del bien y del mal" en la que Clint dirige a su propia hija y "Los imperdonables".

Ya para el año 2003 Clint regresa al drama con "Mystic River" con Sean Penn y le fue muy bien porque consiguió seis candiaturas al Oscar entre ellas la de mejor película y mejor director, ganando los de mejor actor y mejor actor de reparto.

Y en el 2004 su nuevo trabajo de dirección, "Million Dollar baby" con Morgan Freman y Hilary Swank ganaron 4 Oscar entre ellos como mejor director y 3 nominciones más.
Luego en el 2006 dirige dos cinta, "Banderas de nuestros padres" basada en la novela escrita por uno de los hijos supervivientes de la batalla y "Cartas desd Iwo Jima" que cuenta las experiencias de la batalla desde los puntos de vista estadounidense pero también desde el punto de vista japonés, pero causó polémicas muy serias que seguramente influyeron para que finalmente no le otorgaran el Globo de Oro cmo mejor director, aunque fue nominado, y en cambio ganó ese premio en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

También Clint compone discos de jazz, es propietario de varias empresas deportivas y de hosteles, entre ellas un complejo turístico de lujo en Monterey County y siempre ha buscado ofrecer una imagen de un hombre que siempre está preparándose físicamente.

Curiosamente lo mejor que ha dirigido últimamente, "Gran Torino", Clint regresa a sus comienzos y retoma el personaje que dejó de caracterizar en la pantalla porque consideró que le afectaba a su imagen, el del policía matón "Harry el sucio", pero ahora ese policía en la vejez se desenvuelve dentro de un marco crítico a la intolerancia política, el racismo, el abuso sexista, pero convertida en otra de sus obras maestras de Clint, logrando dejar impactado a su público, sobre todo por ese final que tiene la cinta.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(31-may-09)

Chuck Norris un invencible ranger y karateca

2009-05-16T13:07:00.000-07:00

+ Saltó a la fama peleando contra Bruce Lee, y perdiendo, en “Operación Dragón”
+ “Walker, texas ranger” fue su primer gran éxito; “Fuerza Delta”, su otro éxito
+ Fue campeón de artes marciales, y “veterano del año” de las fuerzas aéreas de EUA

por Héctor ESPINOSA FLORES

Chuck Norris es muy conocido en el mundo por sus artes marciales, pero también por su papel como Ranger –guardabosque- en la teleserie “Walker, Texas Ranger” y por la cinta de acción “Fuerza Delta”, pero logró la mayor fama cuando apareció peleando contra Bruce Lee en la cinta “Operación Dragón”, donde Chuck perdió el combate, pero ganó la fama.

Pero vale la pena destacar que su fama la logró con una carrera muy larga en tiempo y unas cuantas intervenciones en el cine y en la televisión, porque durante 39 años de carrera sólo intervino en 37 ocasiones en cine y televisión.

Fue también muy famoso por ser el clásico héroe al que nunca hieren y mucho menos muere, o al que nunca se le acaban las municiones a su pistola o rifle, y el que nunca falla los golpes o los disparos.

Su más reciente intervención ha sido en la cinta “The cutter” un thriller con drama y acción, filmada en el 2005, pero también en ese año fue el productor ejecutivo de una película para la televisión basada en la serie que estuvo al aire desde 1993 al 2001, “Walker, Texas Ranger. Trial by fire”, y en el 2003 trabajó en la cinta de horror “Bells of innocence”.

Carlos Ray Norris Jr., su verdadero nombre, nació el 10 de marzo de 1940, en Oklahoma, Estados Unidos, fue campeón de kickboxing, fundador de una asociación de karate, pero también recibió el premio “veterano del año” de las fuerzas aéreas de los Estados Unidos de Norteamérica en el 2001. Como instructor de artes marciales, instruyó a muchos famosos, como Steve McQueen y la hermosa Priscilla Presley. Además, fundó una institución para ayudar a personas con problemas de adicciones a las drogas y para combatir la violencia en las escuelas.

En la pantalla, fue y sigue siendo muy famoso por su patada voladora giratoria, por demás fulminante.

Se inició en las artes marciales en Corea del Sur, donde estaba asignado en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, en los años cincuenta, y le gustaba la especialidad Tang Soo Do, Taekwondo y Hapkido, pero cuando regresó a los Estados Unidos practicó otros estilos, como Machado Jiu Jitsu, de origen brasileño basado en enfrentamientos reales, principalmente en acciones de suelo.

Pero también creó su propio arte marcial al que llamó Chun Kuk Do, basado en Tang Soo Do, con elementos de todas las arttes marciales que él conoce, según él mismo lo informó, y tiene su propio código de honor y reglas de vida, que son:
1. Desarrollaré mi potencial al máximo posible en todas las perspectivas de mi vida.
2. Olvidaré los errores del pasado y me concentraré en los grandes triunfos del presente.
3. Me mantendré siempre en un pensamiento positivo y trataré de transmitir éste a todas las personas que conozca.
4. Trataré continuamente de desarrollar el amor, la alegría y la lealtad en mi familia, y comprenderé que ningún otro logro puede compensar las fallas en el hogar.
5. Buscaré lo mejor de todas las personas y les haré sentir que valen la pena.
6. Si no tengo nada bueno que decir sobre una persona, no diré nada.
7. Daré tanto tiempo a mejorar mi persona que no tendré tiempo de criticar a los demás.
8. Seré siempre tan entusiasta con los logros de otras personas como con los míos propios.
9. Mantendré una actitud de tolerancia hacia las personas que tienen un punto de vista diferente del mío, mientras todavía me mantendré firme respecto a lo que personalmente creo verdadero y honesto.
10. Mantendré respeto hacia las autoridades y lo demostraré todo el tiempo.
11. Me mantendré siempre leal a Dios, mi país, mi familia y a mis amigos.
12. Me mantendré siempre altamente orientado durante toda mi vida con una actitud positiva a ayudar a mi familia, mi país y mi persona.

Pero esas cintas de acción y la serie de televisión sobre el Texas Ranger que era un verdadero héroe por demás honesto, en la actualidad ya no impactan de la misma forma que cuando surgieron, sino que por el contrario, muchos las consideran exageradas y hasta chistosas, y aprovechando la magia de la red de internet, existen muchísimos sitios en los que se burlan de sus acciones heróicas, pero sobre todo del éxito que tenía con cada golpe o con cada disparo.

Pero en parte esas burlas no son tanto por las exageraciones en sus películas de acción, sino porque ahora que Chuck Norris es cristiano –antes ateo- ha escrito varios libros sobre el tema, como The Justice Riders, pero también ha salido en anuncios publicitarios para la televisión promoviendo el estudio de la Biblia y las oraciones en los colegios públicos, y estiman que las burlas surgen a partir de sus discursos y poses que toma al respecto.

Incluso, el 2007 utilizó su popularidad en la red para apoyar al candidato a la nominación republicana para las elecciones presidenciasles de Estados Unidos, Mike Huckabee, con un video promocional en el que ambos aparecían y el aspirante pronuncia algunas verdades de Chuck.

Sus películas son The Wrecking Crew (1969), Way of the Dragon (1972), The Student Teachers (1973), Slaughter in San Francisco (1974), The Warrior Within (1976), (documental), Bruce Lee, the Legend (1977) (documental), Breaker! Breaker! (1977), Good Guys Wear Black (1978), A Force of One (1979), The Octagon (1980), An Eye for an Eye (1981), Silent Rage (1982), Forced Vengeance (1982), Lone Wolf McQuade (1983), Missing in Action (1984), Missing in Action 2: The Beginning (1985), Code of Silence (1985), Invasion U.S.A. (1985), Fire Walker (1986), The Delta Force (1986), The Karate Kommandos (1986), Braddock: Missing in Action III (1988), Hero and the Terror (1988), Delta Force 2: The Colombian Connection (1990), Delta Force 3: The Killing Game (1991), The Hitman (1991), Sidekicks (1992), Hellbound (1994), Top Dog (1995), * Forest Warrior (1996), The President's Man (2000), The President's Man 2: A Line in the Sand (2002), Bells of Innocence (2003), Dodgeball: A True Underdog Story (2004), The Contender (2005), The Cutter (2005), Walker, Alguacil de Texas: Juicio bajo fuego (2005).
Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

Jack Nicholson más de 50 años en el cine y 12 nominaciones al Oscar

2009-04-18T11:20:00.000-07:00

+ Ganó 3 Oscares. Prefería aceptar sólo aquellas películas que conssderaba de calidad
+ Abandonados por su padre, creía que su madre era su hermana y su abuela, su madre
+ Saltó a la fama con “En busca del destino” y “Atrapado sin salida”, ambas nominadas

por Héctor ESPINOSA FLORES

Jack Nicholson a sus casi 72 años de edad –los cumple el 22 de abril de 2009-, ha tenido una carrera muy activa en el cine. Aunque hay que advertir que no ha hecho películas a montones, a pesar de que está activo en el cine desde 1958 a la fecha, porque más bien ha buscado trabajar en los temas que ha considerado que le favorecerían a su carrera. Y eso le ha permitido que sea uno de los más nominados, porque ha recibido un total de 12 nominaciones, y ganado 3 Oscares.

Pero además, ha dirigido 4 de sus películas, ha producido 6, ha escrito el guión de 6, ha ejecutado un tema musical en 4 cintas, y en total ha trabajado en 72 películas, además de en la que está trabajando ahora titulada “The bucket list” al lado de Morgan Freeman. Vale la pena advertir que cuando dirigió, escribió el guión o ejecutó música, fue en los primeros años de su carrera, que fue la más productiva, aunque en cuestión de calidad, también es comparable a las actuaciones que ha mostrado recientement, aunque ya en otra faceta.

Para muchos, su gran éxito cinematográfico como actor, fue cuando interpretó a un interno de un manicomio en “Atrapado sin salida”, con la que ganó el Oscar a la mejor actuación estelar. Sin embargo, su primer gran actuación que impactó a muchos que gustan del buen cine, fue con la cinta “Easy rider” (Buscando mi destino) en la que ni siquiera era el actor estelar, pero se trataba de un excelente trabajo de Dennis Hopper como actor y director de la cinta así como coautor del guión, junto con Peter Fonda que también era el actor estelar, ambos haciendo el papel de rebeldes hippies de los años sesentas. También fue nominado al Globo de Oro.

Un año después de este que fue su primer actuación realmente exitosa, Jack fue nominado de nuevo al Oscar y al Globo de Oro por “Five easy pieces” (Mi vida es mi vida) y en 1973 por “The last detail”, en 1974 por “Chinatown” que le merece ganar el Globo de Oro, en 1975 gana el Oscar y el Globo de Oro por “Atrapado sin salida”, en 1981 es nominado al Oscar por su coactuación en “Reds”, y luego en 1983 gana el Oscar y el Globo de Oro por “La fuerza del cariño” y dos años después es nominado al Oscar y gana el Gloro de Oro por “El honor de la familia Prizzi”, y en 1987 fue nominado al Oscar y Globo de Oro por “Ironweed” (Tallo de hierro), luego en 1989 lo nominan al Globo de Oro por su papel del huason en “Batman”, después en 1993 lo nominan al Oscar por “Un buen hombre” y en 1998 vuelve a ganar el Oscar y el Globo de Oro por la cinta “Mejor, imposible” y su más reciente nominación al Oscar fue en 2003 con “About Schmidt”.

En los tiempos de sus primeros grandes éxitos, fue acusado por feministas que mostrarse como un macho maltratador de mujeres, a las que sólo consideraba como un objeto sexual, y ellas citaban por ejemplo en “Mi vida es mi vida” que abandona a Karen Black en una gasolinera, mientras que en “Ansia de amar” (Carnal knowledge) presiona y maltrata a la hermosa Ann-Margret hasta llebarla al borde del suicidio, pero Jack se defendía remarcando que simplemente interpretaba al personaje de la historia de cada cinta, y nada más. Sin embargo, como su vida privada es muy corta de relaciones con mujeres, y sólo estuvo casado de 1962 a 1968 con la actriz Sandra Knight y de esa relación nació la hoy actriz Jennifer Nicholson, y después una relación con Angelica Houston. Sin embargo, tuvo en 1070 a su hijo Caleb con Susan Anspach, luego en 1981 a su hija Honney Hollman con la supermodelo danesa Winnie Hollman, y luego a sus hijos la actriz Lorraine Nicholson en 1990 y Raymond en 1992 con la actriz Rebecca Broussard.

Con Morgan Freeman en "The Bucket list"

Pero también anduvo con la actriz María Schmneider –aquella que impactó e impresionó al público de los años setentas con una escena de sexo anal con Marlon Brando en “El último tango en París”- antes de trabajar junto a ella en la cinta “Profesión: reportero” dirigida por Michelangelo Antonioni.

Cuando en 1971 debutó como director de cine con “Drive, he said” sobre la lujuria en una universidad, su popularidad cayó por los suelos porque resultó un fracaso la cinta. Y para colmo de males, luego intervino como actor en “The king of Marvin Gardens” haciendo el papel de un personaje que no estaba inseguro de su machismo que se contrastaba con un hermano altamente macho que interpretaba Bruce Dern. Esa actuación tampoco le ayudó en su carrera en ese tiempo, aunque en la actualidad se le considera una buena interpetación, que se imaginan contrastó enormemente con todos sus personajes de macho, y por eso había destanteado a los espectadores de entonces.

Y como señalábamos al comienzo, Jack se caracterizó precisamente por no filmar todo lo que le ofrecían, porque si así fuera, llevara a la fecha más de 150 películas porque nunca ha dejado de estar activo en los 49 años de actuación en las pantallas. Y por eso, en su tiempo presumió que no aceptó el ofrecimiento del papel de Michael en “El Padrino” y “El golpe” porque aunque comercialmente fueron un gran éxito, creativamente las consideró que no valían la pena.

Obviamente cuando le ofrecieron “El último detalle” donde interpreta a un marino, no le puso ningún pretexto y después se comprobó su acierto porque fue nominado al Oscar, o como pasó con “Barrio chino” dirigida por Roman Polanski con una historia detectivesca, y luego cuando intervino junto a Warren Beatty en “The fortune”, que se temía la fueran a prohibir en Georgia –Estados Unidos- como prohibieron “Ansia de amar” por considerarla pornográfica. Pero eran otros tiempos, que no se comparan con la libertad de expresión actual.

En cuando a su caracter, Jack llegó a declarar en los años ochentas que “...todo mundo es posesivo: esa es una de las cosas que enfatizan los sentimientos hombre-mujer. Por supuesto, ser demasiado posesivo resulta irritante para la persona con quien uno tiene una relación. Pero la verdad, a mí no me gusta compartir a mi dama. Y supongo que ella tiene el mismo parecer”. Pero advertía que tampoco quería, necesariamente, firmar un contrato de matrimonio con su dama. No es que esté decididamente en contra del matrimonio. Pero encuentro que , excepto para los fines de una entrevista, no tiene demasiado caso formularse opiniones sobre estos temas. Una vez que las cosas comiencen a pasar, uno sabe qué hacer, sin importar las declaraciones que haya hecho con anterioridad.

Jack, que en realidad se llama John Joseph Nicholson, nació en Neptune, New Jersey el 22 de abril de 1937 y su padre Don Furcillo Rose fue un gran alcohólico que ya estaba casado cuando conoció a la madre de Jack, June Nicholson, que era bailarina de cabaret. La embarazó e incluso se casó con ella, sin importarle que cometía bigamia, por ya estar casado. Pero pronto los dejó y la madre fue quien crió a Jack desde muy pequeño, así como sus abuelos maternos, con los que estuvo tanto tiempo que Jack creía que eran sus padres, y su madre, su hermana. Y jamás lo supo, sino hasta cuando ya era famoso, descubrió el secreto la revista “Time”. Tuvo una infancia muy solitaria, después de terminar la educación básica sue fue buscar fortuna en el cine y comenzó trabajando en la Metro Goldwyn Mayer como ayudante de oficina, al mismo tiempo que estudiava actuación, y cuando ya estaba trabajando en teatro, se le acercó un joven actor y le ofreció que participara en la cinta que él mismo estaba produciendo, Roger Corman, titulada “The Cry Baby Killer” filmada en 1958. Y gracias a Corman logró estar en cine la siguiente década, y fue cuando Jack escribió el guión de “El viaje”, realizada en 1967, precisamente sobre los “viajes” al consumir la droga más famosa de ese tiempo de hippies, el LSD.

Escena de "The Department"

Su más reciente participación en cine ha sido en 2007 en "The bucket list" junto a Morgan Freeman sobre el encuentro de dos enfermos terminales que su desgracia termina uniéndolos en una amistad singular a pesar de que sólo se han conocido cuando están internados en el hospital, y a pesar de que los separan grandes abismos, monetarios porque Jack interpreta a un millonario, y Morgan es un viejo de color y pobretón.

Y un año antes, en 2006, había trabajado en "El departamento" sobre policías que infiltran a un elemento para tratar de capturar a una peligrosa red de crimen organizado.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com
(19-abr-09)

Fernando Soto "Mantequilla" cómico de más de 160 películas

2009-04-11T15:51:00.000-07:00

+ "Nosotros los pobres", "Ustedes los ricos", "Pepe el Toro", sus mejores éxitos
+ También con Pedro Infante en "Los tres García" y "Vuelven los García"
+ Trabajó al lado también de Luis Aguilar, Cantinflas, Tin Tan, David Silva

por Héctor ESPINOSA FLORES

Fernando Soto "Mantequilla" fue un gran actor cómico, muy talentoso, porque tuvo una gran época en las carpas, luego en el teatro de revista y en el cine donde trabajó en más de 160 películas entre los años 1938 a 1977 en las que trabajó al lado de las más grandes estrellas de la época de oro del cine mexicano como Pedro Infante, Jorge Negrete, Germán Valdez "Tin Tan", Luis Aguilar, David Silva, Cantinflas, Roberto Cañedo, Fernando Soler, Sara García, entre otros, demostrando haber heredado las cualidades de su padre Roberto "El Panzón" Soto.

Nació Fernando Soto Astol en el estado de Puebla el 15 de abril de 1911 y falleció el 11 de mayo de 1980 en la ciudad de México, de diabetes.

En sus comienzos recorrió México con un espectáculo carpero en diversas compañías artísticas, y luego con su propio espectáculo. Se cartacterizó por ser un comediante puro, y no como su padre que se destacó por su crítica mordaz o de doble sentido, además de que se le consideró el iniciador de los chistes políticos, porque cuando se rumoraba que el presidente Calles había mandado asesinar a Pancho Villa, al cómico "Panzón" Soto le gritaban ¿Y quién mató a Pancho Villa? y el respondía irónico "¿calle... se".

En el cine se inició en 1938 con en la cinta "México lindo" estelarizada por Rafael Aponte y Juanita Barceló, pero en la que también trabajó su padre Fernando Soto. Y fue hasta tres años después cuando volvió a trabajar en cine al lado de Cantiflas en "Ni sangre ni arena" en la que interpretó el papel del "charifas". Y luego no volvió a trabajar en cine hasta 1943 en "El rebelde"con Jorge Negrete y María Elena Marqués.

En "La ilusión viaja en tranvía"

Y después de esa película, trabajó menos en teatro y en las carpas, para hacer más cine porque al año siguiente, 1944, ya le habían ofrecido dos películas "Gran Hotel" con Cantinflas y "La hija del regimiento" con Luis G. Barreiro. Y luego en 1945 trabajó en 4 películas "El recuerdo de un vals" con Emilio Tuero, "Como México no hay dos" con Tito Guízar, "Soltera y con gemelas" con Amanda Ledesma y José Cibrián, "Los misterios del hampa" con María Antonieta Pons. Y así siguió en los siguientes años, con muchas intervencios en comedias, pero también en dramas.

Pero fue en 1946 cuando su fama se incrementó al intervenir en la exitosa "Campeón sin corona" dirigida por Alejandro Galindo con un gran papel de David Silva y la cinta ganó 4 Arieles. Pero también le fue muy bien con "El barchante Neguib" que dirigió y estelarizó Joaquín Pardavé.

En 1947 le fue muy bien con su popularidad al participar en la secuela "Los tres García" y "¡Vuelven los García!" dirigidas por Ismael Rodríguez que se filmaron ese mismo año, interviniendo además Sara García, Marga López y Abel Salazar.

Luego siguieron otros éxitos como "Soy charro de Rancho grande" con Pedro Infante, "Juan Charrasqueado" con Pedro Armendáriz, así como en la cinta "Los tres huastecos" también dirigida por Ismael Rodríguez en la que Pedro Infante hacía los tres personajes estelares, recibiendo 6 nominaciones al Ariel.

Con David Silva en "Esquina, bajan"

En 1948 llevó el papel coestelar en "Esquina, bajan...!" dirigida por Alejandro Galindo y la cinta ganó 2 Arieles y dos nominaciones una de ellas por la excelente actuación de David Silva. Esta película está considerada dentro de la lista de las que fueron consideradas como las 100 mejores películas mexicanas de toda la historia. Ha sido considerada como una buena comedia urbana, pero destacando la naturalidad de David Silva en su papel así como el trabajo del director, así como sus diálogos y un ambiente siempre alegre permitieron que la cinta divirtiera de principio a fin. Y eso provocó que la cinta fuera mucho muy popular en 1948 sobre todo por el gran descontento que existía en los habitantes de la ciudad de México por las constantes cambios en su urbanización y que la cinta tratara el asunto a su favor.

Luego en 1948 vino el comienzo de una cinta que sería la más taquillera en México pero que sería el comienzo de una trilogía de grandes dramas que seguramente jamás se imaginaría su creador Ismael Rodríguez la magnitud que tendría. Porque en realidad el éxito ya lo presentía que Pedro Infante se convertiría en un gran ídolo como actor y cantante desde que lo dirigió en "Los tres García" y la secuela "Vuelven los García".

Con "Nosotros los pobres" Ismael Rodríguez conquistó a la gente humilde, a los obreros, a los artesanos y carpinteros, los campesinos, los pequeños comerciantes, o sea precisamente a los pobres que mostraba la cinta. Y se convirtió en un gran éxito que a más de 50 años de distancia siguen emocionando y haciendo estremecerse y llorando con su drama de las tres que conforman la trilogía: "Nosotros los pobres", "Ustedes los ricos" y "Pepe el Toro". Y sus personajes siguen en el recuerdo de muchos, como Chachita, o Blanca Esthela Pavón -la pareja sentimental de Pedro Infante- como La Chorreada quien ya para cuando se había estrenado "Pepe el Toro" -1953- ya el público había llorado por su trágica muerte cuando viajaba en el avión que tripulaba Pedro Infante y por el cual tuvieron que ponerle una gran placa metálica en la frente que se le notaba en sus siguientes películas.

Pero originalmente no se pensó en hacer una trilogía porque éstas no existían en México, porque lo único que se llegaba a producir era una secuela, o sea dos películas del mismo tema como pasó con "Los tres García" y "Vuelven los García" o bien "A toda máquina" y "¿Qué te ha dado esa mujer?", todas ellas con Pedro Infante. Pero al final de cuenta, pero viendo el éxito taquillero de las dos restantes, decidieron hacer modificaciones a la historia -de Carlos González Dueñas- y cambiando de argumentista adaptador del tema Rogelio A. González, por el mismo director de la cinta Ismael Rodríguez y Carlos Orellana.

Las excelentes y muy naturales actuaciones de Pedro Infante, Evita Muñoz "Chachita" y Blanca Esthela Pavón, fueron y siguen siendo fundamentales para lograr ese éxito y querencia porque a más de 50 años de filmada, muchos que no la conocen la buscan y los que ya la han visto, vuelven a hacerlo.

Luego en 1954 Fernando Soto "Mantequilla" trabajó bajo la dirección del gran realizados español Luis Buñuel en "La ilusión viaja en tranvía" con Lilia Prado y Carlos Navarro en la que éste y "Mantequilla" luego de emborracharse deciden robarse el tranvía que saben que será retirado de la circulación por estar muy deteriorado. Luis Buñuel se ganó el reconocimiento del público al presentar una comedia de calidad, con mucho sentido del humor pero también con ironías. Sin embargo, hay quienes han considerado que es una de las cintas menos importantes en la carrera del realizador.

También trabajó en otras exitosas y conocidas cintas como Dicen que soy mujeriego, El Seminarista, Dos gallos de pelea, Te besaré en la boca, Cartas a Eufemia, Hay pena, penita, pena; Tú y las nubes, Los bandidos de Río Frío, Que me toquen las golondrinas, Mal de amores, La feria de San Marcos, Echame la culpa, Yo no me caso compadre, Zorro Vengador, Ahí vienen los Argumedo, El mariachi canta, El norteño, Los derechos de los hijos, Guadalajara en verano, Seguiré tus pasos, La vida de Pedro Infante, Guitarras lloren guitarras, y Como gallos de pelea -1977- que fue la última en que trabajó, 3 años antes de su muerte.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com
(12-abr-09)

Blanca Sánchez una actriz talentosa

2009-04-04T13:25:00.000-07:00

+ Recibió numerosos premios como mejor actriz en diversas obras teatrales
+ Famosa por su telenovela “Quinceañera”, que sigue teniendo mucho éxito
+ Ha trabajado en 100 cintas y telenovelas; sigue activa en la actualidad

por Héctor ESPINOSA FLORES

Blanca Sánchez ha sido una gran actriz de teatro, pero también de telenovelas como “Quinceañera”, y también partició en muchas películas. En la actualidad ya está alejada de la actuación, y trabaja dentro del departamento de finanzas de la Asociación Nacional de Actores.

Blanca Sánchez intervino en las primeras telenovelas que se transmitieron en México, cuando todo se tenía que hacer en vivo, o sea como se ocurre con la puesta en escena de una obra teatral, lo cual para ella precisamente no fue difícil por tener una gran carrera como actriz teatral, pero también ya tenía la experiencia de haber actuado en radionovelas cuando apenas tenía 9 años de edad en “Conflicto”, en la que llevaba el estelar su madre, Ofelia de la Fuente, actriz de radionovelas.

Blanca Aurora Sánchez de la Fuente, su nombre completo, nació el 2 de marzo de 1946 en la ciudad de México, hija del compositor Luis Sánchez Silva, y ella recuerda que cuando debutó en 1957 en la televisión con el teleteatro “Noche de angustia” su madre estaba nerviosísima y ella tranquila a pesar de su corta edad, y recuerda que había una escena con Silvia Derbez en la que ella le leía un cuento, pero en lugar de mostrarse atenta a lo que le leían, de pronto vió la gran cámara de televisión y ya no le perdió la vista a la cámara, porque le sorprendió bastante. Al terminar el episodio de la telenovela, le llamó la atención el director, porque en ese tiempo las telenovelas se filmaban y transmitían en vivo.

En el año 2007, ella se mostró muy emocionada por la retransmisión de la telenovela “Quinceañera” a 20 años de distancia de haberse grabado con Adela Noriega y Thalía y que en ese tiempo fue el inicio de las historias juveniles y que causaron mucho impacto, pero aún el la actualidad, ella dice que la ve, y llora.

Y consideró que sigue siendo una novela linda y de gran éxito, aunque es obvio que algunas cosas llaman la atención, como esos peinados encopetados, que eran tremendos. Ella hacía el papel de la madre de Thalía, que en ese tiempo ya había ingresado al grupo Timbiriche. Pero a 20 años de distancia el tiempo no le favoreció a Ernesto Laguardia y Adela Noriega, pero sí a la esposa de Tommy Motola, porque Ernesto engordó, y Adela ya no es tan linda, pero sigue siendo una mujer bonita. Considera que las telenovelas de la actualidad son más completas, más reales porque se filman en locaciones exteriores que elevan la calidad.

En el cine debutó en “Yo, el mujeriego” al lado de Antonio Aguilar, luego estuvo en “Los mediocres” y “Canta mi corazón” y su primer estelar fue en la cinta “Los novios de mis hijas” en 1964 con Julio Alemán, Maricruz Olivier y Julissa, luego siguieron otras como “Matar es algo fácil”, “Prohibido”, así como la serie de “Chucho el Roto”.

Ha trabajado bajo lás ordenes de prestigiados directores mexicanos como Julio Bracho “En busca de un muro”, de Arturo Ripstein en la excelente “Tiempo de morir”, o con jaime Humerto Hermosillo en “María de mi corazón”. Y cuando iba a ser dirigida por Emilio Indio Fernández en 1976, se quedó pendiente porque fue cuando lo detuvieron acusado de haber asesinado a un individuo.

Pero incluso, dentro de la cárcel Emilio Fernández vio la telenovela “Mi hermana la Nena” y le dijo que quería conocerla porque le parecía una actriz con mucho ángel y mucho talento. Cuando salió libre la llamó a su casa y le ofreció un papel en “México Norte” que era una moderna versión de la exitosa “Pueblerina”.

Incluso llegaron a comprar el vestuario y la peluca que ella necesitaría, pero cuando ya todo estaba listo, Conacine le puso como condición para recibir el financiamiento para filmarla, que el papel estelar tenía que estar a cargo de Patricia Reyes Espíndola, y Blanca Sánchez se quedó fuera del proyecto.

Lo más reciente telenovela que Blanca Sánchez ha hecho fue en el 2007 con “Lola; érase una vez” en la que llevó el rol estelar mientras que Aarón Díaz y Lorena Herrera y Grettell Valdez. Pero esto fue fráncamente su reincorporación al ambiente, porque en el 2002 estuvo en la telenovela “Las vías del amor” y en ese mismo año trabajó en la cinta “Acosada” dirigida y escrita por Marcela Fernández Violante con Ana Colchero y Esteban Soberanes. y en el 2001 estuvo en la miniserie “Navidad sin fin” y en la cinta “Piedras verdes” con Vannessa Bauche y Osvaldo Benavides.

Pero también trabajó en “Contigo en la distancia” un corto dirigido por Tomás Gutiérrez Alea, basado en un guión de Gabriel García Márquez.

Blanca Sánchez estuvo casada con Roberto Los, padre de su hija Valerie y luego se casó con el empresario Garret J. Woodside II, y después con el corredor de autos de Fórmula 3, el libanés José Antonio Massad.

En telenovelas ha estado en algunas como Madres egoístas (1963), Lo imperdonable (1963), La Duquesa (1966), La Tormenta (1967), Chucho el Roto (1968), Los Miserables (1973), Los bandidos de Río Frío (1976), Mi amor frente al pasado (1979), J.J. Juez (1979) que a ella le parece la mejor de su carrera sobre todo porque ella lleva el estelar, así como Vivir enamorada (1982), Quinceañera (1987), Senda de gloria (1987), La sombra del otro (1996).

Algunas de sus cintas son Yo el mujeriego (1963), Los mediocres (1963), La sombra de los hijos (1963), Los novios de mis hijas (1964), Canta mi corazón (1964), Cargando al muerto, El día comenzó ayer (1964), Joselito Vagabundo (1965), Tiempo de morir (1965), El Cachorro (1965), Los jinetes de la bruja (1965), Los perversos (a go-go (1965), Los tres mosqueteros de Dios (1966), Matar es fácil (1966), Arañas infernales (1966), Cuatro contra el crimen (1967), Cuando los hijos se van (1968), Prohibido (1968), Juan el desalmado (1969), La mentira (1969), La vida de Chucho el Roto (1969), Yo soy Chucho el Roto (1969), Los amores de Chucho el Roto (1969), El inolvidable Chucho el Roto (1969), El juicio de los hijos (1970), Mamá Dolores (1970), Tu camino y el mío (1971), En busca de un muro (1973), Adiós Nueva York, adiós (1973), El karateca azteca (1974), El amor de mi vida (1979), María de mi corazón (1979), Te quiero (1979), Cuentos de madrugada (La dama solitaria) (1985), Un lugar en el sol (1989), Y tu ... ¿quien eres? (1990), Contigo en la distancia (1990), Las delicias del matrimonio (1994), Fin de semana trágico (1998).

Cuenta Blanca Sánchez que en la telenovela “La Constitución” tenía mucho contacto con María Félix, porque su papel así lo requería, y dice que a pesar de que María no hablaba con las mujeres, porque sólo platicaba con los hombres, pero como Blanca Sánchez era muy amiga del hijo de María, Enrique, ella le concedía el honor de platicar y le daba consejos, como en cierta ocasión que le preguntó que si se iba a casar, y después de responderle ella que sí, María le preguntó que si ya lo había pensado bien, y luego de decirle que sí, ella sólo le respondió que sería un error.

En 1963 debutó en el teatro con la obra “Muchacha de campo” dirigida por Dimistrio Sarrás, que despues se convirtió en su maestro. Pero también Blanca Sánchez recuerda que cuando estuvo en la obra “La vidente” al lado de Dolores del Río, ella le preguntó porqué no se aclaraba un poco su color de pelo, porque consideró que se vería más linda. Blanca Sánchez tenía entonces su pelo color castaño claro cenizo, casi verdoso.Y Blanca le hizo caso, pero descubrió que en cuanto lo hizo, Dolores del Río se puso el color que ella tenía

Luego de 1964 Blanca Sánchez logró varios premios por su labor en teatro, como el Heraldo a la mejor actriz de teatro en 1969 y 1976 por “Los asesinos ciegos” y “El pájaro azul”, respectivamente, ambas dirigidas por Julio Castillo, y ella considera que este lapso fue un parteaguas en su carrera, porque fue otra forma de hacer teatro, porque Julio era muy talentoso.

En 1976 la Asociación Mexicana de Críticos de Tatro la disntinguió con el premio a la mejor actriz de teatro por la obra “Aquelarre” dirigida por Nancy Cárdenas, al lado de Susana Alexander.

En 1981 ella logró el premio como mejor actriz de comedia por “El año próximo a la misma hora” dirigida por Rogelio Guerra, que además actuaba en la misma obra, pero en 1985 ganó el premio a la mejor triple por “Dos tandas por un boleto” que le dio la Unión de Críticos de Teatro, pero también en 1998 fue considerada la mejor coactuación femenina por “Tres mujeres altas” con Carmen Montejo.

En 2007 reapareció en telenovelas en México y sigue activa. En 2008 estuvo en "Fuego en la sangre", "La rosa de Guadalupe", y en 2007 en "Lola, érase una vez".

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(5-abr-09).

¡Pedro Infante sigue siendo un ídolo!

2009-03-28T14:50:00.001-07:00

+ Un fenómeno social sin precedentes, a más de 50 años de su muerte trágica
+ Sus personajes de la vida humilde y sufriendo desgracias, clave de su éxito
+ Tenía fama de mujeriego, y por un problema amoroso, lo orilló al avionazo

por Héctor ESPINOSA FLORES

A 53 años de la trágica muerte de Pedro Infante su popularidad sigue sorprendiendo no solamente a los mexicanos, sino en muchos países del mundo, porque se le sigue recordando no solamente en la fecha de su muerte, sino también en forma frecuente viendo sus películas, muchas de las cuales son verdaderos clásicos del cine campirano, o verdaderos dramas que siguen estremeciendo los sentimientos de los espectadores, aún cuando ya hayan visto sus películas en muchas ocasiones.

Y vale la pena advertir que todas las películas de Pedro fueron del género musical, porque en casi todas canta cuando menos una canción completa. Incluso, a pesar de que en la época actual este género ya pasó de moda y no le agrada a mucha gente, sus películas siguen llamando la atecnión y muchos incluso las han camprado para tenerlas como una colección.

Pedro Infante Cruz, nacido el 18 de noviembre de 1917, en Mazatlán, Sinaloa, pero llevado desde muy pequeño por sus padres a Guamúchil, después la consideró realmente su tierra natal. Sus padres eran de condición muy humilde. Su padre era músico y quizá de ahí surgió su afición por la música, aunque también desde muy joven fue muy aficionado a la carpintería.

Pedro Infante con Blanca Esthela Pavón

En 1932 entró a formar parte de la Orquesta Estrella de Culiacán. Muy pronto se casó a pesar de que tenía mucha suerte con las mujeres. Su primer matrimonio fue en 1932 con María Luisa León, quien le abrió las puertas para que entrara al ambiente artístico. Y no fue nada fácil, porque anduvo tres anos cantando en varios restaurantes, hasta que se presentó en la estación de radio XEW y de ahí salió con un contrato en sus manos.

Le pagaban 12.50 por cada programa. Y en esa época fue cuando aprendió a leer y escribir, porque ya iba a trabajar en películas y tenía que leer y aprenderse los guiones.

Pedro Infante con "Chachita"

Es innegable que el gran éxito de Pedro Infante, se debió al cineasta Ismael Rodríguez, quien dirigió gran parte de todas sus películas que lo llevaron a la fama también en la pantalla, luego de que ya era todo un ídolo en la radio por sus canciones.

Incluso, su cinta póstuma “Tizoc”, al lado de María Félix, logró un gran éxito a nivel internacional, habiéndosele otorgado el Oso de Oro, del Festival de Berlín, en forma póstuma, por considerar que su actuación era la mejor. Y sobre este tema, vale la pena advertir que su talento en el cine demostró el viejo dicho popular que dice que “nadie es profeta en su tierra”, porque mientras en el extranjero lo premiaron, aquí la Academia Mexicana de Artes Cinematográficas jamás le entregó un premio por sus actuaciones. Sólo lo nominó para el Ariel por sus actuaciones en 1947 por “Cuando lloran los valientes”, en 1948 por “Los tres huastecos” y en 1953 por “Un rincón cerca del cielo”. Pero por sus cintas que más impacto y éxito tuvieron y siguen teniendo, “Nosotros los pobres”, “Ustedes los ricos” y “Pepe el Toro”, ni siquiera le merecieron que lo nominaran como mejor actor.

Sin embargo, como decía Steven Spielberg cuando no lo premiaban con el Oscar a pesar de sus exitasos con “E.T.”, “Tiburón”, “Encuentros cercanos del tercer tipo”, “El imperio del Sol”, “El color púpura”, lo que más importa es el reconocimiento de los que ven la película.

Y han sido de tal éxito esa trilogía de películas mexicanas que cuentan con un creíble y lacrimógeno melodrama, que hasta la fecha se sigue recordando, por ejemplo, cuando Pedro cantaba “Amorcito corazón” y el chiflidito con el que llamaba a su amada, “la chorreada”, personaje que interpetó Blanca Estela Pavón, quien era realmente su pareja amorosa, con la cual viajaba en su primer accidente aéreo, que le provocó a Pedro la rotura de cráneo y fue necesario que le pusieran una gran placa de plata sobre casi toda su frente y que se le notaba perfectamente en algunas de sus cintas.

Pedro Infante, además de sus amores, le gustaba ser intrépido y “aventado”, como por ejemplo cuando exigió que le permitieran que él mismo y no un extra –como se lo exigía el director Ismael Rodríguez- manejara la gigante motocicleta que usó en “A.T.M. A toda máquina” pero no era sólo para manejarla, sino hasta para realizar las acrobacias, donde interpreta junto con Luis Aguilar a un policía motorizado.

Y también muy pronto cumplió su anhelo de enseñarse a volar y compró su propio avión –cuando ya la suerte le favorecía grandemente como actor de cine y cantante- en 1951, el cual destruyó en su primer accidente. Compró luego en 1957 una línea aérea que contaba con 12 aviones.

Sus películas tuvieron y siguen teniendo mucho éxito, porque interpretó a personajes creíbles y del género popular: carpintero, agente de tránsito, ranchero enamorado, a los que les sucedían problemas que muchos han tenido dentro de ese círculo social deprimido, pero también cautivaba por su simpatía y carisma, por su porte de hombre enamorado.

El se inició en el cine fue como extra en 1939 en la cinta “En un burro tres baturros”, luego trabajó en dos cortometrajes, y después como integrante del reparto en “La feria de las Flores” en 1942, que no tuvo éxito. Y es que en sus comienzos era bastante tímido y su voz era demasiado débil, como entre dientes y eso provocó que en sus primeras películas fuera necesario que otro actor le pusiera su voz. Su primer gran éxito en la pantalla llegó en 1946 con “Los tres garcía”. Fue tanto el éxito que tuvieron que hacer una secuela titulada “Vuelven los García”.

Y al igual que el drama que muestra en la pantalla “Un rincón cerca del cielo” donde interpreta a un hombre muy pobre –Marga López era la esposa- que vive en la azotea de una casona y se le muere su hijo por falta de medicamentos y de dinero, y le ayuda Antonio Aguilar, pero cuando ya era demasiado tarde porque el niño había muerto. Depués, él mismo lo ayuda a presentarse como cantante en un restaurante, luego se hace famoso y presuntuoso, alejándose de su esposa, y precisamente así lo hizo en su vida real, porque se notaba que el éxito lo abrumaba. De tal forma que pronto dejó a su esposa y se relacionó con sus personajes en la pantalla, con Irma Dorantes –con quien tuvo una hija en 1955- se casó pero el matrimonio luego fue anulado porque no había concluido el juicio del primero, y luego con Blanca Esthela Pavón –que murió cuando viajaba junto a Pedro en la avioneta-, pero después se casó con Lupita Torrentera, -quien por cierto tiene familiares que siguen viviendo en Colima- y ella escribió en 1991 un libro titulado “Un gran amor: la verdad en la vida de Lupita Torrentera y Pedro Infante”, editado por editorial Diana.

Precisamente el día que ocurrió la anulación de su matrimonio con Irma Dorantes, Pedro decidió viajar como copiloto en un avión carguero de Famsa –de la que era socio- desde Mérida hasta la ciudad de México para negociar el divorcio con María Luisa León, al despegar el avión se desplomó a tierra y murió instantáneamente Pedro, el 15 de abril de 1957. Su sepelio fue realmente espectacular y estremecedor al ver la gran cantidad de personas que participaron en el sepelio y los que estuvieron en las calles.

Fue también un gran devoto de la Virgen de Guadalupe y en 1954 cantó durante 30 horas sin parar en un maratón para recabar fondos para la Basílica de Guadalupe, logrando recaudar más de un millón 300 mil pesos.

Jamás tuvo problemas de alcoholismo. No tomaba ni en las fiestas. Decía que sólo se bebía dos copitas de coñac como estimulante sexual, poco antes de tener una reunión con alguna mujer.

Irma Dorantes, quien aseguró en 1997 que ella fue la verdadera dueña –amorosa- de Pedro Infante, no quiso ni ha querido decir si es cierto que Pedro le mandó componer una canción especial, pero después se supo que fue “Nuestro amor” que le escribieron especialmente Rubén Fuentes y Alfredo Cervantes.

Para los y las colimenses Pedro Infante fue su ídolo tanto por sus canciones como por las películas que filmaba, pero también se dieron el gusto de tenerlo frecuentemente de visita por la ciudad de Colima. Llegaba en su auto negro convertible y lentamente recorría la calle principal desde el jardín Núñez hasta el jardín principal. Y si veía a una escultural mujer caminando, arrimaba su auto a la banqueta y lentamente circulando, le lanzaba piropos. Luego, enfilaba hacia el poniente de la ciudad, para ir a visitar a su amigo de preferencias sexuales diferentes. Esto, por cierto, es un tema que no ha sido tocado jamás en ningún libro sobre su vida. Así ha quedado como un rumor, que Pedro también tuvo preferencias sexuales diferentes. Y quizá el único documento con el que se puede comprobar que Pedro sí venía a visitarlo, es una foto que tiene en su poder el profesor Andrés Bejarano Fuentes y la cual incluirá en un libro que está preparando editar, dedicado al inicio y muerte de algunas famosas salas cinematográficas en esta capital.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

El Gato Félix cumple 90 años

2009-03-22T14:03:00.000-07:00

+ Es el personaje de caricaturas más antiguo, incluso que Mickey Mouse
+ Fue creado por Otto Messmer en 1919, y el personaje nunca hablaba
+ En 2004 fue presentada una versión en color y el Gato Félix ya habla

por Héctor ESPINOSA FLORES

Hace 90 años nació el famoso Gato Félix, creado por Otto Messmer. Y nació antes que muchos otros personajes famosos de las caricaturas, porque surgió antes que el mismísimo Mickey Mouse o el Pato Donald, pero mucho antes también que Porky y Popeye, o que Bugs Bunny, el Pájaro Loco o Los Picapiedra.

El famoso gato negro ha divertido a varias generaciones, y se mantiene vigente en el gusto popular, porque contrariamente a otros personajes de caricaturas, es menos agresivo y se caracterizó por sus acciones disparatadas y porque tenía más vidas que un propio gato.

Incluso, el Fato Félix no surgió como la gran mayoría, porque no nació de una tira cómica. Incluso, fue también desde 1919 -cuando nació este personaje- el primero en la historia que se vendía en grandes cantidades en aceite para bebé, o muñecos de peluche, pero también tenía su propia marca de puros.

Inicialmente no le fue muy bien como a los demás porque no pudo continuar en el cine, sólo a través de las tiras cómicas, pero ya para 1960 comenzó a realizarse una serie de dibujos animados a color, en la que por cierto, el gato se caracterizaba por no hablar jamás. Sin embargo, en 2004 la firma Cartoon Network presentó “Los nuevos cuentos de Félix el Gato” donde ya se le puede escuchar hablando.

En la historia del Gato Félix se le cita que nació en 1919, pero sin embargo, en los archivos cinematográficos se encuentran cortos del personaje desde tres años antes, como “Motor Mass and his flivver”, además de “The love affair of Hima Knutt” y otras más en donde no se le cita al gato en el título del corto, sino hasta en 1919 en “Feline Follies” y ya más específicamente en “The adventures of Felix” también en 1919. Desde esa fecha, todos los títulos de los más de 175 cortos que se filmaron, llevan el nombre de Félix.

El Gato Félix fue incluso una de las caricaturas que se proyectaban en el cine ambulante que siempre se presentaba en la Feria de Colima cuando se montaba en donde estaba la unidad deportiva Ignacio Zaragoza, donde hoy están los palacios legislativos, frente a la Piedra Lisa.

Cobraban 20 centavos y se proyectaban 4 o 5 cortos de caricaturas, pero siempre se incluía del Gato Félix y del Pájaro Loco.

Después del nacimiento del personaje del Gato Félix en la pantalla grande, luego tuvo su transición al papel, publicándose la primera tira cómica el 1 de agosto de 1923 en Inglaterra.

Tiempo después, el protegido de Messmer, el joven Joe Oriolo comenzó a trabajar con el personaje, para dotarlo de una nueva personalidad y con la imagen con la que desde hace muchos años lo conocemos.

En los años 50 el Gato Félix debutó en la televisión y en los años 80 el hijo de Joe, Don Oriolo, produjo la cinta "Felix the cat, the movie".

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

Gary Sinise un gran actor y mejor director

2009-03-14T13:29:00.000-07:00

+ Saltó a la fama nominado al Oscar por “Forrest Gump”, junto a Tom Hanks
+ Pero debutó con “De ratones y hombrecitos”, un film sorprendente, que dirigió
+ También es el autor del soundtrack de la cinta, y tiene otros temas musicales
+ Es un actor versátil, con papeles de “bueno”, pero también de terribles villanos

Por Héctor ESPINOSA FLORES

Gary Sinise es un actor norteamericano que con pocos trabajos en el cine, ha marcado varias páginas en la historia del cine, porque ha demostrado ser un gran actor porque lo mismo se adapta a los papeles de “bueno” que a los de villano despiadado.

Cuando apenas había intervenido en dos películas como actor, “Mi nombre es Bill W.” en 1989 y luego “Más allá de la ambición” en 1990, Gary Sinise presentó su primer trabajo prácticamente como “hombre-equipo” porque además de que dirigió y produjo “De ratones y hombrecitos” (of mice and men), también fue el actor estelar y escribibió y ejecutó los temas musicales de la cinta. Era su primera dirección cinematográfica, pero ya había dirigido para la televisión varias cintas y varios capítulos de teleseries.

Y además, se trató de un gran peliculón, porque además de que está basada en una de las novelas más importantes de John Steinbeck y de la literatura americana, cuenta también con una excelente actuación de John Malkovich, que interpreta a un hombre grande de tamaño y de edad, de complexión fuerte pero con la mente de un niño, que tiene como amigo a George (Gary Sinise) que es mucho más pequeño de estatura pero con mente ágil y que se dedica a cuidar al grandulón. Sobre todo lo ayuda cuando el grandulón Lennie (John Malkovich) toca el vestido de una mujer y ésta se asusta mucho, y luego exagera acusándolo de haberla violado y los enardecidos habitantes de la pequeña comunidad quieren linchar a Lennie, pero su amigo George lo ayuda y ambos escapan lo más lejos que pueden y llegan hasta California. Ambos trabajan en un rancho de California y es cuando comienzan prepararse para lo que siempre han soñado, tener su propio rancho, por lo que se dedican a guardar todo lo que ganan. Sin embargo el sueño se desmorona cuando Lennie mata a la mujer de Curley, el hijo del jefe. Lenni y George huyen nuevamente, pero George, para ayudarlo, decide matarlo de un balazo en la cabeza.

Gary Sinise en "CSI: NY"

Y así fue como realmente comenzó a sobresalir la carrera de Gary Sinise porque fue nominado al Oscar como mejor actor de reparto.

Antes de esta dirección, había iniciado su carrera dirigiendo la teleseris “Historia del crimen” en 1986, luego “Miles from home” en 1988, luego dos episodios de la teleseria “Thirty sometingh” en 1989, luego un episodio de la teleserie “China beach” en 1991.

Como actor, estuvo en varios capítulos de 10 teleseries o cintas para la televisión y luego de su éxito con “De ratones y hombrecitos”, siguió trabajando en dos capítulos de teleseries, y fue entonces cuando le llegó su papel coestelar en “Forrest Gump” que se convirtió en un éxito taquillero logrando más de 677 millones de dólares en su corrida de estreno en 1994 en el mundo, pero además logró trece nominaciones al Oscar, ganando seis por mejor película, director, actor, guión adaptado, montaje, efectos visuales.

Incluso el mismo Tom Hanks hasta declaró a la prensa que estaba realmente sorprendido de los excelentes resultados de la cinta dirigida por Robert Zemeckis, porque él creía que era una de esas cintas para consumirse y tirarse.

Un dato curioso de la película es que le dice en la película Gari Sinise a Hanks que el dia en que sea capitán de un barco pesquero él será astronauta, y al año siguiente, ambos trabajaron en la cinta “Apolo 13” como dos astronautas. Por otro lado, la cuesta en curva que se ve en la película cuando el personaje de Forrest Gump -considerado un idiota sabio y con extraordinario talento para las matemáticas- decide peregrinar por las carretera, a raíz del éxito de la película, la nombraron “La curva de Forrest Gump” y está incluida en los mapas y acuden varios a trotar en ella, y está situada en GRandfather Mountain, Norte de Carolina.

Otro caso curioso, es que al autor de la historia Winston Groom no le quisieron dar parte de las ganancias que logró la película, porque le aseguraron que fracasó en taquilla. Entonces, cuando lo llamaron para hacer una segunda parte de la historia, se negó porque dijo que no se sentiría bien haciendo otra historia que no triunfe.

La trama de la cinta mostró a Forrest Gump, un hombre simple, pero considerado un idiota sabio, que a lo largo de su vida va conocientod figuras de gran relevancia histórica y también se convierte en testigo de eventos de gran magnitud, pero nunca se da cuenta de lo que se trata ni mucho menos de lo que representa, debido a su coeficiente intelectual de 75.

Luego Gary Sinise trabajo en la gran cinta “Apollo 13” en la que se narran aspectos que en la vida real se ocultaron de lo ocurrido durante el viaje de dicha misión

La cinta fue un éxito taquillero con más de 300 millones de dólares ganados en el mundo en su corrida de estreno, impactando por sus efectos especiales, pero también por la dramatización que sí convence que está basada de un hecho real, sobre todo en la parte de la gran participación de técnicos y especialistas que se esforzaron por regresar sanos y salvos a los tripulantes de esta misión espacial.

Recibió 9 nominaciones al Oscar, ganando sólo 2, por el montaje y sonido, pero además recibió otras más de 20 nominaciones a diversos premios. Un dato curioso es que cuando termina la misión, sobre el portaaviones que los rescata a los astronautas, aparece el verdadero astronauta James Lowell, que es el principal personaje en la cinta. Otro punto de interés es que Gary Sinise ha trabajado en tres películas al lado del actor Tom Hanks: en “Forrest Gump”, “La milla Verde” sobre los que esperan la pena de muerte en una cárcel, así como en “Apollo 13”.

Gary Alan Sinise nació un 17 de marzo de 1955, en Blue Island, Ilinois, Estados Unidos, mide 1.78 de estatura, su esposa es desde 1981 Moira Harris y tienen dos hijos, Ella, McCanna y Sophie.

Ganó el Globo de Oro por su actuación en la miniserie “Truman”, y el Emmy por la misiseria “George Wallace.

Después de su papel de “bueno” en “Forrest Gump”, luego intervino como un despiadado villano en “El rescate” donde interpreta al secuestrador de un hijo de Mel Gibson que interpreta a un millonario que decide enfrentarse al secuestrador negándose a pagar el rescate.

Desde el año 2004 está trabajando en la teleserie “CSI: NY” en la que lleva el rol estelar, y además es el primero que logra mantenerse en una serie por una temporada tan larga, ya que en 2009 sigue trabajando en ella y está contratado por la CBS hasta el 2011, con un sueldo no logrado antes por otros, de 5 millones de dólares cada año, así como 200 mil dólares por cada episodio.

Del 2004 al 2005 ya había estado al frente de “CSI: Miami, pero sólo en 2 episodios.

Después de “El rescate”, logró un regular éxito con “Ojos de serpiente” junto a Nicolas Cage, cuya historia muestra cómo preparan una pelea de box para que sirva de distracción a la hora de que asesinan a un congresista.

También estuvo en la no muy exitosa “Rápida y mortal” donde interpreta a un pistolero que acude a un torneo que gana la pistolera que interpreta Sharon Stone. Luego en “Misteriosa obsesión” con Julianne Moore que interpreta a una mujer que asegura que extrañamente han secuestrado a varios niños y se los han llevado a un lugar desconocido.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

Un Tarzán Insustituible

2009-03-07T14:48:00.000-08:00

+ Johnny Weismuller interpretó a Tarzán y nadie más ha podido igualarlo
+ En natación, impuso 67 records mundiales y ganó 5 medallas olímpicas
+ En el amor y negocios fracasó; murió y está sepultado en Acapulco, México

por Héctor ESPINOSA FLORES

A Johnny Weismuller se le recuerda con mucho agrado porque fue un Tarzán que jamás pudo sustituírsele en la pantalla, y porque a pesar de que se hicieron varios intentos con diferentes actores, ninguno de ellos ni siquiera se acercó un poco a la gran popularidad que ganó Johnny.

Además de que sus películas sobre Tarzán eran muy exitosas porque divertían a chicos y grandes, hizo soñar a muchas generaciones con sus aventuras en la selva, porque en la actualidad siguen siendo rentadas ahora con la facilidad de buscar cintas viejas en DVD.

Originalmente considerado como nacido en Austria, en realidad nació en Rumania un 2 de junio de 1904, Johnny fue antes de ser actor, un gran atleta en las albercas ya que logró imponer 67 records mundiales como nadador, así como 5 récords olímpicos al ganar también 5 medallas de oro en varios Juegos Olímpicos, pero también ganó 52 campeonatos en Estados Unidos.

El personaje de Tarzán, escrito por Edgar Rice Burroughs, era un héroe muy especial, porque habiendo llegado a la selva cuando el avión en que viajaba su madre cae a la selva y todos mueren menos el bebé, éste fue amamantado por gorilas y vivió como un salvaje pero dedicado totalmente al cuidado y la protección de los animales, sobre todo para evitar que les hicieran daño los cazadores. Y su manera de comunicarse con los animales era a señas y pugidos como si fuera un gorila, pero su peculiar grito que era una señal para ir a proteger a sus amigos animales, fue un grito -inspirado en los cantos tiroleses de los alemanes- que utilizaron niños de varias generaciones dentro de sus juegos. Incluso, en la actualidad el grito de Tarzán es uno de los tonos que se venden como señal de llamada de un teléfono celular.

Este héroe que es todo un ejemplo como defensor de la ecología, se convirtió un mito dentro de nuestra historia pero también dentro del cine. Su verdadero nombre había sido Peter Jonas Wismuller y nació en un pequeño pueblito de Rumania, que había sido fundado por colonos alemanes. Y la casa en la que nació, desde 2004 cuando se celebró el primer centenario de su nacimiento, se le puso una placa alusiva.

Gracias a sus victorias en natación, y su cuerpo atlético y con una estatura de 1.91, en 1931 el guionista de MGM, Cyril Hume, lo consideró una futura estrella de cine y luego se lo presentó a los productores Louis B. Mayer e Irving G. Thalberg, y ese mismo año filmaron la primer película de Tarzán, ya estrenando la magia del sonido, y fue todo un éxito “Tarzán, the ape man”.

Johnny Weismuller y Mauren O'Sullivan

La última película sobre Tarzán la filmó en 1955, y ya no volvió a trabajar en cine hasta 1975 en una pelicula diferente. Y en ese año comenzó mal de su salud y en 1977 fue hospitalizado , víctima de una trombosis cerebral y paro cardiaco. En cuanto salió del hospital decidió irse a vivir a Acapulco, donde estableció su residencia, acompañado de su esposa. Y aquí en Acapulco fue fonde murió el 21 de enero de 1984, y aquí mismo fue enterrado, porque así lo solicitó él. Incluso, una de sus seis esposas (Maria Brok, Ailene Gates, Beryl Scott, Lupe Vélez, Bobe Arnst, Camilla Louire, en ese orden) que llegó a tener en su vida, fue la mexicana Lupe Vélez. Y es que en amores y en negocios jamás tuvo éxito. En cambio en el deporte y en el cine el éxito le floreció.

Su hijo, Johnny Weismuller Jr. hizo varias películas sobre Tarzán, incluso utilizando la grabación de la voz de su padre lanzando el grito en la selva, pero también sus películas no fueron exitosas, como también no lo fueron las que hizo Lex Baxter, así como Christhopher Lambert, Miles O’Keeffe, Casper Van Dien, entre otros.

Simplemente, porque al ser el primer actor de este personaje en la pantalla, los espectadores ya no se convencían con otros actores y con las modernizaciones que le metieron al personaje.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

...Y el ganador del Oscar es...

2009-02-21T16:48:00.000-08:00

+ ¿"Quisiera ser millonario" repetirá su éxito logrado en los Glogos de Oro?
+ También ya arrasó en los premios BAFTA y de los Premios de Directores
+ ¿Se impondrá a " El curioso caso de Benjamin Button" con 13 nominaciones?

por Héctor ESPINOSA FLORES

Este día se disparán grandes dudas entre los cinéfilos de todo el mundo, cuano sea entregado el premio Oscar, considerado el de mayor presitigio comercial en el mundo cinematográfico.

Pero ¿ganará el tema del anciano que rejuvenece sólo porque recibió trece nominaciones? ¿o ganará la historia del jovencito que sueña ser millonario? ¿o se impondrá la relación de un quinceañero con una mujer madura, o la recreación de un político gay o la entrevista al ex presidente de Estados Unidos?.

Regularmente en la entrega de los Oscar casi repiten a los que hayan ganador los premios Globo de Oro. Sin embargo, ahora no ocurriría así cuando menos para la película "El curioso caso de Benjamin Button" porque sería el colmo que si recibió 13 nominaciones al Oscar -una menos que la taquillera "Titanic", no ganara ningún premio como ocurrió en el Globo de Oro, porque no ganó ninguno.

Y si tomamos en cuenta que la cinta india "Quisiera ser millonario" ya arrasó en los Globos de Oro, en los Premios BAFTA y en los premios de los Realizadores, entonces no hay duda que ésta será la ganadora de varios Oscares, pero también habrá un reparto equitativo.

Brad Pitt en "El curioso caso de Benjamin Botton".

También, habría que tomar en cuenta que en 15 de las últimas 20 entregas del Oscar, la más nominada ha ganado el premio como mejor película..

De acuerdo a la cantidad de nominaciones al Oscar, tres son las cintas que se tendrían que llevar todo lo más importante, "El curioso caso de Benjamin Buttton", "Quisiera ser millonario" y "Milk", sin embargo eso será lo más curioso en la entrega número 81 de los premios Oscar.

"El curioso caso de Benjamin Button" en la que Brad Pitt interpreta a un hombre que nace viejo y rejuvece al paso de los años, es candidata a mejor película, actor, actriz de reparto, director, banda sonora, guión adaptado, fotografía, montaje y dirección de arte, entre otras. Sin embargo, no ganó ninguno de esos géneros en los Globos de Oro.

Kate Winslet en "The Reader" (El Elector).

En cambio, "Quisiera ser millonario", dirigida por Danny Boyle, que está ambientada en Bombay sobre el joven de un barrio pobre que sueña con ser millonario y participa en un concurso de televisión, y que ganó 10 nominaciones al Oscar, es la que arrasó en los Globos de Oro, los Premios BAFTA y el de los Realizadores, pero ha ganado otros 60 premios en festivales y eventos, así como 29 nominaciones. En los premios Globo de Oro ganó como mejor película y director, guión, banda sonora.

"Mi nombre es Harvey Milk" recibió ocho nominaciones al Oscar, pero para el Globo de Oro sólo tuvo una nominación y no ganó. Es la historia del primer político abiertamente gay en asumir un cargo público en los Estados Unidos y el papel está a cargo de Sean Penn.

Las tres películas más nominadas al Oscar son también candidatas como mejor película, junto con "Frost/Nixon" y "The reader" sobre un romance entre un joven y una guardia nazi.

En el caso de mejor actor a pesar de que se supone que tendría que ser Brad Pitt porque trabaja en la película con 13 nominaciones recibidas, podría ser que surja la sorpresa y se lo gane el veterano y que ha venido de menos a más, Michkey Rourke por "El luchador", y que ya ganó ese premio en los Globos y en los Bafta.

Kate Winslet (Titanic) ya ganó el Globo de Oro como mejor actriz por "The Reader" y consideran que repetirá, pero no ha que descartar que pudiera ser Angelina Jolie por "El sustituto", un drama en el que se luce como la madre que píerde a su hijo y la policía por aparentar dar solución a la desaparición de niños, le entregan a uno que no es su hijo. Pero para eso tendrá que enfrentarse a la corrupta policía de los años 30.

Heath Ledger como el Guasón ¿Oscar póstumo?.

Penélope Cruz, por segunda ocasión aspira al Oscar, ahora como mejr actriz secundaria en "Vicky Cristina Barcelona" de Woody Allen y aparentemente tiene posibilidades de ganar pero también tienen posibilidades Amy Adams y Viola Davis por "Doubt".

En el caso del premio a mejor actor de reparto, seguramente será para Heath Ledger. Y será un caso curioso y nostálgico, porque independientemente de que su papel como el guasón en la última cinta de Batman "El Caballero Negro" es una muy buena actuación, si se lo dan el premio lo estaría ganando a un año de su muerte, por una sobredosis, el 22 de enero de 2008. Y el premio ya se lo dieron en los Globos de Oro.

"Hellboy II" del mexicano Guillermo del Toro, por maquillaje.

Aunque en muchas ocasiones se ha repetido que no premian al director de la que consideran fue la mejor película del año, existen muchas posibilidades de que el director de "Quisiera ser millonario", Danny Boyle, ganará como ya lo hizo en los Globos de Oro y los Premios Bafta.

También, en la ceremonia del Oscar seguramente presentarán un homenaje especial por el fallecimiento del gran director Sydney Pollack, ocurrido en mayo de 2008.

Estiman que en el caso de la cinta animada, no habrá dudas de que ganará la graciosa y romántica historia de "Wall-E" aunque tiene como gran rival a "Kung Fu Panda" por ser una cinta taquillera, pero incluso podría ganar por su historia original.

En el caso de mejor maquillaje, la cinta del mexicano Guillermo del Toro "Hellboy II: The Golden Army" tiene a dos rivales muy severos, con "El curioso caso de Benjamin Button" y "El Caballero Negro".

Será, sin duda alguna, una ceremonia de constrastes, y habrá casos en los que se considere que no se premió realmente a lo mejor, como ha ocurrido en otros años.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(22-feb-09).

Yul Brynner un inigualable gran actor

2009-02-14T12:32:00.000-08:00

** Fue muy famoso por cintas como “Los diez mandamientos”, el clásico western “Los siete magníficos”, “El Rey y yo”, “Anastasia”, “Los hermanos Karamazov”, “Oestelandia”.

*** En Broadway logró un éxito histórico interpretando durante 30 años la obra musical “El Rey y Yo” con 4,625 presentaciones.

*** Y su papel le exigía que tuviera la cabeza rapada, y así tuvo que rasurársela durante 30 años, y trabajar pelón en todas sus películas.

*** Con esa obra logró abrirse las puertas en el ambiente artístico, pero también en esa obra murió, a causa de cáncer de pulmón, por fumar tanto.

por Héctor ESPINOSA FLORES

Yul Brynner fue un actor excepcionalmente muy bueno. Su imagen fue también muy famosa en el mundo gracias a su cabeza rapada para interpretar un personaje en teatro, y que él decidió seguirla usando así en todas sus siguentes películas. Pero indiscutiblemente, fue muy famoso y admirado por muchos, por interpretar “Los diez mandamientos”, así como el clásico western “Los siete magníficos” y la cinta “El Rey y Yo”, así como “Anastasia” y “Los hermanos Karamazov”.

Yul Brynner nació un 11 de julio de 1920 en la isla de Sahkaline, en Rusia y su verdadero nombre fue Taidge Khan. Y tuvo un pasado tan exótico que casi parecería la historia de “El rey y yo” que lo hiciera después muy famoso, ya que su padre era un ingeniero mongol que luego cambió de apellido, y su mamá fue una gitana que murió al nacer éste.

Fue en Pekín donde pasó sus primeros años, pero luego cuando estudiaba en París, decide abandonar la escuela para meterse a un circo de gitanos que viaja por todo el mundo, donde es un trapecista, pero a los 17 años de edad cuando sufre una caída desde el trapecio, tiene que abandonar el circo. Luego siguió estudiando filosoría en París, pero de nueva cuenta regresó al mundo de la farándula, pero ahora con una compañía teatral de un soviético, Michael Chekov, con quien estuvo en una gira que hicieron por Estados Unidos en 1941 y ahí logró conseguir trabajo en La Voz de América, como presentador de lengua francesa, pero sobre todo por el timbre de su voz. Pero siguió en el teatro y 5 años después ya estaba logrando debutar en Broadway con la comedia musical “Lute song”. Una de sus compañeras de reparto, Mary Martrin, recomendó a Yul para que le dieran el papel estelar de “El Rey y yo”.

Y se lo dieron ese papel y todos se sorprendieron de su éxito fabuloso, porque la puesta en escena ¡duró 30 años! y llegaron a las 4,625 presentaciones, logrando un éxito que nunca antes se había visto con una comedia musical en Broadway. Y dentro de las biografías que se han escrito del actor, casi todas coinciden en que la carrera de Yul Bryney ahí nació en Broadway, y ahí murió.

En 1949 cuando estaba en sus comienzos como actor de cine, participó en la película “Port of New York” en donde aparece con pelo, interpretando a un bandido de poca catogoría. Pero luego fue cuando intervino en “El Rey y yo” y por decisión de la creadora del vestuario, lo obligaron a afeitarle el cráneo, y así tuvo que andar por el resto de su carrera, porque 30 años estuvo interpretando el mismo personaje en Broadway. Y la versión para cine de “El rey y yo” sigue siendo la mejor versión del tema que usted seguramente conoce porque ha visto en más de alguna ocasión en la televisión, con la versión de Ana y el Rey que interpreta Jodie Foster y Chow Yun-Fat, sobre la maestra que es contratada para dar clases de inglés a los hijos del rey de Siam, y terminan enamorándose. La primer versión fue con Rex Harrison en 1946, y luego la de Yul Bryner ganó cinco Oscar y otras 4 nominaciones.

Steve McQueen y Yul Brynner en "Los 7 Magníficos"

La imagen de Yul con su cráneo afeitado era ya muy famosa, y por eso cuando al actor le ofrecieron otros papeles en otras películas, no aceptó que le colocaran peluca y así apareció rapado en cintas que también lo hicieron muy famoso, como su papel de faraón en “Los 10 mandamientos”, o como el rey de Israel en “Salomón y la reina de Saba”, luego pasa a su extraño personaje en “Anastasia” y luego participa en una obra clásica con “Los hermanos Karamazov”.

Y luego en 1960 vino otra cinta que se sigue considerando como un clásico del género western, con “Los siete magníficos” dirigida por John Sturges y basada en “Los siete samurais” de Akira Kurosawa, pero traslada a la frontera con México, en épocas del Viejo Oeste, logrando destacar no solamente por ser en conjunto una buena película, sino por las actuaciones de Yul, junto con Steve McQueen, Charles Bronson y James Coburn. Por cierto, la cinta representó un parte aguas del género, y muchos trataron de imitarlos, incluso después se haría una continuación de esta cinta, pero ya no tuvo éxito, tanto porque ya no estaba Yul Bryner porque había muerto, como también porque los héroes morían en la pantalla.

Otras de las cintas en las que trabajó, fueron “La luz del fin del mundo”, “La loca de Chaillot”, “Villa cabalga!”, “La sombra de un gigante”, “Morituri”, “Taras Bulba”, “Los bucaneros”, entre otras.

Pero además Yul Brynner, que desde que llegó a Estados Unidos solicitó la nacionalidad estadunidense, desde 1959 se daba tiempo para ayudar a los demás, ya que desde entonces era consejero especial del Alto Comisariado de las Naciones Unidas, encargado de los refugiados. Por cierto, cuando ocurrió la muerte de Yul, una persona que lo lloró mucho fue Phac Minh Chau, una refugiada vietnamita de 16 años a la que Yul Brynner había costeado su educación. Y ella dijo que había sido como un gran tío para ella.

Yul Brynner en "Taras Bulba"

Del cine ya se había separado en los años setentas, 3 películas después de que interpretó al robot pistolero de “Westworld” y ya para entonces tenía su propia productora instalada en Beverly Hills.

Su vida privada fue realmente eso, porque era muy poco lo que se sabía de él. Regularmente de su vida privada, sólo fueron motivo de aparición en los medios informativos, cuando se casó tres veces y se divorció dos veces. Se casó con Virginia Gilmore en 1944, con Jacqueline Brynner en 1972 y luego con Kathy Lee. Tres hijas y un hijo tuvo con ellas.

Cuando sequía trabajando en Broadway en la obra musical “El rey y yo”, en 1983 le diagnosticaron que sufría cáncer de pulmón y tuvo que suspender sus actuaciones, pero después del tratamiento lo declararon curado y regresó a trabajar, pero días después le llegó la muerte, el 10 de octubre de 1985.

También vale la pena recordar que cuando Yul Brynner ya le habían diagnosticado cáncer de pulmón –a los 63 años de edad- a causa de tanto fumar, incluso a pesar de que tenía 15 años de no fumar, cuando estaba siendo entrevistado en “Buenos días América” de la cadena ABC News, hizo una declaración impactante al señalar que “Realmente quería hacer un anuncio cuando descubrí que estaba tan enfermo y que mi tiempo era tan limitado. Quería hacer un anuncio que dijera simplemente: ahora que me he ido, te digo que no fumes, hagas lo que hagas, no fumes. Si pudiera retroceder y no fumar, no estaría hablando de cáncer. Estoy convencido de ello”.

Después del fallecimiento de Yul Brynner, según se publicó en el New York Times, la Sociedad Oncológica Americana formó con su declaración un spot que se pasó en muchos países y en todos ellos causó impacto y muchos fumadores abandonaron el consumo del cigarrillo. Y sigue siendo considerado este spot, como uno de los más memorables, por impactante.
Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

John Houston un cine-director muy creativo

2009-02-07T10:47:00.000-08:00

+ Tuvo una larguísima carrera en el cine como guionista, director, y actor
+ Fue nominado al Oscar en 10 ocasiones por su película y como mejor director
+ Dirigió en la pantalla a las estrellas más famosas de la época, y con éxito

por Héctor ESPINOSA FLORES

John Huston fue uno de esos grandes cineastas que tuvieron una larguísima carrera en diversas áreas de la cinematografía, y que les fue muy bien, porque a pesar de que una buena parte de su mejor época fue como adulto mayor, pero ofrecía novedades creativas.

También, se distinguió por trabajar con las estrellas más famosas del momento, pero también sorprendió a muchos cuando el director jugaba consu propia carrera y la imagen de los famosos, transformándolos en la pantalla y en lo que muchos consideraron un gran riesgo le fue muy bien en la taquilla como por ejemplo cuando mostró como un vago y sucio a Humphrey Bogart -la estrella del momento- en la cinta “El tesoro de la Sierra Madre”, ni le tembló la mano al dirigir a Marlon Brando en el papel de un homosexual en “El reflejo de tus ojos dorados” al lado de Liz Taylor. Incluso, es de los pocos que experimentó con buenos resultados en varios géneros.

El 28 de agosto de 1987 murió en Rhode Island y nació en Nevada, Missouri el 5 de agosto de 1906. El director de cine que aseguraba que no escogía a los actores por lo que hacían, sino por lo que podrían hacer para él, “...y luego trato de guiarlo por el papel lo más discretamente posible, sin dejarlo ver que, como director, yo mismo estoy actuando todos los papeles...”.

Fue su propio guionista de casi 40 de poco menos de 50 películas que dirigió, pero también intervino en muchas de ellas, y participó como actor en más de 40 cintas desde 1929 a 1987.

Fue nominado al máximo galardón mundial, el Oscar de Hollywood en 10 ocasiones, pero sólo lo ganó doblemente -por mejor director y mejor guionista- en la tercer nominación que recibía, en 1948 por “El tesoro de la Sierra Madre” y antes lo habían nominado por el mejor guión escrito especialmente para el cine con “Dr. Ehrlich Magic Bullet” y luego por “Sargento York”.

Humphrey Bogart en "El Tesoro de la Sierra Madre"

Luego le siguieron las nominaciones al Oscar por “Mientras la ciudad duerme”, “La reina Africana” con Humphrey Bogart y Katharine Hepburn, y luego por “Moulin Rouge”, después por “El Cardenal”, luego por “The Man Who Would Be King” y finalmente por “El honor de la familia Prizzi” con Jack Nicholson, Angelica Huston, Robert Loggia, Kathleen Turner, Bruce Willis.

Pero a nivel mundial recibió muy buenas críticas por cintas como “Moby Dick” con Gregory Peck, así como por “El halcón Maltés”, “La roja insignia del valor”, “La burla del diablo”, “Los inadaptados”, con las que ganó diversos festivales o reconocimientos internacionales.

Y hasta una cinta sobre un boxeador “Fat City” (Ciudad gorda) sobre un boxeador en decadencia, con la que incursionó en forma fantasiosa en la leyenda. Pero cuando le preguntaban porqué una cinta de un boxeador, le tocaban el corazón y comenzaba con sus remembranzas de cuando en la vida real fue boxeador y aseguraba que era bastante bueno. Pero también fue soldado de caballería ¡en México!, así como cuentista, pintor que llegó a presentar sus trabajos en las aceras de París y Londres.

Pero también era un buen autocrítico, porque contaba que se inició en el cine como guionista en una época en que abundaban los refritos de temas, en los años treintas y acepta que no tuvo ningún éxito. Luego se retiró y cuando regresó y habían cambiado las tendencias cinematográficas, lo que antes había sido un fracaso ahora se lo elogiaban y lo volvieron a contratar y entonces comenzó la mejor época de su vida productiva en el cine, y fue cuando dirigió y escribió “El halcón maltés”, que fue estrenada en 1941 y que se considera lo mejor de toda su carrera.

Pero en lo personal considero que en su carrera volvió a presentarse una situación como la que él mismo narró, ya que a pesar de que dirigía cintas que terminaban siendo nominadas al Oscar de Hollywood tanto como mejor director como mejor guionista, algunos consideraban que estaba en la decadencia y se lo atribuían a su gran edad.

Pero fue todo lo contrario, porque ahora usted puede ver en video esas cintas nueve cintas que fueron nominadas al Oscar y verá que cuando menos la mitad de ellas se merecía el Oscar, porque son de buena calidad, sobre todo comparándolas con las otras películas que en ese mismo año habían sido premiadas con el Oscar en diversas categorías.

En su tiempo lo atacaron desde diversos puntos a tal grado que una de sus cintas destacadas y que gustó en otros países, “Moby Dick” en los Estados Unidos fue criticada duramente porque Huston mostró a un Gregory Peck que odiaba a Dios en esa cinta, y Huston reclamaba que el autor de la historia de Moby Dick, Herman Melville odiaba a Dios, y como la gente consideraba como un hombre muy recto al actor Gregory Peck, involucraron la ficción de una novela con la realidad, y la cinta fue satanizada. Y hasta lo criticaron por la matanza de ballenas que se mostraba en la película, y no le creían que sólo algunas de las 20 ballenas mostradas, eran de verdad, porque muchas de ellas eran armazones gigantes de madera forradas de látex y acero. Y ahora, usted puede ver esta cinta y comprobar que se trata de una buena versión del tema.

escena de "El Halcón Maltés"

Pero también a John Huston, como a muchos otros directores o guionistas, les llegó a afectar bastante en su carrera el corte de escenas que alguien hace finalmente en las películas, porque casi siempre no es para que resulte mejor, sino para que otros lleguen a considerar que el director “se está comercializando” cada vez más, cuando en realidad otros son los que se imponen a lo que opine o quiera el director o el guionista. Y en vida llegó a opinar amargamente de estos cortes en sus cintas “El bárbaro y la geisha” y “Sinful Davey”.

Sólo tuvo 3 hijos con 5 esposas, con Celeste Shate de 1972 a 1977 porque se divorciaron. Con Ricki Soma de 1950 a 1969 y tuvieron 2 hijos que ya murieron. Con Evelyn Keyes estuvo casada de 1946 a 1950 y tuvieron un hijo. Con Lesley Black de 1937 a 1945 y se divorciaron y con Dorothy Harvey de 1925 a 1933 y se divorciaron.

Fue definitivamente un cinesta muy creativo y diversificado.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

Pancho Córdoba un gran comediante y guionista

2009-02-01T13:06:00.000-08:00

+ Sufrió una embolia cerebral que lo mantuvo varios años en vida vegetativa
+ Trabajó al lado de los grandes comediantes; actuó en más de 150 películas
+ En Colima estuvo en el rodaje de “El rincón de las vírgenes” de A. Isaac

por Héctor ESPINOSA FLORES

Pancho Córdoba fue un gran actor, pero también un escritor de gran ingenio, especializado en la comedia. Su carrera cinematográfica duró más de 30 años y estuvo muy activo, pero también destacó como guionista de algunas de las películas en las que participó, además de haber participado en cintas norteamericanas de renombre, como "Butch Cassidy" y "Los cañones de San Sebastián".

Cuando murió, en 1990, ya tenía varios años retirado del ambiente artístico. Pero también ya tenía varios años que se mantenía con vida vegetativa a causa de una embolia cerebral.

Durante más de 30 años trabajó en más de 150 películas que deleitaron a varias generaciones de cinéfilos. Y fue un gran maestro de la comedia, porque les daba un toque pleno de credibilidad, en papeles de picarón, de malicioso, sarcástico o como un genio. Incluso, varios libretos llegó a escribirlos él mismo para la pantalla.

Pero también le gustaba la política y en 1977 renunció a la Asociación Nacional de Actores y comenzó su gran proyecto para integrar un nuevo organismo que mejorara las condiciones para los actores, ya que –por ejemplo- se decía que se permitía el fichaje de algunas vedettes, y que a la hora de llegar a la vejez no estaba muy claro su sostenimiento y atención. Por eso, fundó la S.A.I. Y nunca abandonó esta causa.

Pancho Córdoba había nacido en Chiapas, pero en la ciudad de México luego de terminar su carrera se puso a trabajar en diversas cosas, como vendedor de seguros de vida, agente de publicidad para radio y televisión y ahí es cuando decidió escribir guiones para radio y cine que luego comenzó a colocar gracias alos contactos que había logrado. Y lue fue muy bien por su caracter bonachón que le permitieron que se le abrieran muchas puertas, porque además de guionistas, consiguió trabajo de actor y locutor en XEW.

En Colima se le recuerda con agrado por su intervención en “El rincón de las vírgenes” que dirigió el colimense Alberto Isaac y vino a Colima y Comala para filmarla totalmente en escenarios naturales colimenses. Entre ellos el baño de Los Caballos, que estuvo en el cruce de Nigromante y Maclovio Herrera. Y fue en ese mismo lugar en donde se filmaron las escenas en las que aparece totalmente desnuda Rosalba Brambila, en su debut en cine luego de salir en dos telenovelas. Pero el gran atractivo era su físico. En esa cinta también trabajaron Emilio Fernández, Alfonso Arau, Carmen Salinas, la desaparecida Lilia Prado, Héctor Ortega, pero también muchos colimenses como el profesor Manuel Cedeño, Melchor Fierros, Gabriel Portillo, Jorge Rocha, Leticia Gaitán, Jesusa Anguiano, entre otros.

Trabajó a lado de grandes estrellas del cine mexicano como Jorge Negrete, Pedro Armendáriz y Andrés Soler en “Tres alegres compadres” en 1952 apenas en la segunda película en la que intervenía. Pero también estuvo al lado de grandes comediantes como Alfonso Arau en “Las locuras del rock’n roll” que precisamente el argumento es de Pancho Córdova y apenas era su sexta película como actor.

También participó con Clavillazo en “Nunca me hagan eso”, con Resortes en “Echenme al gato” y “Carnaval en mi barrio”, o en el drama “Pepito y los robachicos”, luego hizo dos películas sobre “La pandilla se divierte” con Angélica Máría, o la cinta para niños “El cofre del pirata”, pero también trabajó al lado de Tin-Tan en “Tin-Tan y las modelos”, o con Viruta y Capulina en “Dos criados malcriados”, o con Mauricio Garcés en “Amorcito Corazón”, o con Luis Aguilar, Joaquín Cordero y Dagoberto Rodríguez en “Tres tristes tigres”, o con Julio Alemán en varias cintas sobre el Látigo Negro, o al lado de Antonio Aguilar y Julio Alemán en la exitosa “Los hermanos del hierro”, o “Juan Sin miedo” junto a Luis Aguilar, pero también trabajó bajo las órdenes del galardonado director español Luis Buñuel en “El angel Exterminador”, pero también estuvo al lado de Angel Fernández en “Taraumara”, así como al lado de Glenn Ford y Stella Stevens en “El Mal”, o en “La soldadera” con Silvia Pinal.

También trabajó en el cine internacional, en “Los cañones de San Sebastián” con Anthony Quinn, así como en un capítulo de la teleserie norteamericana “I-Spy” con Robert Culp, pero también trabajó nada menos que en la cinta “Butch Cassidy and the Sundance Kid” con Paul Newman y Robert Redford que ganó 4 Oscar, incluyendo el de mejor cinta y en esa película interpreta precisamente a un vaquero que se llamaba igual que él , pero también trabajó en el wester “Tres mulas para la hermana sara” con Clint Eastwood.

También trabajó en otras cintas que en su tiempo tuvieron mucho éxito como “Al rojo vivo”, “La vida inútil de Pito Pérez”, “El águila descalza”, “Doña Macabra”, “Mecánica nacional”, “Los cachorros”, “Fe, esperanza y caridad”, “Calzonzin inspector”, “Presagio”, “Tívoli”, “Bellas de noche”, entre otras.

Le sobreviven su esposa Luz María Lira y sus cuatro hijos.

Fue, defnitivamente, un gran actor y guionista.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

Tom y Jerry ya tienen 68 años de edad

2009-01-11T08:06:00.000-08:00

+ Pero los personajes no envejecen y siguen divirtiendo nuevas generaciones

+ Sus autores, William Hanna y Joseph Barbera, nunca imaginaron el éxito

+ El éxito de sus personajes opacó los de Walt Disney durante vario años

por Héctor ESPINOSA FLORES

Tom y Jerry a pesar de que ya son adultos mayores porque cumplen 68 años de haber nacido, en la pantalla y en los cuentos impresos y en las tiras cómicas de los periódicos de muchos países del mundo, siguen igual de jóvenes y conservando sus 7 vidas.

Y tampoco el paso de los años les afecta en su entusiasmo y la insistencia hacer enojar al gato y éste perseguir al pequeño ratoncito, sufriendo ambos muchos golpes y agresiones que definitivamente no aguantarían nadie en la realidad, pero en el espacio virtual y fantasioso de los dibujos animados, todo se vale.

Las dos figuras fueron creadas hace 66 años por William Hanna y Joseph Barbera. Y todo comenzó cuando en 1940 en la película “Puss Gets thje Boot” en la que se presenta la historia de un gato que ha sido amenazado por su amo si vuelve a romper otra cosa del hogar. Y es entonces cuando el ratón que habita esa casa, se frota las manos y se talla los bigotes gustosamente porque sabe que esta será una excelente oportunidad para correr a su rival y quedarse solo en casa y disfrutar de todos los manjares que le apetecen.

Y comienza su tarea, lanzando cuanta cosa encuentra a su paso y el gato esforzándose por detenerlas, pero sin lograrlo y con tantos objetos destrozados, lo avientan a la calle, y es etonces cuando el ratoncito toma el tapete que a la entrada de la casa dice “Home sweet home” (Hogar, dulce hogar) y lo coloca a la entrada de la madriguera y así se acaba el corton de dibujos animados.

Cuando surgió este corto de dibujos animados, ambos personajes, el gato y el ratón, aún no habían sido bautizados. Pero como el éxito fue fabuloso y el corto fue nominado a un Oscar de Hollywood. Pero ya para el siguiente corto, ambos personajes fueron más insolentes y peleoneros, logrando ganar 8 Oscares y luego fueron candidatos a otros seis.

Ya para 1943, William y Joseph Barbera triunfaron de tal forma con “Yankee Doodle Mouse” que sus películas relevaron el éxito que habían estado teniendo los personajes de Walt Disney, ya que en los dos años siguientes volvieron a ganar otros dos Oscares.

También con “The Cat concerto” en 1947 tuvieron un gran éxito con la caracterización de Tom como un gran concertista que mientras interpreta la Rapsodia Húngara, pero el ratón lucha para que el gato no pueda interpretar esa melodía, tocando éste en un piano de cola para molestarlo.

Pero también Jerry ya había bailado al lado de Gene Kelly en la cinta “Leven Anclas” (Anchors Aweigh) en 1944, convirtiéndose así en la primer cinta que combinaba a un actor con un personaje de los dibujos animados. Algo parecido se hizo en 1953 cuando Tom y Jerry nadan juntos a Esther Williams en una secuencia onírica.

Pero los padres de Tom y Jerry, William Hanna y Joseph Barbera jamás se imaginaron que tendrían tamaño éxito mundial después de ambos andaban mal, porque uno estaba desempleado y Hanna quería ser ingeniero pero decidió una carrera corta y menos peligrosa, ya que cuando trabajaba en una obra en construcción, sufrió un accidente. Y ya para cuando tenía 21 años de edad, Hanna comenzó de dibujante junto con Rudolph Ising, pero también demostró sus cualidades como guionista y hasta dirigir sus propias películas. Y cuando ya había firmado contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer, en 1937, ahí fue donde conoció a Barbera, un ex empleado de banco que se había convertido en dibujante porque le gustaba mucho el mundo del espectáculo.

Y así fue como comenzaron a formar un gran equipo, porque Barbera era el de las ideas y armaba los “gags”, mientras que Hanna era el que se encargaba de dibujar los efectos. Su equipo de producción fue y sigue siendo famoso: “Hanna-Barbera Productions”, porque lo mismo producía historietas cómicas, que películas de dibujos animados. Fueron 20 años de sociedad muy exitosa, sobre todo cuando formaron su propio estudio de producción, que tuvo mucho éxito con sus programas de televisión.

Pero la pareja de dibujantes y creadores, también fueron los “papás” de muchos famosos personajes de los dibujos animados como El Oso Yogui, Los Picapiedra.

Tom y Jerry, definitivamente, son dos grandes personajes que seguirán divirtiendo a muchas generaciones más de niños en el futuro.

William Hanna murió el 22 de marzo de 2001. Joseph Barbera nació el 24 de marzo de 1911 en Nueva York y murió a los 95 años el 18 de diciembre de 2006.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(12-ene-09)

Los famosos que se fueron en 2008

2009-01-03T17:12:00.000-08:00

+ Roy Scheider, Sydney Pollack, Brad Renfro, Suzanne Pleshette, los extranjeros

+ Miguel Galván, Miguel Córcega, María Elena Márquez, Servando González

por Héctor ESPINOSA FLORES

Varios famosos se fueron físicamente durante el 2008. Entre ellos, el famoso Roy Scheider por su actuación en “Tiburón”, o la gran actriz mexicana María Elena Marquéz, o la dramática muerte del joven Brad Renfro por una sobredosis, o la de muerte del comediante mexicano Miguel Galván, o del famoso realizador Sydney Pollack y la hermosa Suzanne Pleshette de la cinta “Los pájaros”.

Y todos los que citamos aquí, los más famosos, dejan un hueco en sus especializades como actrices, actores de caracter o comediantes, así como directores, productores y guionistas, porque todos ellos dejaron constancia de su calidad. Los menciono aquí conforme el orden de su fallecimiento.

María Victoria Llamas fue una actriz infantil en la cinta “Angelitos Negros” en 1948, pero después de una muy corta carrera como actriz -4 películas- fue directora de “La muerte viva” en 1988, “Citando a la muerte” y “Mariposas Monarca, viajeras ancestrales” en 1989 pero además fue guionista de la teleserie “María Victoria Llamas” en 1991. Había nacido en la ciudad de México el 23 de septiembre de 1940 y murió el 5 de enero de 2008.

Brad Renfro quien saltara a la fama en la cuarta cinta de su carrera “Los hijos de la calle” en 1996 como uno de los jovencitos que en un internado sufre abusos sexuales junto a Brad Pitt, Jason Patrick y Kevin Bacon, pero que ganara premios como mejor actor joven desde que inició su carrera con “El cliente” en 1994, “The Cure” (Que nadie nos separe) y “Las aventuras de Tom y Huck”. Otras cintas famosas en su carrera fueron “Regresiones de un hombre muerto”, “Carretera del terror”, “Jóvenes salvajes” y en 2008 se estrenaron sus más recientes cintas “Coleccionista” y “Los informantes” con Kim Basinger y una gran cantidad de estrellas. Brad había nacido el 25 de julio de 1982 en Tennessee y murió por una sobredosis de heroína el 15 de enero de 2008.

Suzanne Pleshette saltó a la fama como la compañera del Richard Chamberlain en la teleserie “Dr. Kildare”, pero su fama a nivel internacional la ganó en el cine con su actuación en la cinta “Los pájaros” dirigida por el mago del suspenso Alfred Hitchcock. Tuvo una larguísima carrera artística, porque desde 1957 ya trabajaba en teleseries interpretando capítulos en más de 20 diferentes y luego en 1962 participó en su primer cinta “Los amantes deben aprender”, luego “Los Pájaros” en 1963, luego estuvo en la teleserie original de “El fugitivo”, luego con Steve McQueen en “Nevada Smith”, pero siguió muy activa en teleseries porque era muy solicitada por su bello rostro y sus ojos de color y su última participación fue en la teleserie “Will y Grace” en tres capítulos en 2004. Había nacido el 31 de enero de 1937 en Nueva York. Se retiró cuando le afectó moralmente su cáncer. Pero murió a causa de un fallo respitarotio el 19 de enero de 2008.

Bertha Moss fue una gran actriz nacida en Argentina, pero también una buena parte de su carrera cinematigráfica la realizó en México, donde interpretó muchos papeles de madre abnegada. Su primer película fue “Incertidumbre” en 1942, en Argentina. Trabajó en más de 80 películas y teleseries. La última película en la que participó fue en México en 1999 en “La paloma de Marsella” junto a Germán Robles y antes había estado en uno o varios capítulos de las teleseries “Preciosa”, “María Isabel”, “Alondra”, “Los parientes pobres”, “Amor de nadie”, “Muchachitas”, “Pobre juventud”. Juana Bertha Moscovich Holm, como en realidad se llamaba, nació en Argentina el 7 de agosto de 1919 y murió de un ataque cardiaco en México, el 4 de febrero de 2008.

Roy Scheider ya había logrado algo de fama con su participación en la entonces triunfadora “Contacto en Francia” al lado de Gene Hackman como el policía que descubre un gran tráfico de drogas, y luego con la cinta francesa “El Atentado”, pero sin lugar a dudas en todo el mundo conocieron su imagen y su actuación en “Tiburón” la famosa cinta dirigida por Steven Spielberg que se convirtió en un clásico del cine de horror y que además ganó tantos millones de dólares como antes no se había visto en el cine. Luego estuvo en “Maratón de la muerte” que también fue una buena cinta, pero con la segunda parte de Tiburón ya no les fue igual, pero luego se repuso con “En la quietud de la noche” y “Relámpago azul”, “La casa rusia”, “La sangre de Romeo”, “Legítima defensa”, “Colmillo blanco”, “El castigador”, entre otras. Estaba aún activo en cine, dejando en post producción “Iron Cross”. Había nacido en New Jersey el 10 de noviembre de 1932 y murió en Arkansas de un mieloma múltiple el 10 de febrero de 2008.

Miguel Galván fue un joven cómico mexicano que estuvo muy activo en la televisión en programas de Televisa. Su primer participación en cine fue en 1988 con La India María en “Ni de aquí, ni de allá”, pero también participó en la galardonada cinta “Perdita Durango” al lado de Rosie Pérez y Javier Bardem, como también estuvo en la existosa cinta mexicana “Sexo, pudor y lágrimas” y estuvo en teleseries como “Serafín”, “La hora pico”, “Contra, viento y marea”, “Destilando amor”, “Sexo y otros secretos” y acababa de participar en la cinta “Mejor que la vida”. Había nacido en Zacatecas el 13 de octubre de 1957 y murió en la ciudad de México de insuficiencia renal el 14 de abril de 2008.

Sydney Pollack fue un renombrado director cinematográfico que ganó dos Oscar en 1985 por mejor película y mejor dirección de “africa mía”, pero también fue nominado por “Michael Clayton” y “Tootsie”, pero otras de sus mejores cintas sonm “Los tres días del cóndor”, “Un instante, una vida”, “El jinete eléctrico”, “Ausencia de malicia”, “La intérprete” con Nicole Kidman, “La fortaleza”, entr otras. Había nacido en Indiana, Estados Unidos el 1 de julio de 1934 y murió de cáncer en Los Angeles, el 26 de mayo de 2008.

Bárbara Angely estuvo sólo 8 años en el cine mexicano, pero fue suficiente para que muchos la conocieran. Trabajó en más de 24 películas, desde la primera que fue la comedia “Chanoc” en 1967, luego participó en la teleserie norteamericana “I spy” con Michael Culp y Bill Cosby, luego en varias junto al luchador Blue Demon, luego en comedias de mujeres, o al lado de Capulina en “El mundo de los aviones”, o de Mauricio Garcés en “Fray Don Juan”, luego estuvo en Manzanillo filmando “Las figuras de arena” al lado de Elsa Aguirre y David Reynoso, después trabajó en “El tunco Maclovio” con Julio Alemán, “Las puertas del paraíso”, “La noche de los mil gatos”, y “Arde, baby, arde” de José Bolaños, en 1975, fue en la última cinta en que participó. Había nacido en 1943 y murió en los incendios forestales en Santa Bárbara, California, el 26 de agosto de 2008.

Miguel Córcega fue un actor mexicano de más de 50 películas la mitad de estas teleseries, pero también fue director de más de 20 cintas. Recientemente estuvo como el Padre Anselmo en 31 capítulos de la teleserie “Cuidado con el amor” y antes estuvo en “Peregrina”, “Inocente de tí”, “Entre el amor y el odio”, “Abrázame muy fuerte”, “La usurpadora”, “Pobre niña rica”, “Más allá del puente”, entre otrasde las 37 teleseries en que participó, pero también estuvo al lado de Clavillazo en “Pura vida”, en el drama de Juan Bustillo Oro “Cada hijo una cruz”, con Viruta y Capulina en “El dolor de pagar la renta”. Y fue director de 27 teleseries. Nació en la ciudad de México el 24 de octubre de 1929 y murió el 29 de septiembre de 2008.

Servando González fue un realizador de pocas, pero destacadas películas mexicanasm “Sinfónía de luz y color” fue su primer película corta en 1960. Su tercer trabajo fue una película norteamericana “The fool killer” con Anthony Perkins, luego vino la exitosa “Viento negro” con David Reynoso y José Elías Moreno, así como “El escapulario” con Enrique Lizalde, la comedia “De qué color es el viento” con Ofelia Medina, “Los de abajo” con Eric del Castillo y Enrique Lucero, “Las grandes aguas” con Eric del Castillo con la que ganó el Ariel y “El último túnel” en 1987 que ganó dos nominaciones al Ariel y que fue también su último trabajo. En la mitad de sus trabajos fue guionistas y productor de 5 cintas. Nació en Veracruz, México el 15 de mayo de 1923 y murió en la ciudad de México el 5 de octubre de 2008.

Paco Ibáñez fue un actor cómico que estuvo activo desde 1985 cuando entró a un capítulo de la teleserie “La clave”. Pero fue más conocido por sus intervenciones en las numerosas secuelas de “La risa en vacaciones” cinta de eventos chuscos que inicialmente tuvo mucho éxito taquillero en México, pero después desmereció porque se notaba que las supuestas escenas chuscas sorpresa estaban sobreactuadas. Intervino en más de 15 teleseries mexicanas, estaba activo en cine, acababa de terminar “Mexican bloodbath” de Roberto Arévalo. Nació en la ciudad de México en 1948 y murió de esclerosis lateral el 9 de octubre de 1008.

María Elena Marqués fue una actriz mexicana muy conocida en su país. Trabajó en más de 67 películas. Fue nominada al Ariel por su destacada actuación en la cinta “La Perla” basada en la novela de John Steinbeck y una buena dirección de Emilio Fernández que ganó en el Festival de Venecia y aque además ganó un Globo de Oro la destacable fotografía de Gabriel Figueroa, pero también se le recuerda por su actuación al lado de María Félix en “Doña Bárbara”, “Reportaje”, “Pulgartico”, “Así era Pancho Villa”, “Pueblito”, y al final de su carrera estuvo como en una docena de teleseries. Su última película fue “El testamento” junto a Bruno Rey y Anita Blanch en 1981. Nació en la ciudad de México el 14 de diciembre de 1926 y murió de un ataque al corazón en la ciudad de México el 11 de noviembre de 2008.

Actores, actrices, directores, guionistas, productores, todos ellos de gran valía son los que se han ido en 2008. Los que conocieron sus trabajos, los recordarán. Descansen en paz.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(4-ene-09)

Miroslava y su "suicidio" que no convenció

2008-12-27T16:32:00.000-08:00

+ A más de 50 años de distancia, “oficialmente” fue un suicidio; pero no creíble

+ Se asegura que murió en un accidente aéreo, y luego prepararon escenarios

+ Estaba relacionada amorosamente con un yerno de Plutarco Elías Calles

por Héctor ESPINOSA FLORES

Miroslava, conocida en su tiempo como uno de los rostros extranjeros más hermosos en el cine mexicano, es uno de esos raros casos, porque hace ya 51 años de su trágica muerte y aún no se ha podido aclarar si fue realmente un suicidio.

Miroslava fue como se le conoció en nuestro país, pero en realidad se llamaba Miroslava Sternova y había hacido el 26 de febrero de 1926 en Praga, Checoslovaquia. Su rostro hermoso era su mejor arma, porque sus actuaciones eran simplemente buenas, incluso nunca se le quitó su tono extranjero, al balbucear muchas palabras. Y extrañamente, cuando apenas había terminado de filmar “Ensayo de un crimen” la que sin duda alguna fue su mejor actuación, bajo la dirección del gran cineasta Luis Buñuel.

Su rostro hermoso, además escondía una melancolía o tristeza, como se puede captar en casi todas las fotos de estudio que se manejaron en aquellos tiempos, pero también se le podía notar en las películas.

Cuando su muerte ocurrió el 10 de marzo de 1955 en la ciudad de México, se dijo que se suicidó por la gran decepción que le había provocado el casamiento -9 días antes- de su gran amor el torero Luis Miguel Dominguín con la actriz italiana Lucía Bosé –después, padres del cantante Miguel Bosé-. Pero ¿porqué 9 días despúés? Pues según se publicó en periódicos de la ciudad de México en ese tiempo, aparentemente se esperó a que terminara la parte que le correspondía en la película “Ensayo de un crimen”. ¿cree usted que eso pudiera ser posible, esperarse 9 días si la desesperación fue mayor el primer día que se enteró de la boda?

Incluso, en su tiempo, Carmen Montejo, quien era una amiga realmente íntima de Miroslava, declaró que ella no se hubiera suicidado por la boda, ya que antes había ocurrido lo que realmente le dolió, cuando Dominguín decidió romper formalmente la relación que tenían, porque amaba a otra mujer. Además, Carmen advierte que ella nunca le dijo algo que indicara que estaba muy desesperada o que tuviera intenciones de suicidarse. Estaba además muy joven -29 años- y su carrera apenas florecía porque apenas tenía 9 años en el cine y acaba de participar en “Escuela de Vagabundos” al lado de Pedro Infante y la cinta había resultado todo un éxito, y luego fue contratada por Luis Buñuel para “Ensayo de un crimen” en la que demuestra que sí tenía cualidad de actriz.

Pero también Ernesto Alonso se consideraba su amiga porque trabajó con ella en la película que fue su debut para ella “Bodas trágicas” en 1946 y luego también estuvieron juntos en la que fuera su última película “Ensayo de un crimen” en 1955, pero nunca le comentó nada sobre un posible suicidio, porque consideró él que si eso tenía en mente ella, si se lo platicaba, sabía que trataría de disuadirla.

Además, no era su primer decepción amorosa, ya que antes estuvo casada con Jesús Gómez Obregón, y el matrimonio se acabó cuando ella descubrió que la estaba engañando con otro hombre.

Reparto de "Ensayo de un crimen" -al centro, el maniquí-

Obviamente tenía un gran resentimiento de sus dos grandes fracasos amorosos, pero dicen que no era como para decidir terminar su vida. En 1955 se publicó en el periódico Novedades, que le preguntaron a la actriz sobre la boda de su gran amor Dominguín, y solicitó que no le preguntaran sobre eso. Y entonces ella misma le dijo a la reportera que mejor le preguntara qué opina sobre los hombres y le dijo: “Hasta que yo no encuentre al hombre de mis sueños, que llene todas mis expectativas, creeré en los hombres y creeré también en el amor”.

Además, queda la pregunta en el aire ¿se suicidaría Miroslava por una decepción amorosa con Dominguín, si el torero era famoso precisamente por sus romances con María Félix, Ava Gardner, Rita Hayworth y caualquier actriz de moda? Y precisamente así fue como se conocieron Dominguín y Moroslava, mediante sus dotes de galán, porque cuando ella quería entrar a España, el gobierno la acusó de espía y le negó su ingreso, pero el torero salió en su defensa y logró que entrara y a partir de entonces se inició el romance, que ella misma comprendía que no duraría mucho, si el torero era famoso por sus conquistas aceleradas.

Su muerte para la gran mayoría que la conocieron y la vieron en sus películas, sigue siendo inexplicable. Sin embargo, quedó publicado que la probable explicación es que no se suicidó, sino que murió en un accidente aéreo, junto con Jorge Pasquel, -yerno de Plutarco Elías Calles, político y dueño del periódico Novedades- quien antes había sido acusado de contrabando y de vender concesiones aprovechando su influencia en el gobierno. Viajaban en un avión C-60 que desde los años cuarentas había sido prohibido en México luego de que el presidente Lázaro Cárdenas estuvo a punto de sufrir un accidente. El avión se estrelló en Ciudad Valles, San Luis Potosí, el 8 de marzo de 1955. Y encontraron 7 cuerpos, pero en el registro de vuelo sólo figuraban 6 pasajeros. Y jamás fue identificado “oficialmente” el séptimo cuerpo, porque se suponía que era la actriz y hacía el papel de una amante. Identificaron sólo a los 3 pilotos, un radio operador, un mecánico y el mayordomo.

Pero, curiosamente, la criada María del Rosario Navarro, no ha visto a Miroslava desde el 8 de marzo, y al día siguiente le insite tocando pero no le da importancia y es hasta el día 10 de marzo cuando decide entrar por el balcón y la encuentra muerta en su cama, deteniendo una foto de Dominguín sobre su pecho. Y al día siguiente, el 12, la policía ya estaba presentado tres cartas de la supuesta suicida, cartas que la criada no vió nunca cuando penetró al cuarto de Miroslava por el balcón.

Y dicen que por eso precisamente, intervino la Asociación Nacional de Actores para que se le dispensara la autopsia y que el cuerpo fuera incinerado, porque supuestamente fue una petición del padre de la actriz para tener junto esas cenizas junto a su madre, en el Panteón Jardín de la ciudad de México.

Y como para que no quede duda sobre esta versión, en el periódico La Prensa se publicó una entrevista en la que el actor cubano César del Campo asegura que había estado platicando con ella el 7 de marzo y le platicó que tenía varios planes de trabajo y que estaba por salir a San Luis Potosí a hacer unas presentaciones personales.

Y luego el 13 de marzo el mismo periódico publicó que aún no habían sido sepultados las cenizas de Miroslava porque en el mausoleo donde se suponía que estaba su madre, no existía. Y las cenizas de ambas, de Miroslava y la madre, terminaron en el depósito de cadáveres.

Y algo más impactante fue lo que declaró la actriz Carmen Sevilla, al advertir que a nadie dejaban arrimarse al féretro, pero ella asegura que parecía el muñeco que Buñuel fabricó para la que fue la última película de Miroslava, “Ensayo de un crimen”.

Para unos quedó muy claro que no fue suicidio, pero “oficialmente” las autoridades de aquel tiempo, aseguraron que sí lo fue.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(28-dic-08)

Anthony Perkins el gran actor de “Psicosis”

2008-12-20T16:25:00.000-08:00

+ Desde que filmó esa cinta de Hitchcock, quedó encasillado en esos papeles

+ En su segunda película, ya había sido nominado al Oscar como mejor actor

+ También filmó varias cintas en Europa; pero lo mejor, lo filmó en EUA

por Héctor ESPINOSA FLORES

Anthony Perkins ya tenía 7 años en el cine y había trabajado en más de 8 películas, cuando en 1960 el mago del suspenso, Alfred Hitchcock, lo puso en el rol estelar masculino de la cinta “Psicosis”, y eso lo lanzó al estrellato como actor, pero también la cinta es considerada como una de las mejores del famoso y regordete director inglés.

Anthony Perkins en el papel del joven que cuidaba un hotel propiedad de su madre, y a ella la mantenía sentada en su sofá a pesar de que ya había pasado mucho tiempo de haber muerto, porque ya había enloquecido hasta convertirse en un asesino, ganó mucho dinero y popularidad.

Pero a pesar del gran éxito que logró esta cinta, Alfred Hitchcock nunca quiso hacer una continuación, ni mucho menos un “remake” o repetición, pero ahora en colores. Es por eso que -20 años después- cuando Hitchcock murió, se filmó una segunda parte de esta cinta y aunque no aceptó participar Janet Leigh, creyeron que una segunda parte impactaría. Pero ahí se cumplió el presagio de un buen cinéfilo: “nunca segundas partes fueron buenas”. Y la cinta fracasó.

Sin embargo, el actor ahora era el que estaba obsesionado del tema, y tres años después de esa segunda parte, ahora fue él mismo quien dirigió “Psicosis III”, pero volvió a fracasar, seguramente porque aún cuando utilizaron la historia base en las dos continuaciones, los arreglos que le hicieron a la trama otros guionistas, no gustó a la gran mayoría. Pero en realidad, lo que ocurrió es que era imposible buscar una comparación con una cinta de Hitchcock, porque el espectador sólo se dedicaba a buscarle comparaciones. Y no se trataba de eso. Quizá hubiera gustado si se titulara de otra manera y no se dijera que había sido basada en aquella cinta.

Anthony, nacido en Nueva York un 4 de abril de 1932, traía el cine en las venas, porque su padre había sido el actor James Ripley Osgoon Perkins. Y por eso no extrañó que apenas en la segunda película en la que había intervenido, “Friendly Persuasion” en 1956, recibiera una nominación al Oscar como mejor actor. Incluso, en ese tiempo se llegó a publicar que era el favorito y era además el que ofrecía una mejor actuación que el resto de los candidatos al Oscar.

Janet Leigh

Luego se fue a Europa en donde trabajó bajo la dirección de varios famosos y en cintas como “Phaedra” basada en un escrito de Eurípides, para luego filmar “El Proceso” basada en un tema de Kafka y bajo la dirección de Orson Welles, quien ganó el Oscar por el premio de la crítica. Pero luego trabajó nada menos que bajo las órdenes del director mexicano Servando González en la cinta “The fool killer” (Asesino de tontos) en donde lo mostraban como un cruel asesino. Y desde esa fecha, Anthony quedó sellado para esos papeles, porque muchos le ofrecían papeles de malvados o de asesino.

Alfred Hitchcock y Janet Leigh

Aunque en el mundo no era muy conocido que Anthony era bisexual, y mucho menos en ese tiempo se sabía algo sobre el sida, él no tuvo problemas para enamorar en la pantalla a muchas hermosas y famosas actrices. Pero tuvo muchos romances con muchos hombres, como el famoso actor Tab Hunter, o el bailarín Rudolf Nureyev y el coréografo Grover Dale, con el que tuvo una relación de seis años, incluso hasta muy poco antes de que el actor se casara con Berry Berenson –hermana de la actriz Marissa Berenson-, pero cuando anduvo con la actriz Victoria Principal, llegó a declarar que era homosexual. Y esa vida sexual sin limitaciones, lo llevó a contraer el Sida, muriendo en 1992, cuando tenía 60 años de edad. Su hijo, Osgood Perkins es actor conocido como Ox Perkins, mientras que su otro hijo, Elvis Perkins, se dedica a la música. La madre de ellos, Berry, murió dentro del vuelo 11 de American Airlines que fue estrellado sobre una de las torres gemelas, durante los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001 en los Estados Unidos.

A los 43 años de edad Anthony Perkins ya era considerado como un actor veterano por la experiencia que ya tenía en cine, como por ejemplo haciendo el papel de novio de Jean Simons en la comedia “La actriz” dirigida por George Cukor en 1953, así como hijo de Gary Cooper en “La gran tentación” que era un gran melodrama, o como el paranoico jugador de beisbol en “Venciendo al miedo” o como un héroe basquetbolista en “Tall Story” junto a Jane Fonda. O como el novio sin cerebro de la hermosa Audrey Hemburn en “La flor que no murió”, o en “Phedra” donde es un incestuoso y pasional hijastro de Melina Mercouri, hasta que llegó con su papel de sicópata en “Psicosis”, porque a partir de entonces en muchas películas apareció como loco, sicópata, o cuando menos con tics o tartamudenado, porque fue cómplice de un crimen en “Pretty poison”, o un suicida homosexual en “Play it as it lays”, o el amante de Diana Ross en “Mahogandy”. Es por eso que él llegó a decir que “Es agotador conservar esa imagen. Sigo pensando que es bueno, seguro, que la gente debe verme ya bajo otra luz...”.

Pero también tuvo éxito en teatro, ya que cuando intervino en el estelar de la obra “Equus” sustituyendo a Anthony Hopkins, fue tal el éxito que todo el público lo ovacionó de pie.

Hoy lo recordamos como un gran actor.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

Nicole Kidman conjuga belleza y talento

2008-12-13T14:20:00.000-08:00

+ Demostró con hechos, que es actriz exitosa sin necesidad de Tom Cruise

+ Sus películas más exitosas, sin Tom. Ganó el Oscar, el año de su divorcio

+ “Las Horas”, “Retrato de una dama”, “Moulin rouge”, sus mejores cintas

por Héctor ESPINOSA FLORES

De la hermosa actriz norteamericana-australiana Nicole Kidman se decía que su éxito en la pantalla dependía de su relación con el famoso actor Tom Cruise. Sin embargo, ha podido demostrar –sin Tom Cruise- que es en realidad una gran actriz, sobre todo porque en el año que se divorció de Tom, fue cuando ganó el Oscar como mejor actriz por su excelente inrerpretación en la cinta “Las Horas” basado en la vida de Virginia Wolf.

Incluso, se llegó a publicar que Nicole Kidman después de haber participado en nueve películas en Australia y al no poder lograr el éxito internacional que ella aspiraba, y favorecida porque recientemente había tenido un éxito que se alargó a nivel internacional con “Calma Total” al lado del excelente actor australiano Sam Neil, dejó todo lo que tenía en Australia –incluso dicen que ya estaba comprometida con el actor Billy Zane y pronto se casarían- y se fue a los Estados Unidos para participar en el casting para la película “Días de Truenos” dirigida por Tony Scott, pero Tom desde el momento que la vió se quedó atraído por su belleza, y no sólo logró que la pusieran para el rol estelar, sino que ahí mismo en el rodaje de la cinta comenzó el romance en grande, y ya para la navidad del año siguiente se estaban casando. Y ni siquiera la importó que para esa película Tom tuviera que utilizar zapatos con tacón muy alto, y aún así Nicole se veía más alta que él.

Pero la película también fue un exitaso, porque hasta su tema musical se hizo muy famoso. Y eso convenció aún más a la pareja, porque juntarse les beneficiaba a ambos.

Nunca tuvieron hijos, porque aparentemente Tom quedó estéril desde que le hicieron una operación para extirparle un tumor benigno. Y se dice que el motivo del divorcio fue que el actor quería educar a los 2 hijos adoptados mediante la religión de la Cientología que él lleva desde hace muchos años, al igual que el actor John Travolta, entre otros. Y ella quería educarlos en torno a la religión católica. Sin embargo, antes de registrarse el divorcio, ella dio varias declaraciones muy reveladoras que nunca antes había hecho, y reclamaba su derecho a embarazarse y poder tener un hijo propio. Ese era su gran anhelo, y por eso seguramente se acabó la relación y se divorciaron en el año 2002 y ella aunque se dijo que tuvo algunas relaciones sentimentales, como con el productor italiano Fabricio Lombardo, con el actor Billy Zane y luego con el cantante de rock Lenny Kravitz. Fue hasta ese año, el 25 de junio de 2006, cuando se casó con el músico Keith Urban.

Ya casados trabajaron juntos en dos o tres cintas, como actor o como productor, pero si apenas el éxito fue regular, el público les demandó a ambos que cada quien buscara destacar solo, sin tener que necesitar a su pareja. Y ella fue la primera en promoverse por sí sola, y aunque parecía que no tenía éxito en sus promociones, pronto comenzaron a solicitarla y a demostrar que realmente puede hacer todo tipo de papeles y que la calidad de su interpretación también depende en gran parte de la historia y el manejo que le dé el director, como ocurrió en “Batman forever”, “Todo por un sueño” (To die for), y luego “Retrato de una dama” dirigida nada menos que por la neozelandesa Jane Campion –ganadora del Oscar por “El piano”-, pero también intervino en la cinta de acción “El pacificador” al lado de George Clooney, luego como bruja en “Poción mágica” junto a Sandra Bullock, pero luego Stanley Kubrick (el creador de “2001, odisea del espacio” y “Naranja mecánica”) vuelve a juntar a Nicole con su marido Tom Cruise en “Eyes wide shut” (Ojos bien cerrados) en la que mostraron escenas de desnudos que fueron más famosas e interesantes cuando se promocionaron que cuando se vieron en la pantalla, pero además, auque la película es buena, no resultó lo que la gran mayoría esperaba, y a la cinta le fue regular en la taquilla y con la crítica, ya que volvieron a remarcar que este era el mejor ejemplo de que no tendrán éxito en escenas de cama, si en realidad son marido y mujer.

Y al decidir nuevamente intervenir sólo en cintas escogidas por ella, volvió Nicole Kidman a triunfar en su siguiente película “Moulin Rouge” un excelente musical que le permitió que ella ganara el Globo de Oro así como una nominción al Oscar por su actuación además de que la cinta ganó 2 de las 8 nominaciones al Oscar, y fue ganador y nominado en más de 15 festivales internacionales.

Luego intervendría en el thriller “Los otros” dirigido por el español Alejandro Amenábar por la que nuevamente fue nominada al Globo de Oro, pero también tuvo éxito con la comedia “Birthday girl”, y luego salió sólo su voz en el thriller “Panic Room” –porque se lesionó un pie y ya no pudo intervenir como actriz- estelarizada por Jodie Foster y Forrest Whitaker, pero en el 2002 vendría su gran éxito “Las horas” dirigida por el inglés Stephen Daldry y basada en la vida de Virginia Wolf, actuando al lado de Julianne Moore y Mery Streep, logando Nicole ganar el Oscar y el Globo de Oro por su mejor actuación, además de que la cinta recibió otras 8 nominaciones al Oscar y también ganó el Festival de Berlín.

O sea, que seguía demostrando que sin Tom Cruise sí podría tener una carrera exitosa en el cine, incluso como para ganar premios de gran renombre, como el Oscar o el Globo de Oro.

Y el éxito siguió cuando trabajó en “Could Mountain” porque nuevamente fue nominada al Globo de Oro, pero la actriz Renée Zellweger ganó el Oscar y el Globo de oro y la cinta recibió 6 nominaciones al Oscar y ganó otros premios en festivales internacionales. Y los éxitos continuaron con el thriller “Birth”, luego con “La intérprete”, entre otras. Ahora está por salir “El retrato imaginario de Diane Arbus” y ha estado trabajando en el rodaje o preparación de 6 películas más, que se estrenarán algunas el año próximo y otras en el 2008.

Nicole Mary Kidman, su nombre real, nació en Hawaii el 20 de junio de 1967, pero hasta los 4 años de edad estuvieron viviendo en Washington, Estados Unidos, y luego se fueron a Australia, porque su padre investigaba sobre el cáncer pero también era maestro universitario en Sydney, Australia. Nicole desde los 3 años de edad ya tomaba clases de ballet. En Australia entró a una escuela de teatro para jóvenes, y a los 14 años de edad, en 1983, trabajó en series de televisión y algunas películas como “Navidad” (Bush Christmas) que aún se sigue proyectando en algunos países en temporada navideña. Luego Nicole tuvo que dejar su carrera porque su madre enfermó de cáncer de mama. Y cuando se recuperó, regresó a la actuación.

Y es precisamente en su juventud, en 1987 cuando ella es premiada como mejor actriz juvenil en la miniserie dramática “Vietnam” y luego volvería a ganar el mismo “Logie Award” como mejor actriz de la mini serie de la televisión australiana “Bangkok Hilton”. Este dato, por cierto, no está incluido en varias de sus biografías que han sido poblicadas en diversos periódicos del mundo.

Y esto quiere decir que ella siempre fue una buena actriz, y lo único que necesitaba es tener a su lado a un buen director con una buena historia.

Luego fue cuando trabajó en el thriller “Calma total” en 1989 en la que nos presenta la historia sorprendente de una pareja –Nicole Kidman y Billy Zane- que viajan en su yate y a la mitad del océano se encuentran a un hombre que desesperadamente les pide ayuda agitando los brazos. Cuando se arriman, el afectado –Sam Neill- le dice que parece que su yate tiene un problema en el caso y le pide que lo revise para ver si lo podrían reparar ambos. Mientras el hombre accede a ayudarle y revisa el caso, el supuesto afectado se trepa al otro yate y se lo roba con todo y su esposa. La historia resultó todo un impacto en su poís de origen, Australia, por tratarse de hombres que viven muy relacionados con el mar y sus riesgos por vivir en una isla. Y esa fue la primer película de Nicole que se distribuyó en los Estados Unidos y con la que la comenzaron a conocer como actriz pero también como una mujer hermosa.

Si a usted le interesaría escribirle, esta es su dirección: Nicole Kidman. C/O Nancy Seltzer 6220 Dell Valle Drive CA 90048 USA.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(14-dic-08)

Los que prefieren relaciones maduras

2008-12-06T11:28:00.000-08:00

+ Demi Moore(43)-Asthton Kutcher(27), Gwyneth Paltrow (33)- Chris Martin(28).

+ Luis Miguel con Lucía Méndez, Mirka Dellanos, Mariah Carey, por ejemplo

+ E.Guzmán-Silvia Pinal, Omar Fierro-Verónica Castro, la Serrano-Pato Zambrano

por Héctor ESPINOSA FLORES

¿Porqué las grandes estrellas, sobre todo los varones, prefieren a su pareja mucho más madura? ¿será por porque anhelan tener a su lado alguien que supla a su mamá? Pudiera ser, pero lo que llama la atención es que este tema se repite una y otra vez en la actualidad.

Demi Moore y Justin Timberlake

Y no es que pueda pensarse que se trata de romances convenencieros por dinero o lograr poder a su lado. Se trata de atracciones realmente amorosas, muy seguramente porque buscan en mujeres maduras tener una mayor tranquilidad en su relación como pareja, por la experiencia que tienen.

Sin embargo, también se ha comprobado que la gran mayoría de estas relaciones, que si bien llegaron a tener momentos o temporadas de gran amor y una excelente relación de pareja, no duran juntos, seguramente porque llega a enfadarles tener que liriar con una mujer adulta, y ésta liriar con un “mocoso”.

Casos muy sonados y antiguos de las relaciones de famosos de la pantalla en nuestro país, se podría citar la de María Felix con Antoine Tzapoff, o la del cantante Enrique Guzmán con Silvia Pinal, o la de Omar Fierro con Verónica Castro, o de Luis Miguel con Lucía Méndez, Mariah Carey y Mirka Dellanos, o la de Ricky Martin con Rebeca de Alba, o la de Abraham Ramos con Arlette Pacheco.

Cameron Diaz

Y a nivel internacional, quién no recuerda el gran drama que vivió en el comienzo de su carrera John Travolta, porque después del gran éxito que tuvo con “Fiebre de sábado por la noche” y “Vaselina”, luego se opacó totalmente porque le afectó emocionalmente la muerte de su pareja, una mujer que casi le doblaba su edad. Años después, pudo superar sus conflictos emocionales y amorosos practicando la ciencia de la “sientología”, de la que se considera un gran conocedor. Pero en 1991 se casó con la actriz Kelly Preston, 8 años mayor que John y en la actualidad tienen dos hijos.

Pero también las mujeres se sienten atraídas por alguien más joven, como es el caso de la hermosa Demi Moore, quien después de una gran cantidad de años teniendo como marido al maduro Bruce Willis que apenas era 7 años mayor que ella, terminaron separándose muy a pesar de que Bruce la había tenido como pareja cuando ella tenía problemas por consumo de drogas, pero se mantuvo siempre a su lado en los peores momentos. Ahora con una carrera bien establecida y una imagen que ya nadie recuerda que tuvo problemas con droga, es cuando se rompió la relación matrimonial en la que formaron 3 hijos.

Ahora, la inquietante actriz de la romántica “La sombra del amor”, o la sesual “Strip-tease”o la controversial “Una propuesta indecorosa” y la interesante “G.I. Jane” basada en la historia real de la primer mujer que pasa la prueba para ser un agente de élite Seals, anda muy acaramelada con el actor Justin Timberlake que es 19 años menor que ella y que apenas tiene unas 4 actuaciones en cine y otras tantas en la televisión.

Gwyneth Paltrow y Chris Martin

Pero este caso llama la atención porque, Justin Timberlake después de haber sido novio de la entonces muy famosa cantante Britney Spears, en una relación que podría ser considerada “normal” porque ambos tenían la misma edad, luego él entabló una relación amorosa con Cameron Díaz, con 11 años mayor que él, luego se fue a los extremos con Demi Moore porque lo separan 19 años uno del otro, y además ella tiene ya tres hijos.

Mariah Carey y Rick Cannon

Otro de los casos en que los varones las prefieren más veteranas, es el de la actriz norteamericana Gwyneth Paltrow, quien a sus 31 años de edad comenzó a salir con el músico Chris Martin –de Coldplay- entonces de 26 años pero meses después de iniciar la relación comenzaron a vivir junto y meses después se casaron y pasaron su luna de miel en las playas de Baja California, México. Ahora su hijo tiene 5 años.

Pero hay que destacar que antes, Gwyneth sufrió una gran decepción amorosa porque habiendo llevado una relación amorosa con Brad Pitt, 9 años menor que ella, y después de haber acudido a la cordillera de los Andes –donde se filmaban escenas de “7 días en el Tíbet”- para recibir el anillo de compromiso que le ofreció Brad, ahí mismo tronaron su relación..

Como verán, son relaciones en su gran mayoría, no perdurables.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(7-dic-08)

40 Películas han sido filmadas en Colima

2008-11-29T15:54:00.000-08:00

+ Varias extranjeras, nacionales y colimenses; se filma aquí desde 1901

+ Pierce Brosnan, Gerard Depardieu, Julie Andrews, Vannessa Williams, Donald Pleascense, Linda Carter, Ernest Borgnine, Anthony Quinn, Burt Reynolds, Arthur Kennedy, Rita Moreno, ha filmado en Colima

+ De los mexicanos: Silvia Pinal, Pedro Armendáriz Jr., Luis Aguilar, David Reynoso, Fernando Soler, José Alonso, Emilio Fernández, Julio Alemán, Lilia Prado, Sergio Corona, Ofelia Medina, entre otros

por Héctor ESPINOSA FLORES

En el estado de Colima se han filmado 40 películas. Incluso, la primera fue en 1901. Y hay de todos los géneros, muy buenas algunas, otras buenas y también otras que no gustaron. Esa actividad fílmica ha permitido que en Colima hayan estado presentes grandes figuras del cine internacional y de México.Pero También Colima ya tiene producciones propias.

Bo Derek en "10, La Mujer Perfecta"

Se han filmado en el estado de Colima sobre todo largometrajes, pero también cortometrajes, una telenovela y parte de otra, documentales incluso biográficos, o culturales.

La primer actividad cinematográfica de la que se tiene comprobante que fue realizada en el estado de Colima, fueron los documentales cortos silentes realizados en 1901 “Corrida de toros” y “Los Bufos de Cuyutlán” dirigidos por Guillermo Becerril. Luego, en 1906 se filmó en Colima el documental corto “Un buen jinete, jaripeo en Colima” dirigido por Salvador Toscano. Y la más reciente filmación en Colima ha sido el cortometraje de 39 minutos de duración “La Yerbabuena, comunidad en resistencia” realizado este 2008 por Nicolás Defossé, que trata sobre los indígenas que aún se han quedado a pesar de la presión del gobierno para sacarlos y convertir el lugar en un espacio turístico privado. El otro corto es también de denuncia, “Ultimátum laguna” producido y dirigido en 2008 por Rodrigo Reyes con duración de 28 minutos y trata sobre los daños ecológicos que opinan estará provocando la construcción de una regasificadora en la lagua de Cuyutlán.

"El rincón de las Vírgenes"

Con la filmación de estas 40 películas y cortos en el Estado de Colima, se ha podido contar con la presencia de grandes luminarias del cine internacional y mexicano de la época, como los extranjeros Pierce Brosnan, Anthony Quinn, Dudley Moore, Julie Andrews, Gerard Depardieu, Donald Pleascense (El gran escape, Halloween), Burt Reynolds, Ernest Borgnine, Vanessa Williams, Linda Carter (La mujer maravilla), Brian Dennehy (el que hace enojar a Rambo, y así inician los ataques), Richard Egan, Debra Messing, Rita Moreno, Arthur Kennedy, Emilia Stuart.

Entre los famosos mexicanos estuvieron Silvia Pinal, Pedro Armendáriz Jr., Enrique Lucero, Armando Soto “Mantequilla”, Jorge Luke, Alma Muriel, Norma Lazareno, Julio Alemán, Luis Aguilar, Pancho Córdoba, Lilia Prado, Emilio Fernández, Carmen Salinas, Elsa Cardiel, Alfonso Arau, Patricia Reyes Espíndola, Margarita Isabel, José Alonso, Gerardo Quiroz, Sergio Corona, Mauricio Herrera, Julián Pastor, Jaime Fernández, Víctor Alcocer, Alicia Montoya, Isabela Corona, Juan Ferrara, Fernando Soler, Jaime Fernández, David Reynoso, Valentín Trujillo, Ofelia Medina, Elsa Aguirre, Jorge Rivero, Héctor Ortega, Arturo Beristáin, Jorge Martínez de Hoyos, Jaime Moreno, Gustavo Rojo, Carlos Piñar, Raquel Olmedo, Angélica Chaín, entre otros.

Los directores que más filmaron en Colima fueron el colimense Alberto Isaac con cuatro películas (Mujeres insumisas, Los días de Gabriel, Maten a Chinto, El rincón de las vírgenes), mientras que Roberto Gavaldón filmó Las figuras de Arena, El Sargento Pérez y Cuando tejen las Arañas.

Pero también en Colima estuvieron talentosos realizadores, como el español Luis Buñuel para filmar en Manzanilo, Colima la cinta “Las aventuras de Robinson Crusoe” en 1954, que fue nominada a un Oscar, recibió 6 Arieles y dos nominaciones para otros premios.

También estuvo en 1979 en Manzanillo, Colima, Blake Edwards –el autor de La Pantera Rosa- para filmar “10, la mujer Perfecta” con Bo Derek, cinta que fue muy taquillera y generó moda mundial de peinado, pero además recibió dos nominaciones al Oscar y 5 nominaciones a otros premios.

También estuvo en Manzanillo el multigalardonado Emilio Indio Fernández para dirigir en 1979 la mediocre “Erótica” con Jorge Rivero, y luego para actuar en “El rincón de las vírgenes” dirigida por Alberto Isaac.

De las filmadas en Colima y que ganaron premios fueron “Keep the faith, baby” ganando 3 premios y 8 nominaciones, mientras que “MacHale’s Navy” filmada en Manzanillo en 1997 ganó un premio, mientras que “Mujeres insumisas” ganó 2 premios y 15 nominaciones, y “El rincón de las vírgenes” 1 premio.

Otros directores famosos en su epoca que dirigieron en Manzanillo, fueron Kevin Inch (Remington Stile) y que ha dirigido capítulos de las teleseries “Beverly Hills 90210” y “Guardianes de la bahía”, además de Bryan Spicer el de “Prison Break”, Julián Soler, Héctor Ortega, Arturo Martínez que filmó en Coquimatlán, Colima el churro “El sargento Pérez”, entre otros.

De los cortometrajes con factura colimense, destaca el documental de 53 minutos de duración “Nunca se nos va a olvidar” realizado, producido y escrito en 2003 por el colimense José Roberto Levy, con filmaciones de la destrucción causada en Colima, por el terremoto de 2003.

Otros cortos locales son “Suchitlán por dentro y por fuera” documental corto realizado en Suchitlán, Colima, en 2001 dirigido por María Guadalupe Chávez y Juan Carlos Daza, escrito por María Guadalupe Chávez y producción de la Ciesa y la Universidad de Colima. Y otro más es “Suchitlán... Rescatando las tradiciones” realizado en 2006, de 21 minutos de duración, dirigido, escrito y producido por Alma Méndez Trujillo. Otro documental, “Entre duendes, juegos y parotas” de 28 minutos de duración realizado en Nogueras, Colima en el 2001 dirigido y escrito por Andrés Villa.

El documental “Rescate de las islas Revillagigedo” es un documental corto realizado por la Secretaría de Marina en 1957 bajo la dirección de Luis Spota. También, el corto de 28 minutos de duración “La Petatera” dirigido y escrito por Carlos Mendoza y producido por la UNAM en 1999 y que trata sobre la monumental plaza de toros “La Petatera” que está formada de troncos, petates, tablas y soga, para utilizarse durante los Festejos Charro Taurinos de Villa de Alvarez, Colima, feria que ya tiene más de 150 años de existencia.

Las películas que se han filmado en Colima total o parcialmente, han sido “Corrida de toros” (1901), “Los Bufos de Cuyutlán” (1901), “Un Buen jinete, jaripeo en Colima” (1906), “Viaje a Manzanillo” (1909), “Aventurero del mar” (1939), “Las aventuras de Robinson Crusoe” (1954), “Seven Cities of Gold” (1955), “Rescate de las Islas Revillagigedo” (1957), “No hay cruces en el mar” (1968), “Shark!” (1969), “Las figuras de arena” (1970), “Los días del amor” (1972), “El rincón de las vírgenes” (1972), “El sargento Perez” (1973), “Vacaciones misteriosas” (1977), “Cuando tejen las arañas” (1979), “Erótica” (1979), “10, la mujer perfecta” (1979), “La Chèvre” (1981) (Más locos que una cabra), “Computercide” (1982) (TV), "Remington Steele" (1982), “Nacos vs. narcos” (1990), “¡Maten a Chinto!” (1990), "Eden" (1993) (TV Series), “Mujeres insumisas” (1995), “La Playa del deseo” (1995), "Pasando el siglo en el cine" (1996) (TV Series), “McHale's Navy” (1997), “La Petatera” (1999), “Entre duendes, juegos y parotas” (2001), “Suchitlán por dentro y por fuera” (2001), “Keep the Faith, Baby” (2002) (TV), “Nunca se nos va a olvidar” (2003), “Contra viento y marea" (2005) (TV Series), “Suchitlán... Rescatando las tradiciones” (2006), “Rumbo a... nuestra belleza México” (2007), "Ruta México" (2007) (TV Series), “Abrazos contados” (2007), “Ultimátum laguna” (2008), “LaYerbabuena, comunidad en resistencia” (2008).

Y también por esos rumbos se filmó en 2004 la exitosa y taquillera “Kill Billy 2” dirigida por Quentin Tarantino y estelarizada por Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, y Darryl Hannah y Samuel L. Jackson. Pero también algunas pocas escenas se grabaron en esa zona en 1980 de la cinta “Cabo Blanco” con Charles Bronson, Jason Robards, Dominique Sanda, Fernando Rey y Jorge Russek.

Pero sin lugar a dudas que la que realmente le dio mucha publicidad a Manzanillo y Las Hadas fue la cinta “10, la mujer perfecta”, porque estuvieron aquí en 1977 el comediante más conocido de Europa, Dudley Moore, así como Bo Derek que en ese tiempo había sido ampliamente promocionada como un símbolo sexual, pero también estuvo en Manzanillo Blacke Edwards (productor de La Pantera Rosa) como director de esa cinta, así como la famosa actriz Julie Andrews, conosidísima en ese tiempo por su papel en la cinta “Mary Poppins”.

Emilio Fernández

Pero una de las primeras películas mexicanas que se filmó casi totalmente en escenarios naturales de Manzanillo fue “No hay cruces en el mar” en 1968 dirigida por Julián Soler con la entonces jovencita Mercedes Carreño que pretendían impulsarla como una mujer sensual, pero también estuvieron en esa cinta –y en Manzanillo- Fernando Soler, Pedro Armendáriz Jr., Isabela Corona, Juan Ferrara, Sergio Barrios, Alicia Montoya.

“Figuras de arena” se filmó en 1970 totalmente en escenarios naturales de Manzanillo, bajo la dirección de Roberto Gavaldón, con actuación estelar de Elsa Aguirre, pero muchos colimenses pudimos andar en los lugares donde se filmaba y conocer de cerca a algunos otras estrellas del reparto como Ofelia Medina, David Reinoso, Jorge Lavat, Barbara Angely, Víctor Alcocer, Alfredo Wally Barrón, Tamara Garina, Valentín Trujillo, Hugo Stiglitz, entre otros.

Otra que fue filmada totalmente en 1973, en Coquimatlán, fue “El sargento Pérez” una comedia dirigida por el actor Arturo Martínez que en la pantalla fue muy conocido por sus constantes papeles como “malo”, y aquí también aparecía como actor, pero en los papeles principales estaban Julio Alemán, Luis Aguilar, Norma Lazareno, Juan Gallardo, Celia Viveros, Lina Michel, Bruno Rey, Isabel Soto la Marina, Eduardo de la Peña –el mimo-, Elsa Cardiel, y eran tantos actores mexicanos muy conocidos, que los coquimatlenses se dieron gusto acudiendo a todos los lugares donde se filmaron las escenas, sobre todo porque utilizaron a muchos como extras.

Pero también en Manzanillo se filmó una cinta de mucha acción en nuestras playas, con persecuciones en lanchas rápidas y supuestos disparos, fue en 1997 con “McHale’s Navy”, una cinta nortemericana dirigida por Brian Spicer, una comedia con Ernest Borgnine en el rol estelar. Supuestamente la acción ocurre en una isla del Caribe.

"Mujeres Insumisas"

Sin embargo, han sido las películas dirigidas por el colimense Alberto Isaac, las más abundantes que han sido filmadas en territorio colimense, pero también las más vistas y conocidas por la gente de nuestro pueblo. En 1972 filmó la primera, “Los días del Amor” con Jorge Martínez de Hoyos, Anita Blanch, Arturo Beristain, Marcela López Rey, Héctor Ortega, y colimenses que aparecieron en la pantalla como Mario Brizuela, Gabriel Portillo, Manuel Cedeño, Carlos Hugo Schulte, Enrique Silva, Paco Zaragoza, entre otros.

Luego filmó “El rincón de las Vírgenes” en 1972, con Emilio Fernández, Alfonso Arau, Rosalba Brambila que era un bombón en ese tiempo y Alberto Isaac la hizo aparecer totalmente desnuda corriendo a un lado de las albercas de lo que fuera el Baño de los Caballos –en el cruce de Nigromante con Maclovio Herrera-, además de Carmen Salinas, Lilia Prado, Pancho Córdoba, Héctor Ortega, y de nuevo aquellos colimenses citados arriba.

Después, en 1990 filma en Manzanillo “¡Maten a Chinto!” sobre una historia verídica ocurrida en el hotel Colonial, con actuaciones de Pedro Armendáriz Jr., Héctor Ortega, Eduardo López Rojas, Gerardo Quiroz, así como algunos manzanillenses, entre ellos Lau Chan.

Y en 1995 Alberto Isaac se despidió de este mundo filmando la que fuera su cinta póstuma “Mujeres insumisas” basada también en un hecho real ocurrido en Comala, sobre un grupo de mujeres que deciden irse de braseras y dejar aquí a sus maridos y familia. En el reparto estuvieron José Alonso, Jorge Arau, Lourdes Elizarrarás, Margarita Isabel, Graciela Lara, Regina Orozco, Héctor Ortega, Patricia Reyes Espíndola, y desde luego varios colimenses entraron en papeles pequeños.

Como se podrán dar cuenta, sí existe una historia de Colima dentro del cine.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(30-nov-08)

Laurence Olivier un actor excepcional

2008-11-22T11:56:00.000-08:00

+ Sin lugar a dudas, el mejor intérprete de personajes de Shakespeare, en el cine y teatro

+ Recibió once nominaciones al Oscar; lo ganó por Hamlet y ganó otro por su carrera

+ Ganó premio a mejor actor en todos los festivales internacionales más famosos

por Héctor ESPINOSA FLORES

Laurence Olivier sigue siendo el mejor intérprete de personajes de Shakespeare en el cine y en el teatro. Y por lo mismo, fue un actor que fue nominado como mejor actor en 11 ocasiones para el Oscar y lo ganó por “Hamlet” y luego recibió otro en reconocimiento a toda su carrera artística, pero en cambió ganó el galardón de mejor actor en todos los más famosos festivales internacionales del mundo.

Como actor filmó poco más de 85 películas, y de las más famosas podríamos citar “Cumbres borrascosas” de 1939, “Enrique V” en 1946, “Hamlet” 1948, “Ricardo III” en 1956. “El príncipe y la corista” 1957 donde dirigió a Marilyn Monroe, “Espartaco” en 1960, “Otelo” en 1966, “Las sandalias del pescador” en 1968 junto a Anthony Quinn, “Nicolás y Alejandra” en 1971, “La huella” en 1972 junto a Michael Caine, “Marathon Man” en 1976 junto a Dustin Hoffman y donde interpreta a un ex asesino nazi, “Jesús de Nazaret” en 1976, “Los niños de Brasil” en 1978 junto a Gregory Peck sobre el famoso supuesto proyecto de Adolfo Hitler para tener descendientes, “Drácula” en 1979 con el personaje que persigue a Drácula que interpretó Frank Langella. Pero también “Furia de Titanes” en 1981 cinta fantasiosa donde interpreta a Zeus, así como “Motín a bordo” de 1986 junto a Mel Gibson.

Se mantuvo activo en el cine durante 59 años, y cuando murió –a los 82 años de edad- el 11 de julio de 1989 había terminado “War requiem”, y años antes había trabajado en varias series de televisión como “Lost empires”, “Pedro el Grande”, “Los últimos días de Pompeya”, “Con talento para matar”, “Wagner”, entre otras.

Laurence Kerr Olivier –su nombre completo- había nacido el 22 de mayo de 1907 en Dorking, Surrey, Inglaterra. Su padre era pastor anglicano pero muy aficionado a las letras y al teatro, y fue precisamente quien lo alentó en el mundo del teatro y de Shakespeare, y desde adolescente ya estaba intepretando sus personajes, incluso masculinos, cuando participaba sólo con varones. Y eso fue con la obra “La fierecilla domada”, cuando apenas tenía 15 años de edad.

Muy pronto entró a la London’s Central School of Speech Training and Dramatic Arts, logrando ahí una buena formación académica que luego le permitió entrar a la compañía teatral de Sir Barry Vncent Jackson y ya para la segunda mitad de los años 20 estaría debutando en los teatros londinenses.

En 1935 gracias a la producción de John Gielgud de “Romeo y Julieta” y a su excelente interpretación de “Hamlet” dando a su personaje una carga psicológica como resultado de estudiar a Freud, fue cuando alcanzó su estatus estelar que a partir de entonces lograría en toda su carrera.

En el cine ya estaba trabajando desde 1930 pero sus primeras interpretaciones no tuvieron mucho éxito. Y por eso seguía trabajando intensamente en teatro, hasta que le llegó el éxito en teatro con “Romeo y Julieta” pronto el éxito le llegó en el cine cuando trabajó en “Cumbres borrascosas” dirigido por William Wyler y donde llevaba de pareja a Merle Oberon.

Pero así como le llegaba el éxito en la pantalla grande también le llegaron los problemas maritales con su esposa la actriz Jill Esmond, con quien se había casado en 1930 y se divorció en 1940, porque Laurence se enamoró desde que conoció a la actriz Vivien Leigh, famosa por su papel en “Lo que el viento se llevó”. Y se casaron ese mismo año 1940 y tendrían una relación feliz durante 20 años.

Pero nuevamente se repetía la historia, porque en ese año que se divorció por segunda ocasión, en 1960, se casó con la actriz británica Joan Plowright, porque se había enamorado de ella luego de trabajar juntos en la cinta “El animador” cinta con la que fue nominado al Oscar. Y con Joan estuvieron juntos, hasta el día de su muerte.

Cuando Laurence Olivier ganó el Oscar como mejor actor por “Hamlet” también la película ganó el Oscar como la mejor cinta, imponiéndose nada menos que a otras famosas y excelentes cintas como “Nido de Víboras” de Anatole Litvak y “El tesoro de la sierra Madre” de John Huston.

Fue un actor muy admirado por la realeza inglesa, razón por la cual en 1947 fue nombrado Sir y en 1971 le concedieron el título de Lord. Y es que también había defendido a su país como soldado, durante la Segunda Guerra Mundial.

En el teatro además de los grandes éxitos que logró como actor, después, desde 1961 a 1964 dirigió el Chichester Festival Theatre, así como el Old Vic de Londres, y durante muchos años el National Theatre.

Laurence escribió sus memorias, “Confesiones de un actor” y ahí demostró que la gran mujer de su vida fue Vivien Leigh, además de hablar de su vida y de la forma como actuaba, cita: ¿Qué es en el fondo actuar, sino mentir? ¿Y qué es actuar bien, sino mentir convenciendo?.

Hoy recordamos a este gran actor.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

María Elena Marqués gran figura de la época de oro del cine mexicano

2008-11-15T20:57:00.000-08:00

+ Debutó en el cine a los 17 años; hizo radionovelas, telenovelas, y teatro

+ Se alejó del cine cuando consideró perdió valores y abundó sexo y violencia

+ “La Perla”. trampolín al éxito; ganó festival de San Sebastián y un Globo

por Héctor ESPINOSA FLORES

María Elena Marqués Rangel, una de las más grandes figuras de la época de oro del cine mexicano, que trabajó en más de 65 películas –sus hijos afirmaron que en más de 100- como “La Perla” al lado de Pedro Armendáriz y que ganó un Globo de Oro por su fotografía y también fue considerada como la mejor actriz del Festival de Venecia en 1947, murió a la edad de 82 años el 12 de noviembre en la ciudad de México, donde también había nacido, a causa de un ataque cardiaco.

Sus cenizas fueron depositadas el 13 de noviembre en el Panteón Jardín, de la ciudad de México, junto a la tumba de su esposo también actor Miguel Torruco, en el mismo panteón donde también descansan los restos mortales de grandes figuras del cine mexicano, como Pedro Infante y Jorge Negrete. Tuvo 2 hijos, Marisela y Miguel, así como 6 nietos y 10 bisnietos.

Había nacido el 14 de diciembre de 1925 en la ciudad de México. A los 17 años de edad en 1942, debutó en el cine en la película “Dos corazones y un tanto” de Mario del Río junto al actor español Florencio Castelló y la última cinta en la que trabajó fue en “El testamento” en 1981 al lado del actor español Bruno Rey y Anita Blanch, pero desde 1970 anunció su retiro del cine, por los cambios que éste había registrado. Siguió trabajando en unas cuantas cintas hasta 1981 así como en telenovelas.

A lo largo de su carrera artística trabajó en 67 películas, 15 radionovelas y 30 programas para la emisora XEW, pero además actuó en 20 teleteatros, 10 telenovelas, además de destacar en el ámbito teatral por ejemplo al lado de Manolo Fábregas en la obra “Hablando de asesinatos” con la que ganó un premio como mejor actriz, pero también hizo la coreografía de “La novia del mar” y el soundtrack de la cinta “Así era Pancho Villa” en 1957, y cantó en famosos programas como “Así es mi tierra” y “Noches tapatías”. Con “El Carruaje” recorrió todo el país presentándo la obra en todos los teatros del Seguro Social en el país, ganando también el premio a mejor actriz.

Al año siguiente de su debut en cine, en 1943, ya había intervenido en cinco películas, pero con la sexta que fue el drama “Doña Bárbara” dirigida por el gran realizador Fernando de Fuentes y con un argumento basado en una historia de Rómulo Gallegos así como la actuación estelar de María Félix, su popularidad se incrementó considerablemente.

Por más de 30 años trabajó en películas, incluso algunas en los Estados Unidos, pero en México trabajó en muchas de las cintas que gustaron mucho tales como “Romeo y Julieta” con Mario Moreno “Cantinflas”, “Pulgarcito” con José Elías Moreno, “Me he de comer esa tuna” con Jorge Negrete, “Historia de un abrigo de mink” la única en la que apareció al lado de su esposo Miguel Torruco Castellanos, así como en “El casado casa quiere”, “La negra angustias” con Agustín Isunza, “Across the wide Missouri” al lado de Clark Gable, “Tal para cual” con Jorge Negrete, “La negra angustias” de Matilde Landeta, “Canción de Cuna” con Carmelita González, “Ambush at Tomahawk gap” donde interpretó a una india navajo al lado de John Derek, “Lo que no se puede perdonar” con Armando Calvo, “Reportaje” en 1953 dirigida por Emilio Fernández una buena cinta con un reparto multiestelar nunca igualado; “La Llorona”, en 1962 “Pueblito” con Lilia Prado y que ganó como mejor película en el Festival de San Sebastián, “El jardín de los cerezos”, entre otras.

En sus primeras participaciones en el cine, se hacía destacar la belleza de su rostro. Sin embargo, en 1952 cuando intervino en “Cuando levanta la niebla” al lado de Emilio “El Indio” Fernández, éste le cambió la imagen de dama joven.

Estuvo en telenovelas como “Claudia”, “La Mesera”, “Amor y Orgullo”, “El Honorable señor Valdez”, “Historia de un amor”, “Lo que no fue”, “Duelo de pasiones”, “Angustia del pasado”, “Las momias de Guanajuato” y “México 1900”, así como en “El Carruaje”, la primera serie histórica grabada por Televisa sobre la vida de Benito Juárez, que por cierto la actriz ya había trabajado en una cinta sobre Juárez en 1954.

En la vida real intervino en la política y ganó una diputación federal en la legislatura 50, y todavía hasta cerca de su muerte se mantenía activa como presidenta de jubilaciones de la Asociación Nacional de Actores, pero también fue fundadora de la estancia infantil que lleva por nombre “Dolores del Río”.

María Elena Marqués tenía una frase que muchos conocieron: “Uno nace con la belleza que Dios le da y muere con la que merece”. Ella fue hija única de Gabriel Márquez y María Rangel. Su debut en cine se logró cuando ella apenas tenía 17 años de edad, luego de que el director Fernando de Fuentes, quien era su vecino, la conoció cuando ella regresaba de la escuela y quedó fascinado con su belleza, y de inmediato habló con sus padres para solicitarles autorización para que ella hiciera una prueba en el cine. Y no fue fácil convencerlos, pero en 1942 ya estaban filmando “Dos corazones y un tango” al lado del tinaguista argentino Andrés Falgás.

Y cuando anunció que se retiraría del ambiente artístico, hacía cumplir muy bien su promesa, porque durante años no se le veía. Por eso en agosto de 2005 cuando acudió a develar la placa de la obra “Los monólogos de a vagina” llamó mucho la atención y remarcó a los periodistas que sería esa la última vez que la verían en persona, destacando que sólo había asistido a ese evento porque tenía una relación de mucho cariño con Lilia Aragón, que actuaba en esa obra. Y aseguró que se había retirado del cine por el miedo al sexo y la violencia en las películas. Pero además destacó que decidió retirarse cuando estaba muy guapa y arielada y por eso ya no le hubiera gustado regresar, surgiendo aquí precisamente su famosa frase de que “uno nace con la belleza que Dios le da y muere con la que uno merece”. Y aseguró que sufría mucho cuando aparecía en público.

En aquellos tiempos se rumoró que existía una gran rivalidad con María Félix porque aparentemente algo ocurrió cuando ella trabajó a su lado, haciendo el papel de su hija en “Doña Bárbara”, pero María Elena Márquez lo desmentía pero en cambio aseguraba que entre ellas no había amistad alguna. Sin embargo, años después, ella comentó que María Félix presionó a los productores para que eliminaran la mayor parte de las escenas que estaba previsto que hiciera María Elena, y a pesar de que así se hizo, los críticos y el público le reconocieron su calidad como actriz en la que fuera su primera película importante y la sexta en su iniciante carrera. Y durante el estreno de la película los aplausos en forma muy abundante sólo fueron para ella, y “...eso ella nunca me lo perdonó” llegó a citar la actriz.

Y ella reclamó cuando recibió un homenaje por su trayectoria fílmica en 2002, que “...las cintas viejitas del cine mexicano gustan mucho a los televidentes, porque el público tiene hambre de cosas buenas. Ahí se presentaban amores preciosos, limpios y lindos. Nos dábamos besos soñados. Ahora se regodean hasta con la lengua...”.

Se quejaba también de la vulgaridad y las porquerías que prevalecieran tanto en el cine como en la televisón, pero dijo creer que todavía hay gente decente y respetable, aunque por desgracia se han perdido los valores morales.

Y desde que se alejó del cine, alternaba su vida en México y en Miami, por la violencia y la inseguridad que ella sentía, y remarcaba que quisiera que nuestro país volviera a ser el México dorado de antes.

Descanse en paz.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(16-nov-08)

Demi Moore ejemplo de superación

2008-11-08T15:45:00.000-08:00

+ Además, ha sido un ejemplo para superar sus adicciones a droga y alcohol

+ Surgida de la pobreza y de un matrinomio de adictos, le provocó lo mismo

+ Educó con esmero a sus tres hijos, para tratar de que no sufrieran como ella

+ Famosa por “La sombra del amor”, “Acoso sexual” y “Una propuesta indecorosa”

por Héctor ESPINOSA FLORES

Demi Moore saltó a la fama cuando trabajó en la romántica cinta “Ghost” (La Sombra del amor), pero también por “Un buen hombre”, así como por, “Acoso sexual” y “Una propuesta indecorosa”.

Nació el 11 de noviembre de 1962 en Roswell, Nuevo México, con el nombre de Demetria Guynes, y sus padres fueron Danny Guynes y su esposa Virginia, pero cambiaron muchas veces de domicilio porque sus padres parece que eran malos para pagar, y así escapaban de sus cobradores.Casi siempre vivían dentro de trailers, porque la renta era barata. Cuando ella tenía 14 años se enteró que su padre biológico no era Danny, ya que era Charles Harmon, con quien apenas tuvo una relación de dos meses. Cuando Demi tenía 15 años, sus padres se divorciaron y en 1980 Danny se suicidó, inhalando el escape dentro de su coche. Yse fueron a vivir a Los Angeles, pero al poco tiempo dejó de estudiar la prepa y comenzó a trabajar.

A los 17 años comenzó a modelar y logró tener su propio departamento, junto al de la actriz Nastassia Kinski que se convirtió en su instructora personal ya que le platicó todos los secretos de la actuación, que ella misma dijo que le sirvieron de mucho cuando logró que le dieran un papel en la teleserie “Hospital General".

Pero apenas inició su carrera, comenzó a consumir drogas y alcohol. Ya para entonces, se había casado con el rockero Freddie Moore –de quien tomó su apellido- divorciándose de él en 1984, año en el que precisamente el director Joel Shumacher la amenazó con despedirla del rodaje de la película “St. Elmos Fire” si no frenaba su vida alocada y dejaba el alcohol y drogas, pero ella recibió tratamiento y logró rehabilitarse y no la despidieron.

Pero eso no era todo porque mientras ella apenas se abría camino en el cine, su madre se prostituía y posaba desnuda para revistas para adultos. Incluso, cuando Demi posó totalmente desnuda embarazada y junto a su hija en 1991 en Vanity Fair y un año después posó de nuevo desnuda pero “vestida” con un traje pintado en su cuerpo, su madre también posó desnuda con embarazo, y eso le afectó en su imagen y Demi fue a pedirle que no la ridicularizara en público, pero su madre le exigió a cambio del silencio, que le dieran una cantidad fija cada mes, porque ella se imaginaba que con su hija tendría una mina de oro.

Demi logró irse rehabilitando de sus adicciones, incluso junto con su marido Bruce Willis llegaron a convertirse en padres modelo de sus tres hijas, recuperando así la mala fama que se ganó ella misma en el comienzo de su carrera.

Incluso, con ese pasado de pobreza que tuvo Demi, supo hacer comprender a sus hijas de que a pesar de que ahora ellas disfrutaban de comodidades gracias a que tenían dinero suficiente, las enseñó a que siempre tendrían que hacer algo a cambio de lo que recibían, y aunque tuvieran nanas y sirvientes en la casa, tenían que ponerse a arreglar su cuarto y preparar su ropa.

Y ella misma demostró con hechos que la vida le hizo comprender muy bien el valor de todo, porque supo administrar muy bien sus ganancias, al grado de que la famosa revista Forbes la llegó a mencionar como una de las mujeres más ricas del ambiente artístico en los Estados Unidos.

Y lo ha sabido invertir su dinero para que rinda, porque además de que compró una hermosa residencia en Malibú y en Nueva York, así como otra de 14 recámaras en Manhattan y un rancho en Idaho, es propietaria junto con Sylvester Stallone, Arnold Schwarzennegger y su ex marido marido Bruce, de la empresa Planet Hollywood que les da mucho dinero ya que en 1995 –por ejemplo- ganaron 21 millones de dólares y tienen establecidas muchas sucursales en varios países del mundo, incluso una en Puerto Vallarta.

Demi también invirtió para sacar una muñeca con su rostro, que también le ha dejado muy buenas ganancias por varios millones de dólares al año.

Ella misma llegó a declarar que su infancia fue muy triste porque sus padres carecen de moral y la hundieron en el vicio y llegó a sufrir la humillación ante las demás personas, y por eso se preocupa mucho por la educación de sus hijas, para que ellas no lleguen a tener algo parecido, y así se desarrollen en un ambiente correcto y alegre.

Y es que dice que cuando era niña veía el ambiente en que se desenvolvían sus padres, y ella hacía lo mismo alcoholizándose y drogándose, y sus padres jamás se dieron cuenta. Y además, ella tuvo muchas relaciones sexuales. A sus 17 años de edad, ya andaba con el rockero Freddy Moore aún cuando éste estaba casado, y ya tenía una gran experiencia de amores. Y buscó juntarse con un grupo de famosos actores de ese tiempo, como Judd Nelson, Ally Sheedy, Emilio Estevez, Rob Lowe. Fue entonces cuando vivió un romance con Emilio Estevez y se dijo entonces que a punto estuvieron de casarse. Su grupo de amigos se fueron apagando, mientras ella intervenía en “Ghost” en 1990 que se convirtió en un éxito taquillero, igual como pasó con “Disclosure” en 1995 y “Streep Tease” en 1996.

Cuando Bruce Willis ya era famoso, en 1987, conoció a Demi y pronto se enamoraron y se casaron. Sin embargo, en la prensa de esos tiempos se llegó a publicar que aún para esas fechas, Demi tenía problemas de adicciones y que Bruce la estaba ayudando para convencerla de que nuevamente se sometiera a tratamientos contra adciones, y así lo hizo.

Incluso, llegaron a formar una pareja que llamó mucho la atención, porque conociendo la vida pasada de Demi, muchos auguraron que ese matrimonio duraría poco. Sin embargo, fueron un matrimonio ejemplar durante 13 años, tiempo en el cual tuvieran sus tres hijas. Se divorciaron en octubre de 2000 y ella volvió a casarse el 24 de septiembre de 2005 con el actor Ashton Kutcher, quien es 16 años menor que ella.

Demi, al igual que otras actrices y actores, ha tenido fracasos en la pantalla, como pasó con “La letra escarlata” y “La jurado”. Sin embargo, en la actualidad es una de las actrices que más cobra por película, aunque por debajo de Julia Roberts.

También estuvo en cintas que llamaron la atención de la crítica, como “Deconstructing Harry” dirigida por Woody Allen y que fue candidata al Oscar, pero después trabajó en pocas cintas, y cuando regresó con otra versión de “Los Angeles de Charlie” sólo logró llamar la atención porque mostró que había sido sometida a varias cirugías plásticas para aumentarse el busto y que le quitaran la celulitis de sus caderas y del abdomen. Y aunque no filmaba, volvió a ser noticia cuando se casó con el actor Ashton Kutcher, 16 años menor que ella.

Su nuevo película “Entre tinieblas” ha tenido buena aceptación entre sus admiradores, ya que es un melodrama sobre una escritora que después de sufrir la muerte de su hijo, se va a un lejano lugar para poder concentrarse y continuar su historia, pero es cuando se enfrenta a una trama de suspenso. Otra de sus nuevas cintas es “Bobby” que curiosamente está dirigida y actuada por quien fuera uno de sus primeros romances famosos, Emilio Estevez, y que trata sobre el asesinato del entonces senador norteamericano Bobby Kennedy.

Algunas de sus cintas recientes han sido “Chlorine” junto a Ray Liotta, “Flawless” junto a Michael Caine, y “Mr. Brooks” junto a Kevin Costner y William Hurt.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(9-nov-08).

El Gordo y El Flaco una pareja cómica inigualable

2008-11-01T14:54:00.000-07:00

+ Trabajaron en más de 200 películas, pero nunca recibieron regalías de las cintas

+ El secreto de su éxito fue libertad para actuar, dirigir y hacer lo que querían

+ Cuando los contrataron la Fox y Metro, se acabó la libertad y prefirieron renunciar

+ Tenían una gran genialidad para hacer reir; siguen lográndolo sus películas

por Héctor ESPINOSA FLORES

El Gordo y el Flaco fueron, fue sin lugar a dudas, la primer pareja de cómicos, surgida incluso cuando el cine era mudo, que logró mantenerse en el gusto del público a nivel mundial durante muchos años, incluso en la actualidad sus películas siguen siendo un gran entretenimiento, pero sobre todo, que siguen haciendo reir y divertir a chicos y grandes.

Durante muchos años, las películas cortas del Gordo y el Flaco sólo se podían disfrutar en los cines grandes como un servicio extra de la empresa, para agradar a los asistentes, al momento del intermedio, pero también se proyectaban con mucho éxito en los cines de carpa que acudían a todas las ferias de México, como ocurrió en la Feria de Todos los Santos, de Colima, México, donde se pudieron conocer muchas de sus grandes actuaciones.

Fue además, el comienzo de un estilo, que fue imitado incluso en la televisión, durante muchos años.

Stan Laurel, conocido como El Flaco en esta pareja, lo recordamos con gran cariño. Porque además la pareja sigue vigente en la actualidad, porque sus sketchs al estilo inglés, siguen vigentes y hacer reir tanto a los niños de ahora, como a los adultos.

Stan Laurel, quien en realidad se llamó Arthur Stanley Jefferson, nació un 10 de junio de 1890, precisamente dentro del camerino donde momentos antes sus padres habían terminado de presentarse como actores en Ulverston, Gran Bretaña. Su padre se llamaba igual que él, Arthur Stanley Jefferson y su madre, Alice Matcaffe, era una de las actrices dramáticas de más renombre en ese país. Y ella precisamente estaba muy preocupada porque el bebé era demasiado pequeño, de apenas dos kilos y 4 onzas, y ella se imaginaba que se le desbarataría en las manos.

Y como requería de muchos cuidados, Stan creció como un niño muy consentido y mimado por todos los actores que trabajaban en la compañía teatral de su padre. Ypara que estudiara, su padre le contrataba maestros privados, porque constantemente estaban viajando de ciudad en ciudad, aunque al niño no le gustaba para nada estudiar.Y Stan prefería ponerse a ver ensayar a sus padres, o escucharlos cuando leían en voz alta el libreto. A él lo que le apasionaba era el teatro, más que los estudios, llegó a declararlo cuando estaba en lo más alto de su famaY así lo llegó a declarar.

Incluso, llegó a declarar muy emocionado que cuando tenía 7 años de edad, se sentó como si fuera público en una butaca, y esa emoción no se le olvidó jamás.

Y declaró Stan que “...lo poco que creí, lo hice dentro de vagones de tercera clase del ferrocarril, así como dentro de estaciones de ferrocarril. Y a los 15 años de edad ya contaba con una enorme experiencia artística, porque había recorrido toda Europa cantando, bailando e interpretando pequeños papeles en teatros y cafés...”. Su padre lo alentaba en su trabajo dándole unas monedas todos los fines de semana, y casi todo se lo gastaba comprando fotos o revistas de espectáculos artísticos de Inglaterra y de otros países del mundo, porque era lo que más le llamaba la atención.

Cuando ya tenía17 años de edad además de experiencia artística había conocido el amor, con una actriz del grupo teatral de su padre, que era 8 años mayor que él, pero no fue sino hasta que se separaron, cuando supo que esa era la mujer de su vida.

Luego en Inglaterra, Ferd Arno, empresario de la compañía de teatro “Charles Chaplin” le ofreció trabajo. Eran los comienzos del gran cómico Chaplin, y ambos hicieron una gran amistad que se mantuvo hasta el día de su muerte. Y cuando lo contrataron fue para realizar una gira teatral por todo Estados Unidos, y Stan se sintió muy halagado después de haber sido parte del comienzo del éxito de Chaplin en los Estados Unidos, sobre todo porque cuando Chaplin fue llamado al cine, Stan fue llamado para ocupar su lugar en la compañía teatral y duró tres años en ese cargo, tiempo en el cual participó en 52 cinecomedias burlescas con las que maduró como actor y se dio a respetar entre el público. Murió el 23 de febrero de 1965, en Santa Mónica, California.

Por su parte Oliver Hardy, mejor conocido como “El Gordo”, nació el 18 de enero de 1892 en Harlem, Gorgia, Estados Unidos. Pero en su familia a nadie le gustaba la actuación. Su madre era dueña de un hotel y su padre que era abogado, quería que su hijo siguiera sus pasos, sin conseguirlo jamás. A los 8 años de edad Oliver ya sentía una gran atracción por el baile y cantaba en el coro de la iglesia de su barrio. Pero a él le encantaba hacer plática a los huéspedes, sobre todo aquellos que eran actores. Y llegó a imitarlos muy bien después de tanto verlos ensayando. Y con esas cualidades era conocido en su barrio. Por eso un amigo de la familia lo recomendó al dueño de una productora de cine, y cuando Oliver cumplía 25 años de edad y su madre ya había perdido totalmente la esperanza de que él llegara a convertirse en alguien importante en la vida, recibió una carta en la que le ofrecían un trabajo en el cine con un salario de cinco dólares a la semana. Su muerte ocurrió el 7 de agosto de 1957.

En 1917 ya se había instalado en Florida y se encaminaba al éxito total como comediante en el cine. Mientras tanto, Stan estaba pasando por un mal momento ya que estaba sufriendo una de sus peores depresiones, porque a pesar de haberse alistado para combatir en Europa, fue dado de baja porque lo consideraron “no apto”.

Además, Stan si en el teatro su cara hacía reir al momento que lo veían, en el cine en sus comienzos le fue mal porque le dijeron que parecía que estuviera a punto de soltar en llanto.

Y por eso lo pusieron a escribir guiones para el cine y también a dirigir películas. Y así fue como se conocieron Stan Laurel y Oliver Hardy, porque participaba Oliver como un actor del montón de una película que dirigía Stan. Y entre ambos se encontraron afinidades, que pronto les hizo entablar amistad.

Y comenzaron a trabajar juntos en varias películas, pero sin hacer pareja, como por ejemplo en “Home from the honeymoon”. Y fue el mismo que había contratado a cada uno de ellos por separado y en diferente época, Hal Roach, el que les recomendó que se unieran como pareja artística. Y así como pareja de cómicos, participaron en más de 200 películas. Y a partir de entonces la pareja artística jamás se separó, a excepción cuando Oliver aceptó participar como actor solo en “Zenobia” y eso hizo enojar mucho a Stan, quien prefirió regresar de nuevo a su país de origen, Inglaterra, pero hasta allá fue luego Oliver para disculparse y volver de nuevo esa amistad entrañable.

El éxito para hacer reír a carcajadas a su público, era su naturalidad con que lo hacían. Y cuando le llegaron a preguntar los reporteros a Oliver cómo le hacían para lograrlo, consideró que el secreto era darles una total libertad para actuar, y no como ahora que a los actors cómicos les exigen lo que tienen que hacer, y hasta les ponen una fecha para hacerlo.

Ellos en cambio, escribían sus propias historias y dirigían sus películas. Y nadie los apuraba de nada. Esa libertad para para producir, era el secretro de sus éxito. Claro, también era muy importante su creatividad. Stan era el que redactaba los guiones y diálogos, mientras que Hardy era el que inventaba los “gags”.

Pero claro, cuando llega lo que nosotros conocemos como éxito. Se termina la libertad, ya que al contratarlos la Fox y luego la Metro, se acabaron esas libertades y simplemente les ordenaban. Y por eso ellos prefirieron mejor abandonar el cine. La última película en la que trabajaron juntos se filmó en 1945. Cinco años después, en uno de los tres viajes que harían a Europa, en Francia los contrataron para trabajar juntos en “Utopía”, una cinta que resultó todo un fracaso, porque Stan convalecía de una penosa enfermedad que le había hecho perder 30 kilos y su físico era no de un flaco, sino de un flaquísimo.

Además, con la llegada del sonido al cine, el éxito se les redujo a muchos de los grandes cómicos de ese tiempo, como Charles Chaplin, Buster Keaton, Max Linder, Harold Lloyd, Ben Turpin, y desde luego El Gordo y El Flaco. Y es que requería de más esfuerzo hacer reir mediante diálogos, que con señas o situaciones jocosas. Pero como Stan Laurel y Oliver Hardy sí lograron asimilar el cambio, fueron copiados por casi todos. Pero también comenzaron a abusar de los pastelazos, los tropezones constantes, o corriendo constantemente. O sea, lo convirtieron en prácticamente un espectáculo de circo.

Pero en cambio El Gordo y El Flaco echaban mano del ingenio, así como utilizar el contraste físico de ambos –uno gordo y flaco- y aparentemente uno listo y otro tonto pero que constantemente demostraba que era mucho más listo que el otro. Uno impetuoso, audaz y el otro tímido y delicado. Eso era motivo suficiente para estar riendo a cada rato, por la forma como lo presentaban ante la pantalla.

Fueron 30 años en los que ellos divirtieron a niños y adultos. Pero después les pagaron con la ingratitud. Y fue en estos momentos de tristeza, cuando ellos por fin comenzaron a convivir más como amigos, como hermanos, y no solamente para actuar o para producir. Pero la muerte les impidió que convivieran lo que nunca pudieron lograr en vida. Se creía que el primero que moriría sería el Flaco Stan, porque había sufrido un ataque que lo paralizó la mitad de su cuerpo, pero se recuperó a base de ejercicios al grado de poder caminar de nuevo. Pero después de esto, aún vivió ocho años más. Sin embargo, Oliver murió al darle otro ataque igual al de su compañero.

Stan dedicó esos 8 años que vivió después del ataque, a leer todas las cartas que sus admiradores les habían enviado, y estando al lado de su carta esposa. Las otras tres que había tenido, lo habían dejado en la ruina. Hardy también estuvo casado. Ambos nunca tuvieron mucho dinero, porque nunca les dieron regalías por sus películas que fueron y siguen siendo un éxito, porque se proyectan en la televisión y se rentan en video clubes, o se venden como colecciones de cine.

Hoy recordamos con cariño a esos dos grandes cómicos. Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(1-nov-08)

Alfred Hitchcock sigue siendo el mago del suspenso

2008-10-25T21:54:00.000-07:00

+ Nadie ha podido igualar el terror de “Psicosis”, sobre todo la escena de la ducha

+ En su tiempo, sus mejores películas no eran éxito de taquilla; hoy, son clásicos

+ Prefería el blanco y negro para el tema del suspenso; pero le obligaban el color

por Héctor ESPINOSA FLORES

Alfred Hitchcock fue y sigue siendo conocido como el mago del suspenso, a pesar de que dejó de filmar exactamente hace 32 años. Y sigue siendo también, el maestro a imitar por muchos cineastas. Incluso, trataron de hacer una “remake” de la que es quizá su cinta más famosa, “Sicosis”, y definitivamente ni siquiera pudieron lograr que se acercara un poco a la calidad del original, mucho menos superarla como aseguraban quienes la produjeron.

Y de nada les sirvió, tampoco, que la filmaran recientemente en blanco y negro, como la cinta original, ya que Hitchcock consideraba que el cine de suspenso se disfruta más en blanco y negro. Y por eso se opuso a las presiones de la empresa productora para que “Sicosis” se filmara en color. Inicialmente, Alfred logró convencerlos argumentando que si la hacían en color, se vería más violenta y estremecedora la escena del asesinato de Janet Leigh bajo la regadera, y como en ese tiempo estaba siendo acusado de que sus cintas mostraban mucha violencia en sus asesinatos, los productores le hicieron caso. Y así la cinta logró impactar como Hitchcock quería, y hasta la fecha sigue siendo considerada como un clásico del cine de suspenso, y sobre todo esa escena bajo la regadera.

Pero vale la pena advertir que esta cinta fue rodada con un bajísimo presupuesto, incluso como algo emergente, luego de que contrató a Audrey Hepburn para la cinta “No bail for the judge” y luego de que regresó de Londres –su tierra natal- para escoger las escenas que utilizaría en esta cinta, ella ya no quiso trabajar porque estaba embarazada. Y así fue como se puso a filmar esta cinta con pobre presupuesto y se convirtió en 1960 en la más taquillera de la historia de su carrera, porque además era común en esos tiempos que sus películas eran de muy buena calidad, pero sin éxito en la taquilla.

En ese mismo año, cuando Hitchcock se prepara para viajar por el mundo acompañado de su esposa Alma Reville, a quien dos años antes le habían diagnosticado cáncer. Y antes de partir, según lo llegara a comentar él mismo, vió una noticia que le llamó mucho la atención: una bandada de pájaros habían bajado por la chimenea de una casa y atacaron a la dueña. Así fue como nació su idea de hacer “Los pájaros”, otra de sus cintas que se convirtieron en clásicas del cine de suspenso, utilizando por primera vez a Tipi Hedren, que hasta entonces era una modelo. Y desde entonces le obsecionaron las rubias. Y a Tipi la contrató para que trabajara en varias cintas bajo su dirección.

Hacer una película, llegó a decir Alfred Hitchcock, es como dar vida a lo que hiciste en el guión, llevándolo a escena, para luego ponerlo en latas. El gran problema es que cuando se hace cine puro, toma mucho tiempo el trabajo laborioso de iluminar y decorar algo que se verá sólo unos cuantos segundos en la pantalla”.

“Una vez que se ha visualizado todo, la película de principio a fin, las formas de expresión se reducen porque no siempre se alcanza lo que se buscaba en el guión. Se deben hacer concesiones. También hay muchas cosas inalcanzables. Pero se debe probar todo, hipotéticamente, sobre el papel donde también puede marcarse la música. Cinco puntos y cuatro rayas producen repentinamente un hermoso sonido”.

Alfred fue criado en una familia humilde. Su padre murió cuando él tenía 11 años de edad. En 1942 muere su madre y un año después muere su hermano William. Ya para 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de películas del cine mudo en la empresa Famous Players Lasky, donde conoce a Alma que trabajaba como montajista, con la que se casa en 1926 y ella fue después su ayudante de dirección y guinista en varias de las películas del Mago del Suspenso.

Después de 3 años de ayudante de dirección con Graham Cutts, logra dirigir su primer película en 1925, “El jardín de la alegría” que filma en Alemania, donde conoce al gran cineasta Murneu, uno de los realizadores que más influyó en su manera de ser en el cine. Y 4 años después dirige la que sería la primer película sonora de Inglaterra, “La muchacha de Londres”. En 1928 nació su hija Patricia.

Era muy conocido en los medios cinematográficos, como un director muy exigente, porque a todos les exigía que tenían que presentarse a trabajar con traje y corbata, incluso utileros y ayudantes. Pero a los actores les motivava mucho la forma como Hitchcock se dirigía antes de filmar cada escena, tomando de los hombros al actor o actriz y mirándolo fijamente se ponía a dialogar con cada uno sobre lo que era su personaje. Pero claro que no a todos les gustaba esto, porque consideraban que mientras la mayoría de directores de cine consideran a los actores como el punto de principal importancia, Alfred con esa forma de comunicarse con los actores, también estaba dejándoles en claro que el más importante de la película, era él.

Pero lo que sucedía en realidad era por su caracter controvertido. Como era el caso cuando le hacían una pregunta y no era capaz de responderle directamente a la persona que se la hacía, sino que la respuesta se la daba a través de terceras personas, o simplemente se quedaba callado.También nadie tenía el derecho de hablarle en diminutivo frente a frente.

También, detestaba que en una escena apareciera algo con colores chillantes. Y es que consideraba que ese objeto podría hacer llamar más la atención del espectador que lo que estaban haciendo o hablando los personajes de la cinta. Y eso lo sabía muy bien, por ejemplo, el responsable de la fotografía de cintas como “De entre los muertos”, “El hombre que sabía demasiado” y “Topaz”, Henry Bumstead.

Cuando filmó “La Trama” (Family plot) en 1076 se rumoró –curiosamente- que esta sería su última película, porque se retiraría o moriría (lo cual así ocurrió), pero él desmintió ambas versiones, porque aseguró que ya estaba preparando su siguiente película, porque tenía pendientes dos películas ya firmadas para la Universal. Incluso, aseguró que su salud era buena, aunque todos veían como caminaba muy despacio, luego de que le colocaron un marcapasos.

También, era tradicional que Alfred Hitchcock apareciera en todas las películas que dirigió, pero como algo perdido, alguien que pasaba o que estaba cerca. Y casi todos los admiradores del cine de Hitchcock buscaban afanosamente dónde y cómo había aparecido en la cinta. Por cierto, en “La Trama”, sólo aparece su silueta reflejada en los cristales de una oficina. Pero también fue algo fuera de serie esta que fue su última cinta, porque era totalmente diferente a todo lo que había hecho, porque ya no era un tema de suspenso u horror, sino un melodrama pero tratado en forma sofisticada. Por cierto, en la trama la actriz Karen Black ya en pleno rodaje no le gustó ser la villana de la historia y le pedía constantemente al director que hiciera a su personaje más amable, y aceptó pero con ciertas reservas, pero como era su costumbre cuando estaba disgustado, luego la presionó y con mucho más razón ordenó que fuera repetida varias veces la escena en donde ella se deja caer estrepitosamente al piso con tal de llamar la atención al obispo secuestrado que tenían en su casa. Pero no fue a la única actriz o actor que presionó durante el rodaje. Porque se decía que le encantaba martirizarlos. Por ejemplo, durante el rodaje de “Juego Sucio”, Hitchcock hizo que la joven Phyllis Konstam se lanzara al agua más de diez veces para filmar una escena que ya había quedado bien desde el comienzo.

Sus grandes películas fueron “Frenesí”, “Topaz”, “Marnie la ladrona”, “Los pájaros”, “Psicosis”, “Vértigo”, “La ventana indiscreta”, “Para atrapar a un ladrón”, “Crimen perfecto” cinta que por cierto luego fue “enlatada” o “congelada” porque precisamente mostraba a una mujer que comete el crimen perfecto contra su marido y hace unos 8 años hicieron otra versión de esta cinta con Michael Douglas en la que el marido es el asesino pero que termina siendo descubierto, como para dar el mensaje de que que todo crimen llega a ser descubierto y por lo tanto no hay crímenes perfectos. Además fueron buenas sus cintas “Tuyo es mi corazón”, “El enemigo de las rubias”, “La Soga”, “Rebeca”, “La posada maldita”, “39 escalones”, “La dama desaparece”, “El hombre que sabía demasiado”, “Juego sucio”.

Muchos de los seguidores del cine de Alfred Hitchcock consideran que sus mejores películas las hizo durante el tiempo que vivía en Londres y no tanto cuando ya estaba en Estados Unidos.

Cuando en 1926 Alfred dirige “El enemigo de las rubias” (The Logder), los productores la consideran muy mala, pero la cinta es como el nacimiento de lo que se vería desde entonces en el cine de Hitchcock, porque presenta a un falso culpable que es perseguido por la fatalidad, mientras ocurren asesinatos terribles de rubias. Pero lo importante de esta cinta es que aún cuando fue filmada hace 80 años y muchas cintas de entonces pueden parecernos cursis, en esta se mantiene el suspenso desde el principio hasta el final, pero incluso con mucha inventiva visual.

Ahora lo recordamos a 109 años de su nacimiento -13 de agosto de 1899- y 28 de su muerte -29 de abril 1980-.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(26-oct-08)

Ernest Borgnine, un villano inigualable

2008-10-11T16:16:00.000-07:00

+ Sigue muy activo como actor después de 57 años de carrera ininterrumpida

+ Un villano en la pantalla, pero tranquilo y amable en la vida real; 5 veces casado

+ Doce del patíbulo, De aquí a la eternidad, Grupo Salvaje, “Los vikingos”.

+ En 1997 estuvo en Manzanillo filmando; estuvo casado con Katy Jurado

por Héctor ESPINOSA FLORES

Ernest Borgnine ha sido uno de esos grandes villanos del cine internacional que no se olvidan fácilmente, como aquel despiadado ataque con cadenas y martillo que le propinó a Lee Marvin –otro gran villano- en la cinta “El emperador del Norte” porque éste quería viajar de mosca en un tren, o cuando casi mata a William Holden en “Los vengadores”, o robando bancos junto a la excelente actriz Bette Davis en “Bunny O’Hare”, hizo temblar a otras ratas en “Escalofrío”, o cuando violó a Rachel Welch en “Hannie Caulder”, o como el sádico sargento que mata a golpes a Frank Sinatra en “De aquí a la eternidad”.

Pero también, Ernest Borgnine puede ponerle la muestra a muchos actores que, o se han apagado apenas empezaban, o simplemente han dejado las pantallas por otras cosas, o porque no supieron mantenerse en un lugar más o menos sustentable. Y es que Ernest a sus 90 años de edad, que los cumplió el 24 de febrero, aún sigue activo en el cine

Ha estado activo en el cine desde 1951 con “China Corsair” una cinta de aventuras en la que curiosamente interpretaba a un asiático. Y a la fecha ha trabajado como actor en más de 190 películas. En 2008 trabajó en la cinta para la televisión "Aces 'N' Eights" así como en las películas "Strange Wilderness" y "Chinaman's Chance" y para 2009 estará en "Wishing Well", "Death Keeps Coming", "The Lion of Judah" y "Another Harvest Moon".

Ernest, con su gran figura física -1.75 m- , gordo y con cara de boxeador, con ojos saltones, ha advertido que si bien ha hecho muchísimos papeles de villano, en toda su carrera sólo en una ocasión llegó a trabajar en una cinta musical (The best things in life are free, en 1956) en la que incluso ¡cantaba y hasta lloraba! y es que en la cinta interpretaba al compositor Lew Brown, pero cuando durante el rodaje tuvo que cantar “Sonny Boy” que le trajo muchos recuerdos realmente conmovedores, y asegura que lloró de verdad.

Pero ese rostro de maloso que hemos visto en la pantalla, en realidad no se lleva con el caracter que tiene en la vida real, porque es un sentimental y trata bien a las gentes. Sin embargo, ser un villano muy cruel en la pantalla, le hizo ganar muchos millones de dólares. Y asegura que ha sido muy fácil para él hacerla de villano, porque ni siquiera tiene que recurrir a ninguna técnica actoral, ni siquiera la Stanislavski, advierte él mismo, porque considera que si buscara alguna técnica de alguien, no hubiera logrado. Simplemente saco lo que siento y lo que debo mostrar, según lo dice el guión, señala.

Cuenta el actor que cuando le pagaron 150 mil dólares por su actuación en “El emperador del Norte” se sorprendió porque le pareció un buen sueldo. Pero jamás le ofrecían un porcentaje de las ganancias en otras películas.

Pero lo curioso resulta que aún cuando se quejaba precisamente de que no le ofrecían regalías por sus películas, cuando lo hicieron para la famosa cinta “Escalofrío” le ofrecieron darle un porcentaje. pero él lo despreció porque creyó que nadie iría a ver una película en donde el tema principal eran las ratas.

Pero grande fue su sorpresa y decepción, cuando la cinta se convirtió en taquillera y tan sólo en los Estados Unidos logró más de 30 millones de dólares en su corrida de estreno.

Aunque en ese tiempo él consideraba que la violencia que él mostraba con sus personajes no era ni la mitad de lo que realmente se tiene en las calles, en realidad sus interpretaciones impactaban, a tal grado que en cierta ocasión –como él lo llegó a narrar- había ido a visitar a su madre a Brooklyn cuando se estaba proyectando “De aquí a la eternidad”, pero cuando acudió a un bar, un hombre le preguntó si no era aquel que le pegó a Frank Sinatra, y Ernie le trató de explicar que se trata sólo de actuaciones, pero aquel hombre no le creyó y se le lanzó encima a golpes, pero afortunadamente otro hombre lo detuvo.

Y Ernest jamás intentó golpearlo, porque en la vida real no es un hombre que se enfrente a otro, porque él mismo asegura que trata de mantener la calma, aunque cada vez que declara eso, acepta que cuando rodaban la cinta “La aventura del Poseidón” estuvo a punto de golpear a la actriz Shelley Winters, porque le gritó que le gustaría romperle la boca y muchos lo escucharon, pero él advierte que fue un caso especial.

Ernest, por cierto fue soldado durante la Segunda Guerra Mundial, con varios años en activo, como subartillero, y estuvo en el Atlántico y también en el Pacífico. Y al acabar la guerra, su madre lo alentó a que tomara un curso de teatro que le ofrecían en el ejército y se fue a estudiar esa carrera 4 años al teatro Barter en Abingdon, Virginia, donde ya trabajaba en obras y donde se casó con Rhoda Kemins, que había estado enlistada en el ejército y tenía 7 años cortejándola.

En 1950 la Columbia lo contrató para 3 películas en roles secundarios y luego fue llamado a Broadway para trabajar en “Mrs. McThing” con Helen Hayes y después de las presentaciones decidió irse a Hollywood junto con su esposa y su hija Nancy, recién nacida y se fueron a Hollywood para filmar de inmediato -1953- la que sería su primer éxito “De aquí a la eternidad”, y luego filmó “Un sábado violento” y “Conspiración del silencio”, en ambas al lado de Lee Marvin, pero cuando filmó “Marty” resultó un éxito que no se lo esperaba, interpretando aun afable carnicero del Bronx que se enamora de una maestra tímida y fea, y ese papel le hizo ganar el Oscar de Hollywood en 1955. El único que ganaría en su carrera.

Luego trabajaría en “Jubal”, “Los vikingos”, “Banquete de bodas” que para el actor era su favorita porque es en la que conoció a Bette Davis y en donde lograron congeniar, a pesar de que ambos tenían cara de malgeniosos, y como estaban siendo dirigidos por Richard Brooks, también con esa fama. Pero también trabajó en cintas que tuvieron una gran aceptación cuando se proyectaban en el cine Juárez, de Colima, “Demetrio y los gladiadores” o “Vera Cruz” en donde Burt Lancaster era el trapecista estelar de un circo.

Luego, cuando en 1958 su matrimonio ya no andaba bien, Ernest trabajó en la cinta “The badlanders” al lado de Alan Lad y la mexicana Katy Jurado y ahí surgió el flechazo y se casaron al año siguiente. Pero fue muy tormentoso porque chocaron su caracter y tres años después ya se estaban divorciando.

En esos tres años en que nunca estuvo bien con la actriz mexicana, Ernest trabajó en cintas que no le ayudaron en su carrera, hasta que intervino en la teleserie “McHale’s Navy” con la que ganó de nuevo mucha fama. Por cierto, Ernest Borgnine luego en 1997 estaría en Manzanillo filmando la versión cinematográfica de esa teleserie, escenificando guerra marina pero a manera de comedia. Y esta versión no tuvo el éxito que se esperaba.

Ernest se ha casado en 5 ocasiones. Luego de divorciarse de Katy, se casó en 1964 con la cantante Ethel Merman pero aquí si fue un choque de trenes y la relación apenas duró un mes. Incluso, Ernest la demandó acusándola de crueldad mental extrema, pero ella contrademandó y terminó ganando ella, por los mismos temas. En 1965 se casó con la actriz Donna Rancourt con la que tuvieron dos hijos pero se divorciaron en 1972 y al año siguiente se casó con la noruega Tova Traesnaes con la que sigue viviendo.

Ernest, quien en realidad se llama Ermes Effron Borgnino, trabajó en muchas cintas interesantes como “El vuelo del Fénix” con James Stewart, la emocionante “Doce del patíbulo” con Lee Marvin y Charles Bronson, “Estación polar zebra” con Rock Hudson, “Grupo salvaje” con William Holden y Robert Ryan, “Los vengadores” con William Holden, “Destino final” con Burt Reynolds, “El príncipe y el mendigo” con Oliver Reed, “Convoy” con Kris Kristofferson, “Sin novedad en el frente”, “Rescate en Nueva York” con Kurt Russell, “Bendición mortal” de Wes Craven, “Gattaca” con Ethan Hawke y Uma Thurman. Pero en su larguísima carrera nunca más fue nominado al Oscar aunque algunos consideran pudiera haberlo estado, aunque también debió ser porque dejó de interpretar papeles estelares.

Hoy recordamos a este gran actor que sigue muy activo a sus 90 años de edad.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(12-oct-08)

J. T. Walsh, un gran Villano del Cine

2008-10-05T14:22:00.000-07:00

+ "Sin rastro alguno" y "El negociador", las que lo consagraron como un gran villano

+ En 16 años de carrera en el cine trabajó en más de 70 películas, de todos los géneros

+ Inicio a los 39 y murió a los 55 años de edad; trabajando en teatro, fue descubierto

por Héctor ESPINOSA FLORES

J. T. Walsh trabajó en más de 70 películas de diversos géneros, incluso bajo las órdenes de Woody Allen, así como en comedias y thillers, pero su fama más notable la logró con sus papeles de villano, llegando al grado de encasillarse en el género sobre todo por "El Negociador" y "Sin rastro alguno" y que fueron precisamente sus últimas intervenciones en la pantalla grande.

James Thomas Patrick Walsh, su verdadero nombre, había nacido el 28 de septiembre de 1943 en San Francisco, California y murió el 27 de febrero de 1998 en California, de un ataque cardiaco. Estaba en una fiesta en el momento de su muerte. Medía 1.85 de estatura.

No fue un actor ganador de premios ni festivales, pero sí fue un gran actor y llegó a ser nominado en 1996 al Screen Actors Guild Awards, por su actuación en "Sling Blade" (El otro lado de la vida) una grandiosa película en la que su actor estelar Billy Bob Thornton logra una magistral actuación por la cual fue nominado al Oscar pero ganó la estatuilla dorada por el argumento que escribió. Pero también fue nominado al Emmy por su actuacion en la serie "Hope", y luego fue nominado al premio de la Academia de Cine de Horror, Fantasía y Ciencia Ficción por el thriller basado en una novela de Stephen King, "En el corazón de la jungla", así como por el thriller "Sin rastro alguno", uno de sus grandes éxitos como villano.

El thriller "Sin Rastro Alguno" (Breakdown) dirigido por Jonathan Mostow, presenta una historia que pudiera pasarle a muchos, si se encontraran con villanos como los que se muestran en la película, cuando Jeff (Kurt Russell) y su esposa Amy (Eatheen Quintana) se dirigen a California pero el auto se avería cuando circulan por una carretera en una zona semi desértica en la que se nota que nadie vive a gran distancia. Se detiene un camionero (J.T. Walsh) y les ofrece llevarlos a, pueblito más cercano donde cuentan con mecánico, pero Jeff no quiere dejar solo su auto en una zona tan abandonada, y la esposa se ofrece ir con el trailero. Después, Jeff va a buscar a su esposa al pueblito, pero nadie la ha visto y todos se comportan muy extrañamente. Va a la policía y se comporan igual. Nadie le hace caso, por lo que decide buscarla por sí solo, y descubre lo que menos se imaginaba y se enfrenta a ellos, a los malvados pueblerinos. O sea que la historia ya no es como otras que se han visto en la pantalla en la que el citadino no puede ante la bravura y maldad de los pueblerinos. Sin embargo, el citadino se convierte en un monstruo malvado que vence al enemigo.

Cuando apenas estaban preparando las copias de la cinta "El negociador" en los laboratorios para su estreno, fue cuando murió J. T. Walsh, y en la misma cinta le agregaron un recuerdo en su memoria. Ese mismo año, Jack Nicholson le dedicó el Oscar que estaba ganando como mejor actor por "As good as lt gets".

En la película "El negociador", dirigida por F. Gary Gray, un thriller de suspenso muestra a Samuel L. Jackson como un policía especializado en negociar con aparentes delincuentes, en situaciones de mucho riesgo, sobre todo cuando han tomado rehenes, pero aquí tiene que hacer lo contrario, ya que toma a varios como rehenes -entre ellos a J.T. Walsh- para probar su inocencia.

Sus intervenciones más conocidas en cine fueron en "El negociador" (1998), "Sin rastro alguno" (1998), "El otro lado de la vida" (1996), "La sombra del intruso" (1996), "Babbysitter" (1995), "El cliente" (1994), "Ganar de cualquier manera" (1994), "La última seducción" (1994), "Milagro en la ciudad" (1994), "Un testigo silencioso" (1994), "En el corazón de la jungla" (1993), "La tienda" (1993), "Algunos hombres buenos" (1992), "Hoffa" (1992), "Red rock west" (1992), "Llamaradas" (1991), "Gente loca" (1990), "La casa Rusia" (1990), "Testigo accidental" (1990), "Conexión tequila" (1998), "Casa de juegos" (1987), "Buenos días, Vietnam", "Hannah y sus hermanas" (1986), "Power" (1986). Pero también estuvo en "Nixon", un episodio de "Los expedientes secretos X", la comedia "Milagro en la calle 34", entre otras.

Sólo trabajó 16 años en cine, en un total de 73 películas, y eso fue suficiente para ganar una ganar una gran popularidad como villano, a pesar de sólo una minoría de cintas donde interpretó a villanos. A los 39 años de edad trabajó en su primer película para la televisión "Little Gloria" en 1982. En 1986 trabajó bajo la dirección del afamado Woody Allen en "Hannah y sus hermanas" que recibió 7 nominaciones al Oscar ganando 3 de ellos. Luego estuvo en la comedia "Buenos días, Vietnam" dirigida por Barry Levinson con Robin Williams en el papel estelar, y después estuvo en "La conexión tequila" junto a Mel Gibson, Michelle Pfeifer, Kurt Russell y Raul Julia. Posteriormente también estaría en un capítula de la teleserie "La ley y el orden", luego en "The grifters" con Angelica Huston, John Cusack y Annette Bening, luego en "Miseria" un buen drama misterioso con James Caan y Kathy Bates ganó el Oscar como mejor actriz, pero J.T. Walsh no aparece en el reparto aunque sí en la película. En "La casa Rusia" una historia de espías el papel estelar estuvo a cargo de Sean Connery y Michelle Pfeifer. Sólo vivió 55 años de su vida.

En la vida real J.T. Walsh no era un villano, sino todo lo contrario. Se graduó en la Universidad de Rhode Island, donde se destacó en varias producciones teatrales, incluso fuera de la escuela, en Broadway y era el presidente de la sociedad democrática de estudiantes, un movimiento que creció fuera del movimiento anti guerra de los años sesenta. Comenzó trabajando como asistente social, vendedor de enciclopedias, ayudante en la barra de algunos restaurantes, maestro de escuela secundaria, y reportero. J.T. Walsh es padre de John West que también es acto , y hermano de Christopher Walsh, Patricia Walshy Mary Walsh. En su niñez había asistido a una escuela de internos jesuitas en Irlanda. Hablaba bien el alemán.

En 1970 el se fue con su novia Susan West a vivir a Carolina, donde tenían una propiedad de 60 acres y ahí pasaron una década de su vida como pareja, y fue en la época en la que desempeñó varios trabajos, desde vendedor de enciclopedias a ayudante en la barra de varios restaurantes. En 1976 fue cuando realizando una actuación teatral, el director David Mamet lo conoce a H.T. Walsh y lo contrató, pero como ya había otro actor llamado James Walsh, Jim usó primero sus iniciales JP, pero los productores no las consideraron apropiadas. En 1974 ha había nacido su hijo John.

Hoy lo recordamos como un gran actor.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(5-oct-08)

Judy Garland, el éxito, los fracasos y el trágico final

2008-09-28T16:51:00.000-07:00

+ Madre de la también cantante y actriz Liza Minelli, también con una vida tormentosa

+ Con “El Mago de Oz” ganó un Oscar y comenzaron sus grandes oportunidades

+ Se casó en 5 ocasiones; su madre la drogaba para que aguantara el ritmo, y eso la mató

por Héctor ESPINOSA FLORES

Judy Garland, la inolvidable protagonista de “El Mago de Oz”, al igual que otras estrellas con grandes prodigios, pero ella en partida doble porque era una gran cantante pero también actriz de cine, tuvo una vida tormentosa y un trágico final.

Su nombre real fue Frances Gumm, y había nacido el 10 de junio de 1922, en Grand Rapids, Minnesota. Sus padres eran del ambiente artístico, su padre un cantante y su madre una pianista y ambos formaban el dueto “Las dulces voces del sur” que participaban en un vodevil en diversos teatros del sur de los Estados Unidos.

Pero Judy Garland desde el momento mismo de nacer, comenzaron sus penurias en la vida personal, porque sus padres querían un niño -porque ya habían tenido otras dos hijas- y le demostraron su poco afecto.

Sin embargo, ella desde muy pequeña se metió al mundo del teatro, y a los tres años de edad ya estaba debutando en un evento de aficionados, pese a que su padre se opuso, pero su padre la sacó por la fuerza del escenario pese a que la niña estaba triunfando cantando “Jingle bells”.

Cuando estaba en un colegio público -dos años después- buscó participar en toda oportunidad que hubiera dentro del colegio para estar cantando en los eventos propios de la escuela. Pero cierto día un productor la escuchó cantar y luego buscó a la madre para tratar de convencerla para que ella formara un trío con sus otras dos hermanas, y así fue como surgió “Sisters Gumms”. Pero no les fue bien. Pero continuaron cantando, hasta que cierto día un cómico de ese tiempo, George Jessel le sugirió que se cambiaran el nombre por el de Garland, y ella le agregó el “Judy”, y así fue como surgió el que sería su nombre artístico definitivo, pero el nombre para nada ayudó en la suerte del grupo, que después se desintegraría cuando la hermana mayor se casó.

Cuando ella apenas tenía 12 años de edad su madre la apoyó para que fueran a Hollywood a buscar surte y comenzaron a tocar puertas. Y en todas partes donde audicionaban, todos se decían sorprendidos de su hermosa voz, pero nadie la contrataba, porque la consideraban muy pequeña. Pero cuando Louis B. Mayer la escuchó, la contrató de inmediato.

Sin embargo sus dos primeras cintas en las que intervino no tuvieron éxito, sino hasta que trabajó en 1938 en la cinta “Melodía de Broadway” en la que cantaba el tema “Me haces amarte” (You made me love) que gustó bastante al público y le ayudó a darse a conocer.

Luego intervino en otras cintas más, pero volvió el éxito cuando intervino en la serie “Andy Hardy” al lado del chaparrito y entonces joven actor Mickey Rooney.

La productora Metro Goldwing Mayer comenzó a hacer los preparativos para “El mago de Oz” confiados en que la Fox les prestaría a su estrella principal Shirley Temple, pero no ocurrió así. Fue entonces cuando la Metro decidió arriesgarse poniendo en el papel estelar a Judy Garland a pesar de que a sus 17 años de edad la joven aparentemente ya no estaba apropiada para interpretar el papel de una niña, pero gracias al maquillaje y apretados corsés, lograron bajarle los años. Y con el tema musical que fue escrito especialmente para ella, “Bajo el arcoiris” (Over the rainbow), ella saltó a la fama plenamente, tanto como actriz como cantante y además le dieron un Oscar especial por su carrera juvenil, en 1940.

Y luego vinieron otras cintas que también tuvieron éxito en esa época, “La chiquita Nely Kely”, “Hijos de la farándula”, “Armonías de juventud”, “Las follies de Ziegfried”, entre otras. En la cinta “Música y juventud” dio grandes muestras de su capacidad histriónica porque cantó, bailó, imitó, hizo mímica. Cuando terminó el rodaje, Judy anunció su matrimonio con el músico David Rose. Ella apenas tenía 19 años de edad, y creyendo haber encontrado la felicidad, había iniciado su entrada al infierno.

Sobre todo porque su madre y sus apoderados comenzaron a imponerse sobre ella porque les importaba mucho cuidar la mina de oro que representaba para ellos. Pero eso de “cuidarla” era relativo, porque en realidad lo que dicidieron fue lo peor, ya que le daban drogas para que rindiera más cuando filmaba películas o cuando hacía presentaciones como cantante o grabando discos. Y eso sólo provocó que cada vez hubiera más drogas y alcohol, destrozando también su tranquilidad interna, porque se casó en tres ocasiones más, divorciándose de todos.

También fue nominada al Osca en 1955 por “A star is born” y en 1962 por “El juicio de Nuremberg”, una gran cinta de Stanley Kramer en la que participaba un gran reparto de famosos como Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark, Marlene Dietrich, Maximilian Schell, Montgomery Clift. Pero también ganó el Globo de Oro por “A star is born”.

En 1945 se casó con el director de cine Vincent Minnelli pero se divorciaron en 1951, luego de que naciera su hija Liza Minnelli, que años más tarde también sería una gran actriz y cantante, pero también con una tormentosa vida. Luego en 1952 se casó con el productor Sidney Luft con el que tendría dos hijos y se divorciaría en 1965. Ese mismo año se casó con el actor Mark Herron de quien se divorciaría en 1969. Y ese mismo año se casó con Mickey Deams.

Ya para entonces, Judy había caído en lo más hondo, porque las drogas y el alcohol habían acabado con ella y con su fortuna, pero también emocionalmente estaba acabada. Incluso, cuando se casó por quinta ocasión, aseguraba que por fin había encontrado al hombre que había estado buscando toda su vida. Pero el destino ya no la dejó que lo disfrutara, porque tres meses después de haberse casado, ella murió, el 22 de junio de 1969. O sea, nació y murió en el mismo mes, pero apenas cuando tenía 47 años de edad.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(28-sep-08)

James Cagney, un ganador de Oscares

2008-09-20T13:06:00.000-07:00

+ Fue un actor muy versátil y de calidad: ganó 7 Oscares de 10 nominaciones

+ Famoso por sus personajes de gángster, de los que jamás pudo alejarse

+ Declaró que le hubiera gustado lo recordaran como un gran bailarín o cantante

por Héctor ESPINOSA FLORES

James Cagney fue sin lugar a dudas uno de los grandes actores del cine clásico. Y fue un triunfador de Oscares con 7 ganados de 10 nominaciones. Además, fue un actor que se mantuvo activo en el cine durante 50 años, aunque tuvo, como otros actores, una etapa de retiro nada menos que de 20 años.

James Francis Cagney -su nombre real- nació el 17 de julio de 1899 en la ciudad de Nueva York de una familia humilde de inmigrantes irlandeses y noruegos. Después de que en 1918 falleció su padre, tuvo que abandonar sus estudios en la Univesida de Columbia y se puso a trabajar en diversos oficios, entre ellos, envolver paquetes en un almacén neoyorquino, y ganaba 16 dólares a la semana, con lo que se mantenían su madre, sus hermanos y hermannas. Pero luego entraría a vodeviles, donde curiosamente debutó interpretando a una mujer. Luego sería cantante y bailarín y ganaba 35 dólares semanales, manteniéndose en esas presentaciones 12 semanas.

En los años 20 ya trabajaba en comedias musicales en Broadway y cuando trabajaba en “Penny Arcade” y estuvieron en el oeste de Estados Unidos en 1930 la Warner lo contrató sólo para tres semanas para hacer una película, pero eso bastó para ver en él un potencial y excelente actor y ahí se quedó toda su vida. Y no se equivocarían, porque ese mismo año comenzó a trabajar en la cinta “Enemigo público”. Y esa película además de que le abrió las puertas a la fama también lo marcó para toda su vida en el papel de un gángster, aunque el quisiera que lo recordaran como un bailarín y cantante como lo había mostrado en “Yankee doodle dandy” con la cual ganó el Oscar como mejor actor en 1942. Sin embargo, y esto no se supo sino muchos años después, a él le habían ofrecido el papel del muchacho bueno de la historia -Edward Woods hizo finalmente ese papel- pero cuando el director de la película y los guionistas vieron la película “Puerta al infierno”, William Wellman el realizador le dijo a la compañía productora que tenían los papeles al revés, y fue cuando decidieron que el papel del “malo” fuera para Cagney. Y le pagaron 151 mil dólares por los 16 días que duró la filmación.

El actor consideraba que fueron muy buenas las cintas “Oliver” y “Patton”, a pesar de que en ese tiempo era difícil interpretar a los militares, porque como no hablan mucho, tenía que hacerse algo más para llamar la atención del espectador.

Llegó a decir que se consideraba un actor jornalero, porque aceptaba todo y no le importaba todo lo demás. Y llegó a decir que no necesitaba el aplauso, pero en realidad era lo que se ganaba con sus creíbles actuaciones.

En la época en que se retiró del cine -20 años- se convirtió en un granjero exitoso que cultivaba maíz y heno para sus 200 cabezas de ganado en su rancho de Dutchess County, Nueva York, junto con su esposa Frances, a la que apodaban Bill.

También practicó la poesía y la pintura y llegó a recibir el ofrecimiento de 15 mil dólares por los derechos de reproducción de algunos de sus cuadros, pero no aceptó.

De las últimas cosas que se supieron del actor, después de terminada su última película “Uno, dos, tres” de Billy Wilder en 1961, es que James Cagney logró triunfar en su lucha para que no fuera construido un aeropuerto que tendría que desaparecer a su rancho.

Y citó en alguna ocasión que cuando trabajaba en el rodaje de “Uno, dos tres”, la debutante Pamela Tiffin, de apenas 18 años y era la primera vez que aparecía en el cine, se veía nerviosísima frente a él, por lo que James la invitó a que antes repasaran los diálogos, frente a frente, para que fuera perdiendo el nerviosismo, pero ella lo miraba fíjamente primero a un ojo y luego al otro, y él tuvo que decirle que viera al centro de los dos ojos.

También llegó a dirigir la cinta “Atajo al infierno”, pero nunca más le entusiasmó volverlo a hacer.

Se llegó a decir en muchas ocasiones que James Cagney fue un actor muy progesional, pero aunque pareciera que él estaba muy cerca de los personajes de malos que interpretaba en la pantalla, en realidad sí era un duro , pero sentimental, que celebraba la lealtar y admiraba el valor.

Además, le gustaba autoevaluarse, y llegó a decir que hay un momento en “Alma negra” (White Heat) de Raoul Walsh en la que el gángster estelar se sienta en el regazo de su madre. Y era una postura no adecuada para la maldad que se debía suponer tenían los gangsters que interpretaba en la pantalla, pero fue un éxito. Pero en esa misma película se considera que existe otro momento importante, cuando Cagney se entera , cuando está desayunando en la penitenciaría, que su madre ha muerto. Se cubre el rostro con sus manos y después de unos segundos en silencio, grita como animal herido, y se desata un motín en la cárcel.

Algunas de sus grandes interpretaciones fueron también “Desfile de candilejas” en 1933, “El guapo”, “Ha entrado un fotógrafo”, “Aguilas heróicas” en 1935, “Angeles con caras sucias” en 1938 en la que aparecía también Humphrey Bogart y por esa cinta recibiría la primer nominación al Oscar aunque el premio lo ganó Spencer Tracy por “Forja de hombres”.

Otras fueron “Contra el imperio del crimen”, “El sueño de una noche de verano”, “The Oklahoma kid”, “Ciudad de conquista”, “Yanqui dandy” con la que logró ganar el Oscar como mejor actor en 1942 y poco después de este gran éxito decidió abandonar la Warner porque no llegaron a un acuerdo monetario y James Cagney decidió instalar su propia productora, “Cagney productions”, pero pronto tuvo que cerrar porque resultó un fracaso y regresó a la Warner para trabajar en “Al rojo vivo” dirigida por Raoul Walsh con Virginia Mayo.

Otros de sus éxito fueron “Un león en las calles”, “Escala en Hawaii”, “El hombre de las mil caras”, “Luces de rebeldía” y en 1955 volvería a ser nominado al Oscar con “Love or leave me” y en 1961 decidió retirarse del cine luego de trabajar en “Uno, dos, tres” de Billy Wilder pero regresó sorpresivamenmte en 1980 con “Ragtime”, en la que volvió a dar muestras de su gran calidad histriónica y en ella estuvo participando también Pat O’Brien, junto con el cual actuó en muchas películas de su época más exitosa.

Sólo estuvo casado con una mujer, Frances Vernon, en 1922. Murió James el 30 de marzo de 1986 en Nueva York, su tierra natal, cuando tenía 86 años de edad.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com

(21-sep-08)

Los famosos escriben libros para niños

2008-07-26T16:12:00.000-07:00

+ Madonna, Gloria Estefan, Billy Crystal, Jamie Lee Curtis, de los primeros
+ Ahora también Kylie Minogue; otros, se preparan para escribir autobiografías
+ Los que fracasaron: John Travolta, Whoppy Goldberg, el Príncipe Juan Carlos

por Héctor ESPINOSA FLORES

Escribir parece que es una moda, o más bien una alternativa para descatar como versátiles los más famosos y famosas. Pero que escriban libros para niños, es aún más sorprendente, y con mucho más razón si se trata de Madonna, porque todos creen que la reina del pop era sólo eso, sin embargo ha escrito 5 libros para niños que han sido traducidos a 40 idiomas y que se venden bien en más de 100 países del mundo.

Madonna fue la iniciadora de esta "moda" como la consideraron algunos, por el hecho de que los famosos le dedican su tiempo y sus aptitudes para ayudar a los niños. Inició en 2003 y dos años después ya había escrito cinco libros, todos ellos dedicados para los niños. Los libros fueron "Las rosas inglesas", "Las manzanas del señor Peabody", "Yakov y los siete ladrones", "Las aventuras de Abdi" y "Lotsa de Casha" en el que se narra la historia de un hombre rico que lo pierde todo pero gana un amigo. Y además, el libro es parte de una campaña de recaudación de fontos para la Fundación de Lucha contra el Sida que promueve Elton John.

Los temas de sus libros son la amistad, así como el respeto a los maestros, además de valorar la vida, así como el verdadero significado de la felicidad, porque ella ha dicho que su objetivo es orientar no sólo a los pequeños sino también a los adultos, para que de sus libros saquen una buena moraleja, y la apliquen.

Pero en realidad, antes de Madonna otros ya lo habían hecho, aunque no tenían la fama de la reina del pop. Por ejemplo Jamie Lee Curtis quien saltó a la fama desde que trabajó en la cinta "Hallowen" en 1978, así como en La Niebla, El Tren del Terror, Escape de Nueva York, Mentiras verdaderas, debutó como escritora en 1993 con su libro "Cuando yo era pequeña" en los que resalta los logros de una niña de 4 años y luego en "Cuéntame otra vez cuándo nací" en en que presentó una evocación dulce y emotiva sobre la adopción que la consagró como escrtora de temas infantiles. Además, fue de los pocos libros extranjeros que también tenían versión en español. Después escribiría "Hoy me siento tonta", "¿Dónde van los globos?" y "I'm Gonna like me".

Pero destacó el gran actor de cine, teatro y televisión John Lithgow a quien seguramente recordará como el intérprete debajo de un disfraz de mono en la película y luego en la teleserie "Pie Grande y Los Enderson" y luego como el villano en "Máximo riesgo" junto a Silvestern Stallone, así como en Punto de Impacto, maravilló también como escritor de temas infantiles cuando en el año 2000 presentó "The remarkable Farkle McBride" en la que presenta a un niño prodigio de la música que debe de descubrir su verdadero interés, y un año después presentó su segundo libro "Marsupial Sue" sobre una cangurito que aprende sobre la importancia de ser feliz a pesar de lo que es y con ambas historias le fue muy bien por parte de los críticos y eso lo motivó a escribir "Micawber", en el 2003, sobre una ardilla neoyorquina que aprende a pintar, y luego con "Soy un manatí", en el 2003, sobre una aventura acuática muy divertida, le fue muy bien y ese mismo año presentó "Carnaval de animales".

La cantante Gloria Estefan escribió "Las mágicas y misteriosas aventursas de Noelle, el buldog" que tuvo un gran éxito porque llamó mucho la atención de chicos y grandes y se convirtió en un best-seller infantil, que mantuvo entretenidos a muchos sobre todo cuando estuvo a punto de morir y sobrevivió. Además, el tema fue inspiración para muchos otros escritores. Y la cantante aseguró que ella misma lo escribió y que no fue necesario necesitar a un editor, que incluso quiere seguir escribiendo como serie.

Además, la joven cantante de country, Learn Rimes, escribió "Jag", anécdota de un pequeño jaguar que debe enfrentar el miedo que le provoca el primer día de escuela. Y le fue bien con la historia y luego presentó su siguiente libro, "Jag's new friends".

El conductor de la entrega del Oscar en varias ocasiones, Billy Crystal escribió "Already know I love you" sobre la llegada de su primera nieta, donde narra con sentimiento las cosas que hará con la niña una vez que estén juntos.

Pero también el comediante Bill Cosby escribió sobre los típicos problemas a los que se enfrentan los niños, pero también escribió para orientar a los padres para educar a los niños.

La cantante australiana Kyle Minogue también siguió los pasos de Madonna, porque estará escribiendo para los niños.

Pero a la que no le fue bien, fue a la morena comediante Whoppi Goldberg cuando escribió "Alice" y le fue mucho muy mal con las críticas. Y ella fue de las primeras actrices famosas en escribir temas para los niños, en 1992, pero fue un desastre.

Pero a quien sí le fue bien, y no precisamente por su realeza, fue a la ex duquesa de York, Sarah Ferguson, porque fue todo un éxito cuando creó al personaje Budgie, un pequeño helicóptero. Sus libros tuvieron un gran éxito a tal grado que la Fox le compró los derechos para hacer una serie de dibujos animados en la cadena Fox. Luego repitió el éxito con "Little red" una niña pelirroja en una historia sobre el valor y la amistad. Y luego surgió "Little red's Christmas story".

Al Príncipe Carlos de Inglaterra también no le fue bien con "The old ma of Lochnagar" en el que se presenta la historia de un anciano que vive en una cueva rodeado de curiosas criaturas. Pero también a John Travolta le fue muy mal con "Propeller one-way night coach" que presentó en 1997. Fue tal el fracaso, que ni siquiera la quedaron ganas para volver a intentarlo.

Otros famosos, como Paris Hilton, dio mucho de qué hablar cuando sacó su autobiografía, en la que trató de convencer de que no es fácil ser la heredera de tantos millones de dólares. Pero también ahora Linsay Lohan está anunciando que escribirá su autobiografía, seguramente que incluirá cómo ha caido en las drogas y el alcoholismo -actualmente está pagando con servicios sociales las multas por conducir ebria- así como haber tenido más de 10 relaciones amorosas escandalosos, y ahora se insiste que tiene una relación homosexual.

Hasta el domingo. Mi correo: hmef@msn.com